No hope after the final doom: Götterdämmerung closes Robert Carsen's Ring at the Teatro Real.

Madrid, January 30, 2022.

In 2019, the Teatro Real embarked, for the second time after its re-opening in 1997, in a new production of Wagner's Ring, the acid test par exellence for any opera company. As usual in many opera houses, it has been given in four seasons, an opera per year. However, another opportunity to have it performed in a week - like the famed Valencia Ring by Zubin Mehta and La Fura on DVD- , as Wagner conceived it, was lost. There were rumors, that  the late Gerard Mortier wanted to do it during his tenure as the Teatro Real Artistic Director, but his death prevented it.  

This Madrid Ring has witnessed a twilight, too: the one of the former Pre-Covid normality. When it started in early 2019 with Rheingold, none of us could imagine that three years later our lives could experience such a turnaround one year later. In February 2020 during Walküre, when first Covid reported cases in Spain were emerging, China was in lockdown, but we still went on with our normality, not assuming chaos was closer and closer. By February 2021, the ferocious second wave was already around, and safety distance and masks were already part of our lives. Most major opera houses outside Spain were closed and offering audienceless streamings; but Teatro Real astonished the world by performing an uncut Siegfried, something unthinkable considering the  new restrictions. Now, when theatres are now operating again at full capacity, but Omicron variant beating our hopes, the cycle concludes. In a way, this Ring will be remembered (as it has been being filmed and later telecasted) as the one which coped the Covid-19 and succeed.

Götterdämmerung is the final Journey of this musical epic, the most important one in Western culture. Its structure is like the complete cycle: a prologue and three acts, closer to Ancient Greek dramas. In the prologue, the Norns by spinning the thread of fate, resume the previous plot: a big conflict between gods and humans, and the tragical interactions between gods, demigods giants, dwarfs and humans. In the remaining three acts, humans pick gods' baton, and we see how they rule the world, but only to conclude the road to final destruction which the gods and other creatures had paved. Indeed humans' passions, conflicts and ambitions are not different to their predecessors in the previous operas, and we witness, as acts are going by, how the growing tension leads to the disaster. Even when the sensation of danger is constant during the whole work, Wagner wants to send us a message of hope. Gods' final doom and destruction doesn't mean the actual end of the world but a new opportunity: a new era without ambitions, curses and establishment will begin with the reconstruction once Walhalla and its intrigues are gone, and the Ring will return to its legitimate owners. Humans will reconstruct a new, better world.

The last time this masterpiece was seen in Madrid was in February-March 2004, in a production by Willy Decker, setting the plot in a theatre-inside-theatre background (still performed in Dresde), and conducted by Peter Schneider, who wasn't as accomplished as expected from such an experienced maestro. The cast was led by an unforgettable Eric Halfvarson as Hagen, but that production was sort of troubled: the tenor had to be replaced in the middle of the second performance, and the cover assuming the remaining ones. In addition, the performance of March 12, 2004 had to be cancelled because of the terrorist attack the previous day. 

Eighteen years later, another vision is reaching his end in the Spanish capital. Robert Carsen's production, coming from the Cologne Opera, and called "The Eco-Ring" by some people, has set the action in a polluted, post-apocaliptic world. A vision in which pollution,  and nature deterioration , intensify the conflicts and liaisons between gods, demigods, dwarfs, giants and humans in a doomed world. To Carsen, the Ring begins and concludes with pollution around, with no possibility of hope and regeneration, with no solution coming from the main characters, only to delay the unavoidable final destruction. When this production was premiered in 2000 in Cologne Opera, it was regarded as a dystopian vision. Twenty-two years later, it still seems so, but after the pandemic it also seems to have become a serious warning of what we will have to endure if we don't react. 

When entering the hall, we are again greeted by that metallic, gruesome curtain we have seen in the previous journeys. The curtain rises to show the palace hall seen also in previous scenes, depicting Walhalla. Now, all the furniture seems to be packed for moving. Norns are janitors who clean the room in apathy before starting to spin the thread of fate, while a beautiful orange light, a masterful work by Manfred Voss, illuminates the stage. One of the best achievements of this Ring is the presence of real fire. And when Siegfried departs from the Walkyrie rock, a long and thin line of fire is shown, and is crossed by the hero. In Act One we return to the palace, now completely tidy, but with other occupants: now humans dwell in the former Walhalla, and have established their own fascist dictatorship. Costumes by Patrick Kimmonth re-create this: the militarized aesthetics for men, and the 1930s looks for women, approaching the action dangerously to Nazi Germany. Gunther wears Wotan's former uniform, but unlike the powerful god, he is a faint ruler, and Hagen, wearing black colours, is the mastermind. Gutrune appears as an internate student, portraying a sort of lolita. Siegfried wears always his soldier uniform.

