An austere, feminist new lecture of the belcanto classic: La Sonnambula at the Teatro Real.

Madrid, December 27, 2022.

For the madrileño music lover, Christmas cannot be imagined without the classic operatic title at the Teatro Real. It is part of the whirlwind in which Madrid is absorbed in these dates: purchases, dinner with the family, illuminated streets and a great opera night. It is perceived on entering and leaving the theatre: to see the little Christmas market in the Isabel II square with the big christmas tree, with its powerful pink light, to realise we're not in an ordinary time. The current opera is a classic, as well as a long-absent work from the Teatro Real: Vincenzo Bellini's La Sonnambula, which returns to the Teatro Real after 22 years.

One could wonder about the reasons of this absence, and among them, one could think of the supreme difficulty of the main role, which needs a great soprano to make it justice. Despite the long time after these 2000 performances with Annick Massis and María José Moreno, this used to be a recurrent title in the past at the Teatro Real old history. It was premiered in Madrid in 1852 by the contralto Marietta Alboni, but it is still remembered when in 1863 the legendary Adelina Patti performed it to an audience featuring the famous writer Benito Pérez-Galdós, then a young journalist, or the queen Isabella II. It is said that in the last performance, around 200 canaries were brought to celebrate her as the new "queen" of music. As a gift from Destiny, we can make a vague idea by listening Patti's 1906 rendition of the aria. Other sopranos like María Barrientos, Regina Pacini, Graziella Pareto or Amelita Galli-Curci performed the opera at the Teatro Real stage. Now, La Sonnambula returns to Madrid with two A-level casts, both having a great critical acclaim as well as an enthusiastic reception from the audience. This review will talk about the second cast.

Bárbara Lluch is the director of this new production. Lluch is known after her successful, colourful, production of the Zarzuela El Rey que Rabió last year. Granddaughter of the actress and director Nuria Espert (well known in this opera house, since here she directed a famous Tosca, filmed to DVD in 2004, and also acted in Golijov's Ainadamar in 2012), she makes her debut at the Teatro Real. Unlike her zarzuela production, this one is dark, gothic-like, somber, taking distance from the bucolic ambiance of the original story, despite being conservative in the costumes, desgined by Clara Peluffo. The sets by Christof Hetzer are austere, following Lluch's vision, with a tree presiding the scene in Act 1, a steam machine-like device in act 2, and a big house in Act 3, all of them darkened, with a dense athmosphere suggested by Urs Schönenbaum's lighting. Amina is in several moments accompaigned by a corps-de-ballet coreographed by Iratxe Ansa, which seems to convey that the dancers are the spirits of destiny moving Amina in their dance. 

The curtain rises to show those spirit dancers moving Amina in their dance, in total silence. In Act one, we attend to the betrothal ceremony between Amina and Elvino, both wearing showy wedding crowns. In act 2, the count is more lustful than in the original story, at he is almost about to take Amina while slept, as if he was unable to repress his instinct. One of the most commented, and also criticized aspects of this stage is the new "feminist" vision of this opera: Amina is an empowered, more confident woman who at the end she leaves Elvino and his stupid jealousy, deconstructing the original fable moral of the triumph of love. If this action would have happened nowadays, we could only celebrate that Amina would leave the distrustful Elvino, but Lluch's vision doesn't match with what Amina is singing.

As well as in Norma and Puritani, this work has Bellini's signature style of beautiful melodies,virtuous, inspired, very convenient to the bucolic background of this opera, as well as they have a dramatic effect in scenes such as the sonnambulism ones, or the pathos in Amina's famous aria in Act 3. Despite the romantic comedy air, the psychological portrait of the roles is present in the arias. The Teatro Real Orchestra is conducted by the veteran Maurizio