Act Two begins with Alberich emerging from the darkness, putting his hands on Hagen's head, and then to sing to his asleep son, even moving his swivel chair around the stage while their shadows are projected to give a sinister ambiance. The second scene has a spectacular, lavish wedding ceremony, with the chorus shaking flag banners and offering a catering. Act Three is however, the most intense. In the Scene 1 we meet a familiar sight: The Rhine polluted, with junk everywhere, and the Rhinemaidens washing themselves while singing their longing song. Siegfried blows into a dirty hose instead of his horn. Soldiers sit around him to listen to his story, even sit above the dirt. The Funeral March was played with the curtain down, but lights illuminating it, in a beautiful and moving moment. The same thing happened at the end, by making Brünnhilde to sing her Inmolation scene totally alone, with the curtain down again, and singing looking to the audience, making them to participate in her final monologue. In the Finale, the curtain rises again, to show the fire and a big cloud of smoke. Then, rain falls to turn the fire off. Brünnhilde disappears and leaves the stage. Now, the complete void. This rain doesn't purify. It doesn't redeem. Now the world has been destroyed, no further life is coming. With the final note the curtain falls hiding any trace of light, closing heartbreakingly the cycle.

Pablo Heras-Casado concludes his approach to Wagner's Ring leading the Teatro Real Orchestra. The Spanish maestro has given a more than mere accompaigning rendition, but less brilliant than Siegfried last year. Götterdämmerung begins with beautiful salute to the world, but the melody which was shining and cheerful in Siegfried, now is dark, sad, melancholic. In this point the orchestra began good, with the first note played in a slow tempo, and as brass was placed (like last year) in parterre balconies, it seemed that the sound came from the depths. Acts 1 and 2 were well played, showing an improvement, despite a disastrous lose of unity in the tutti in Act 2 finale. The excellent woodwinds of the Teatro Real gave an unforgettable performance, but the strings were just correct in excerpts like Siegfried's Journey through the Rhine or Act 2 prelude. Percussion hadn't their best night, sounding like a toy. Act 3 was the best performed, with an accomplished brass in the prelude and beautiful woodwind during the Rhinemaidens's scenes. Funeral March was beautifully played, despite the troubled percussion, with an effort displayed from the orchestra, specially the brass. At the Finale, the orchestra gave a great rendition, but not as the great Funeral March. The final note was played by the beautiful woodwinds of the orchestra, prolonging the note with the slowly-fading curtain, closing the performance with the usual moving emotions when a Ring cycle ends.

The Teatro Real Chorus show again their usual vigor, specially the male voices. In Act 2 they seemed to be a bit surpassed by the orchestral volume, but they sang very well. However, the biggest effect was in Act 3, by singing the "Hoiho" calls a cappella and offstage. Deprived from any orchestral obstacle, their voices sounded powerful, menacing. As actors they were as accomplished as usual, portraying a brute, fearsome army in Act 3. 

Andreas Schager as Siegfried lead the cast with his mostly stunning rendition. Indeed he not only reprised his last year great level, but also excelled it in many moments. Even when he started a bit reserved in the Prologue, during the remaining acts he showed a singing full of volume and stamina, reaching a vigorous singing in Act 2 Heilige Wehr! and during his narration in Act 3, with a great volume, even youthful tone. However, the highest tessitura is a problematic to him, specially that High C in Act 3, which he cannot cope. During the Death Scene, his singing was sung in a mild tone. Anyway, there is little doubt he is one of the most prominent heldentenors today and his Siegfried was a great one. As actor, he portrays all the hero's charisma and naughtiness.

Ricarda Merbeth reprises her Brünnhilde and like the previous year, it is clear that her voice doesn't fit in the tessitura. Her lyric-toned voice lacks the overwhelmingly dramatic part required for the role. As a result she has to force the voice. However, her dramatism on stage helps her, and as a result her high notes are benefited of this: in Act 2 and in final inmolation they sounded beautiful and imposing. In the Inmolation she gave the audience an intimate, introspective, tender rendition, specially singing sweetly the first line "Starke scheite schichtet mir dort".

Stephen Milling was an insufficient Hagen. His voice as a nice bass tone, but lacks some volume, something necessary for this role. His Hagen could be sinister but is not scary, which affects his famous scene in Act 2. His best moment was the duet with Alberich, in which his voice expressed the dreadful dream of his role.

Lauri Vasar as Gunther lacked also volume, resulting in just a correct performance. Martin Winkler has a too gutural voice for Alberich. However, this is convenient for his brief scene in this opera,  in one of the best performances in the show.

Micaela Schuster as Waltraute was maybe the best performer after Schager with a powerful singing, a voice heard all over the hall, with remarkable low notes.

Amanda Majeski sang Gutrune. In the past, Majeski sang in La Clemenza di Tito at the Teatro Real in 2012. The voice sounds more dramatic than sweet and youthful, but her singing is remarkable. She was better as the Third Norn in the prologue.

The Norns and Rhinemaidens were at a correct level, but Anna Lapkovskaja was an interesting First Norn.

When the performance ended, the curtain raised again to make Merbeth to receive the complete ovation for her great final scene. Then the remaining artists took their respective bows, being Schager, Merbeth, Milling and the conductor Heras-Casado the most ovationed. There was a high occupation, and several young people were among the audience, which is really great to see. The audience of Teatro Real has changed too much since its reopening in 1997. Back to 2004, Wagner was controversial, even quite boring for some people, by judging some comments in forums and in the theatre. Now the audience enjoys his operas like a full-blown wagnerian. Indeed many of them consider themselves so. 

Once again, Wagner has won over Madrid, and the Teatro Real finishes its second production of the Ring. Whenever a version of Wagner's epic ends, one can feel that a big quest is over, and turning the page over is difficult after such an experience. During these three years, the audience has kept the illusion each year, waiting for the next journey. Now, under the Wagnerian spell, we have to go on, hoping we would enjoy the next Ring  production at the Teatro Real as much as we did. And hoping not much time goes by before we hear the first Rheingold notes again on its stage, because the audience has proven to love the Ring.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

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La destrucción total de un mundo condenado: El Ocaso de los Dioses en el Teatro Real.

Madrid, 30 de enero de 2022.

En 2019, el Teatro Real, por segunda vez en su nueva trayectoria artística, se ponía manos a la obra con la prueba de fuego por antonomasia para cualquier teatro: El Anillo del Nibelungo, de Richard Wagner. Como viene siendo habitual en muchos teatros, se ha programado a ópera por temporada. He de decir que otra oportunidad perdida se ha dejado pasar, para representarlo como se debe, en una semana. Así se hizo en Valencia en la mítica producción de Les Arts con la Fura y Mehta, y así quería hacerlo, se dice, Gerard Mortier en el Real, si la muerte no se hubiera interpuesto en su camino. Este Anillo madrileño, ha visto, de alguna manera, un ocaso: el de la antigua normalidad. Cuando empezó en enero de 2019, nada hacía presagiar la pandemia que se nos venía encima. Incluso durante las funciones de Valquiria en febrero de 2020, las últimas antes del cierre total, cuando ya se empezaban a diagnosticar los primeros casos de Coronavirus en España, pero aún no arreciaba el temor. Luego, cuando parecía imposible seguir con la empresa debido a las limitaciones de aforo, los toques de queda la distancia de seguridad y la ferocidad de la segunda ola, el Real montó un exitoso Sigfrido en febrero de 2021, cuando ningún otro gran teatro fuera de España estaba abierto todavía y solo daban streamings sin público. Por eso, del alguna manera, este Anillo estará ligado al Covid y a sus consecuencias, en el recuerdo del público que lo ha visto.

"El Ocaso de los Dioses" es el gran capítulo final de esta saga. El Ocaso es una tetralogía dentro de la Tetralogía: un prólogo y tres actos, una estructura que alude a la obra. Un prólogo que nos resume la acción precedente, un gran conflicto entre dioses y humanos, las trágicas interacciones entre humanos, criaturas y semidioses. En esta ópera, y a lo largo de sus restantes tres actos, el testigo lo recogen principalmente los humanos, aunque lo único que hacen es concluir la senda que llevará a la destrucción de los dioses y del orden establecido. Sus conflictos, pasiones y ambiciones no son diferentes de las divinidades y demás seres fantásticos de las anteriores óperas, y la creciente tensión a medida que pasan los actos conlleva a la catástrofe. Pero pese a que esta acecha a lo largo de cuatro horas y media de obra, al final Wagner desea enviarnos un mensaje de esperanza. No todo está perdido: han desaparecido los dioses y todos los que arrastraban la maldición del anillo, pero los humanos tendrán una nueva oportunidad, que vendrá con la reconstrucción, con una nueva era. 

La última vez que habíamos visto el Ocaso en el Real, en 2004, fue en la producción de Willy Decker, y dirigida por Peter Schneider. Una producción en la que hubo bastante alboroto: el tenor previsto solo cantó el día del estreno y perdió la voz en la segunda función, teniendo que recurrir al cover tras una hora de pausa, por no hablar de la cercanía del atentado del 11M, que suspendió una función, la del 12 de marzo de 2004, en señal de duelo nacional. Estuve en el estreno, pero fueron pocas las alegrías: el viento metal desafinó al menos siete veces en el prólogo, y de las pocas cosas buenas que hubo, el gran Eric Halfvarson como Hagen. 

Ahora termina de nuevo el ciclo, dieciocho años después, y a lo largo de estos tres años, los madrileños lo hemos visto en la versión postapocalíptica de Robert Carsen, procedente de la ópera de Colonia, a la que algunos han llamado el "Ecoanillo". Una visión donde la polución, la degradación de la naturaleza, tan importante en esta obra, intensifican los conflictos de pasiones y poderes en un mundo ya condenado de antemano. Para Carsen, la obra empieza y termina con contaminación, sin posibilidad alguna de esperanza y regeneración, y sin que los principales agentes responsables hagan algún intento por remediarlo, solo retrasar lo inevitable. Como bien ha señalado la prensa, esta visión, en su conjunto, cobra cada vez más vigencia. Cuando este montaje se estrenó hace 22 años en la Ópera de Colonia, parecía una visión distópica. Aún sigue pareciéndolo, pero tras la pandemia, ya parece más una seria advertencia de lo que podría pasarnos si no actuamos, que mera ficción. 

Nada más entrar en la sala, de nuevo nos saluda ese tétrico telón metálico que nos ha acompañado a lo largo de todo el ciclo. En esta ocasión, el prólogo tiene lugar en el salón del palacio (el Walhalla) que hemos visto anteriormente, pero ahora con todos los muebles recogidos, y las tres Nornas limpian apáticamente, hasta que empiezan a hilar el hilo del destino, mientras que una bella luz anaranjada, impecable trabajo de Manfred Voss, ilumina la escena. La roca de las Valquirias vuelve a ser ese paisaje desolado y lleno de restos de armaduras de los héroes, donde Brunilda y Sigfrido retozan alegremente. Cuando el héroe parte, se levanta el decorado para mostrar una línea de fuego real, que cruzará, siendo uno de los grandes aciertos del montaje. En el primer acto, vemos de nuevo el salón del palacio en orden. Los Gibich y su ejército tienen la misma estética fascista que tenían los dioses, lo que indica que la dictadura de aquéllos ha sido sustituida por una de humanos. Incluso hay dos mapas del Rin y de las ciudades a su paso. El vestuario de Patrick Kinmonth es también importante en esta estética. Gunther es ahora el líder, vestido como lo estaba Wotan, pero un líder pusilánime, guiado por el siniestro Hagen, vestido todo de negro, quien le manipula a él y a Gutrune, aquí representada como una lolita con ropa de instituto. Sigfrido va vestido una vez más con su vestimenta de soldado. Kinmonth acerca la ambientación peligrosamente al fascismo de los años 30, a juzgar también por la caracterización del coro femenino. Un efecto muy usado en escena es que en el final del primer acto, Gunther aparezca físicamente, mientras que el tenor que interpreta a Sigfrido cante fuera de escena. 

El segundo acto empieza con Alberich emergiendo de las tinieblas, poniendo primero sus manos encima de la cabeza de Hagen, para luego aparecer y mecer la silla de este, mientras vigila su sueño. De nuevo la iluminación hace aquí maravillas, proyectando la sombra de los personajes, dándole un toque tétrico. Es el segundo acto el más espectacular a nivel visual, con una lujosa ceremonia nupcial, con el coro izando banderas y sirviendo un convite. El tercer acto es sin embargo, el más impactante. Se abre el telón que nos lleva a una escena familiar: las Hijas del Rin vestidas como pordioseras, aseándose mientras el río está lleno de desperdicios y chatarra. De hecho, Siegfried sopla en una manguera que usa a modo de cuerno, mientras Hagen, Gunther y el coro se unen, y todos se sientan alrededor del héroe, incluso sobre la basura, para oír sus primeras aventuras. Al final, Brunilda canta sola su Inmolación: Carsen la hace cantar su monólogo final en con el telón bajado, con la protagonista en el borde del escenario, compartiendo con el público sus sentimientos y reflexiones. Finalmente, el telón se vuelve a abrir para mostrar el fuego real en escena, llena de humo esta vez, con Brunilda abriéndose paso en medio de la lluvia para luego desaparecer, pero esta lluvia no purifica nada, simplemente apaga el fuego, dejando un escenario vacío, yermo, sin atisbo de vida: la destrucción se ha consumado y ya solo queda la nada. Y con la última nota, cae el telón lentamente, devorando todo atisbo de luz.

Pablo Heras-Casado concluye su aproximación al Anillo con este Ocaso al frente de la Orquesta del Teatro Real. No es esta una obra fácil, dada su extensión y su  riqueza orquestal. El maestro granadino ha dirigido una versión en la que podría decirse que acompaña y además se deja oír, y con momentos destacables, pero menos que el año pasado en Sigfrido. La obra empieza con un emotivo saludo al mundo, pero la melodía que era alegre en la jornada anterior, ahora es triste y melancólica, recreando la noche. En este punto, la orquesta empezó con buen pie, ya que al distribuir (cumpliendo las medidas de seguridad) parte del metal en los palcos, al tocar la primera nota, ésta parecía emerger de la tierra, además empezando con un tempo más lento, lo que convenía a ese saludo de la madre naturaleza. El primer y el segundo acto tuvieron una evolución positiva, aunque con unos tiempos un tanto lentos. La excelentes maderas del Real brillaron una vez más, aunque la cuerda esta vez no pasó de lo correcto, especialmente en el Viaje por el Rin. La que no pareció tener un buen día fue la percusión, sonando demasiado aparatosa. De hecho, el tutti final del segundo acto fue quizá el punto más bajo, con la orquesta perdida. En el tercer acto la cosa mejoró sensiblemente, con el viento dando una memorable interpretación del preludio y muy destacado en la primera escena. La marcha fúnebre fue emocionante, y se apreciaba el esfuerzo de los músicos, pese al deslucimiento de la percusión una vez más, pero fue sacado con dignidad. En el gran final, la orquesta cerró bien su intervención, aunque no como en la marcha fúnebre. Sin embargo, la bellísima y espectacular nota final que cierra el ciclo, que en tan poco tiempo nos evoca la esperanza surgida de la destrucción, fue tan maravillosa en manos de la madera, que se fundía con el telón bajándose lentamente, que hizo que cerrase de forma conmovedora la función. El Coro Titular del Teatro Real volvió a demostrar su vigorosa sección masculina, tanto en en el segundo acto (aunque algo tapado por la orquesta al princicpio), como en el tercero: potentes las voces fuera de escena en los "Hoiho, Hoiho" a cappella con el que se comunican con Sigfrido. En la gran escena coral del segundo acto dieron una gran interpretación del coro nupcial "Heil dir Gunther", además de ser excelentes actores: uno podía ver su rudeza en el tercer acto.

Andreas Schager no solo interpretó a Sigfrido, el héroe de la obra, sino que lideró el reparto de principio a fin, estando a un nivel superior al resto del elenco. El tenor austríaco no solo repitió su notable interpretación del año pasado, sino que la superó por momentos. Si bien empezó algo discreto en el Prólogo, desde el primer acto exhibió su vigor vocal y su volumen, llegando a una potente intervención en el segundo acto en Heilige Wehr, Heilige Waffe, su famosa escena de juramento. Igualmente sorprendió en el tercer acto con la narración de su vida, donde realmente logró su otro mejor momento, con un torrente vocal, con un timbre heroico y juvenil. No obstante, parece que la tesitura más alta del personaje parece escapársele, especialmente en el Do4 del tercer acto. Durante la escena de la muerte de Sigfrido, la voz quizá estuvo un poco exenta de volumen, pero la interpretación del héroe agonizante fue impecable. Aun así, no cabe duda de que el tenor consigue resistir la mayor parte de la obra, sin sonar mal en ningún momento, lo que ya es bastante meritorio.

Ricarda Merbeth interpreta una vez más a Brunilda, y una vez más la voz no es la adecuada para la valquiria, pese a todo el empeño que pone. Su timbre es mas bien lírico, quizá demasiado para el personaje, lo que a veces lo limita; teniendo que recurrir a veces a forzar la voz. El grave suena muy desgarrado. No obstante, el temperamento artístico de esta soprano le permite sacarlo con dignidad, e incluso el agudo parece beneficiarse de esto en el acto segundo, sonando furibunda en la terrible escena Betrug, Betrug  y pronunciando la famosa línea Starke Scheite con gran belleza. Precisamente en su gran escena final demostró sus capacidades interpretativas, con una versión introspectiva e íntima de la Inmolación.

Stephen Milling como Hagen fue decepcionante. Millling tiene un bonito timbre, pero le falta volumen. Y en un personaje como Hagen, eso es un gran problema, porque el principal villano de esta ópera necesita imponer, aterrorizar, y para ello se necesita una voz oscura, de verdadero bajo profundo. Este Hagen podrá ser siniestro, pero no da miedo. En el segundo acto mejora su interpretación, pero en su famosa escena Hoiho, ihr Gibichsmannen no resulta impactante, e incluso durante un momento la orquesta parece querer taparlo. Su mejor momento es la primera escena del segundo acto, en ese oscuro dúo con Alberich donde habla desde su sueño. 

Lauri Vasar como Gunther tampoco estuvo abundante de voz ni de volumen, resultando en una interpretación poco más que discreta.

Martin Winkler no tendrá la voz más agradable para Alberich. De hecho, suena gutural, pero para su única escena, el sueño tenebroso de Hagen, la voz es conveniente para el personaje, lo que hace que Winkler consiga una buena interpretación.

Micaela Schuster como Waltraute tuvo una de las grandes interpretaciones de la noche, con una voz que se deja oír, y con un bello grave, y generoso volumen. 

Amanda Majeski interpreta a Gutrune. Majeski cantó Mozart en el pasado en el Real, concretamente en La Clemenza di Tito. La voz suena más dramática que juvenil y deliciosa, y ese timbre oscuro le quita dulzura al personaje, pero su interpretación es notable. 

En cuanto al resto del reparto, las Nornas mantuvieron un nivel correcto. Mención para Anna Lapkovskaja, quien hizo una Primera Norna de bella voz, y para Amanda Majeski, quien aquí está mejor de Tercera Norna que de Gutrune. Las Hijas del Rin estuvieron a un nivel discreto. 

Al terminar la función, el telón se volvió a levantar para que primero Merbeth recibiera los primeros aplausos en solitario tras su tremenda intervención. Después saludaron los demás artistas, con ovaciones para Milling, Merbeth, Schager y el director Heras-Casado. El teatro estaba altamente ocupado, y lo que llamaba la atención poderosamente es ver la cantidad de gente joven que había. Hace 20 años, cuando el Real daba sus primeros pasos como teatro de ópera moderno tras su reapertura, parte del público recelaba, se aburría en las obras de Wagner, como recuerdo algunos comentarios en foros y pasillos. Ahora sucumbe a la pasión wagneriana.  No puede ser de otro modo: la música de Wagner alcanza en únicamente en el  teatro sus máximas cotas de disfrute y catársis artística.

Una vez más, Wagner, ha triunfado en Madrid, y el Real termina así su segunda versión del Anillo. Siempre que se termina de ver un ciclo uno siente haber llegado al final de una gran aventura, tras la cual nada es igual. Han sido tres años en los que los madrileños hemos disfrutado en vivo de la gran epopeya musical de Occidente, manteniendo la intriga año tras año. Ahora solo queda pasar página, lo que siempre cuesta después de escuchar cada versión de esta obra, esperando que la próxima vez que la volvamos a ver sobre este escenario disfrutemos tanto o más, y sobre todo, que no pase tanto tiempo.  

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

ESP/ENG : Daniel Barenboim y el Concierto del Año Nuevo 2022: música por la esperanza.

Comienza 2022, tras un 2021 que prometía ser el año de la vuelta a la normalidad y al final se ha quedado empañado por una variante ómicron que ha puesto en jaque a toda Europa. Aun así, nos resistimos a perder lo poco de normalidad, de tradición que nos queda. Hoy 1 de enero, el mundo entero vuelve a mirar, una vez más, a Viena y a su Concierto de Año Nuevo en la bella e inmensa Musikverein, interpretando los valses de la familia Strauss. 

Este año, la Orquesta Filarmónica de Viena ha estado dirigida por Daniel Barenboim, quien por tercera vez se pone al frente de la fabulosa orquesta, a la que dirigió en las ediciones de 2009 y 2014. El año pasado, Riccardo Muti dirigió una Musikverein vacía, con unos aplausos grabados desde diferentes partes del mundo. Este año, hay un público reducido (en un momento de la pandemia complicado en Austria), de unas 1000 personas, entre las que llama la atención ver a varios (y muy afortunados) niños presenciando algo que recordarán todas sus vidas.

El programa de este año ha estado formado por piezas de carácter simbólico, y hasta mitológico. Ya de por sí la pieza inicial fue la Marcha Fénix de Josef Strauss, pero a lo largo del mismo se han encontrado piezas tan célebres como la Polca de las Ninfas y la bellísima Música de las Esferas. Barenboim ha dirigido con su habitual vigor, y con una agilidad que suponen un soplo de aire fresco en medio de lo que estamos pasando. La Filarmónica de Viena es la orquesta de Strauss. La opulencia que despliega en Mahler, Wagner, Beethoven o Mozart, se convierte en alegría, belleza y brillo en la música de la Familia Strauss. La riqueza de su sonido y los timbres de sus instrumentos hacen que en manos de los vieneses esta música suene como en ninguna otra agrupación.  

La primera parte terminó con una apoteósica versión del Morgenblätter u Hojas de la Mañana,  que la orquesta concluyó con un Tutti tremendo. En la conocida Obertura de la opereta El Murciélago, Barenboim estuvo sublime, dirigiendo a la orquesta con viveza pero al mismo tiempo opulencia. Aquí la orquesta anduvo sin pausa pero sin prisa, recreándose en la belleza de las cuerdas y de los fagotes, antes de retomar el famoso pasaje de vals, con un tiempo más majestuoso. Onírica, hechizante, casi mahleriana la interpretación de la no menos hermosa Música de las Esferas, y de nuevo el Tutti espectacular de la orquesta, con un lucimiento de la sección de viento metal, especialmente las trompetas, en la polca A la caza. Uno se pregunta si los músicos tienen formación también en canto, porque como un coro profesional sonaron en la Polca del Champán, donde cantan y silban al son de la orquesta, como un coro estudiantil.

Es necesario mencionar las filmaciones durante las piezas, este año comenzaron con una atractiva pareja rubia paseándose y romanceándose por las señoriales calles de la ciudad mientras sonaba la Morgenblätter, durante el descanso un vídeo de músicos de la orquesta acompañando diferentes monumentos y tradiciones austríacas Patrimonio de la Humanidad al son de autores como Schönberg, quien compuso en su época tonal algunos valses, Mozart o Schubert, entre otros. En la segunda parte, al son del vals de las Mil y una Noches, el Ballet de la ópera de Viena realizó su tradicional coreografía en el Palacio de Schönbrunn, y ocho caballos de la Escuela de Equitación danzando al son de la polca de las ninfas. 

Tras el consabido saludo en alemán de toda la orquesta, Barenboim se dirigió al público en un emotivo discurso en inglés. El director argentino recalcó la importancia de la música, tan necesaria en estos tiempos que corren, reivindicando la necesidad de una educación musical en las escuelas, algo de capa caída  (por no hablar de los países hispanos, donde es inexistente en el currículo escolar), porque el mundo sin música no es mundo. Y añadió, que es en estos momentos donde la orquesta se convierte en un único instrumento.  Después vinieron las propinas obligatorias : el famoso vals del Danubio Azul, que se inicia con el brillante, hermoso sonido de las trompetas de la orquesta, que le da a esta popular pieza la categoría de gran pieza sinfónica que merece. El concierto terminó con la consabida Marcha Radetzky, en la que el público da palmas al son de la batuta. Aquí Barenboim, ya visiblemente fatigado tras dirigir el mismo concierto anoche, se mostró afable y divertido con el público. Por otra parte, La orquesta ya ha anunciado que Franz Welser-Möst dirigirá la edición de 2023.

Como bien dijo el presentador de TVE Martín Llade, tras el final del concierto ya se puede dar por comenzado el año 2022. Un año en el que esperamos avanzar más hacia la normalidad, volver a nuestras antiguas vidas y un año en el que esperamos grandes momentos musicales. Que la magia de la música sinfónica y la ópera nos den mucha felicidad.

Daniel Barenboim and the  2022 New Year's Concert: the music of hope.

2022 begins, after a 2021 which started being the year of recovery, and it ended being affected by the omicron variant, leaving Europe on the rack. Nevertheless, we resist to lose our remaining normality and traditions. Today January 1, the world focuses again its attention towards the Musikverein in Vienna, where New Year's concert has been held again, playing the Strauss Family waltzes.

This year, the Vienna Philharmonic Orchestra has chosen Daniel Barenboim, who already conducted in 2009 and 2014, for the 2022 concert. Last year, Riccardo Muti conducted in front of an empty hall, with recorded applauses from worldwide. Now the audience though reduced just to 1000 privileged people, returned to the Musikverein, in a challenging moment for the pandemic evolution in Austria. During the transmission, several children were seen alongside their families, in an event which probably they will remember during the remainder of their lives.

This year's program has been formed by pieces with a symbolic, even mythological meaning. Indeed the concert began with the Phoenix March by Joseph Strauss, but during the event we could have listened pieces such as Nymphs polka and Music of the Spheres. The Vienna Philharmonic seems to be the orchestra of Strauss Family's music: the opulence shown in Mahler, Mozart, Wagner, Beethoven and the non-related Richard Strauss becomes joy, shine and beauty under these musicians. The "Wiener" make this music to sound like no other.

First part ended with a majestic, spectacular final tutti during the Morgenblätter. During the Fledermaus Overture, Barenboim gave a supreme rendition, conducting with a majestic and at the same vivid tempo. In this famous piece strings and brass sounded so charming before getting vigor at the waltz famous passage. Dreamlike, majestic, even mahlerian the beginning of the Music of the Spheres, with the brass showing the best level during the concert. One could wonder if the musicians have a choir training, as they sang and whistled as a professional chorus the Champagne-Polka. Again the Brass had a good moment during the first encore, the Hunting Polka.

We have to mention the filmations which accompaign some of the pieces. During Morgenblätter, an attractive blond couple walked and flirted romantically through the streets of Vienna. The Intermission was accompaigned by a filmation of Austrian World Heritage, by musicians of the orchestra, playing works of several authors, including three string-orchestra waltzes composed by a young Schönberg in 1897, and other ones like Mozart or Schubert. The One and a Thousand nights waltz was accompaigned by the traditional choreography by the Vienna Opera Ballet at the Schönbrunn Palace, and the Nymphs Polka was accompaigned by the dance of eight horses from the Equestrianism School. 

After the traditional greet in German from the whole of the orchestra, Barenboim addressed to the audience in English, to reach a wider audience. The Argentinian-Israeli conductor remarked the necessity of Music in such hard times like the ones we live in, advocating for musical education at schools, appealing to the community that all of us are. And he added that this is a moment in which the orchestra becomes a single instrument. Later, the obliged encores came: first the famous Blue Danube, with the beautiful brass evocating the naissance of this famous river, and then joined by the complete orchestra which gives this piece the symphonic importance it really deserves, beyond the status of popular tune. The event finally ended with the Radetzky March, in which Barenboim, visibly exhausted after having conducted this complete program last night, showed himself as funny and friendly with the clapping audience.

The Vienna Philharmonic has announced that Franz Welser-Möst will conduct the 2023 edition. As the TVE (Spanish National Television) presenter Martín Ilade said, this concert officially opens the year. We hope this year we could make progress in re-conquering our past lives and normality. And last but not least, that we have marvellous musical and operatic moments. That the magic of music shall give us happiness!

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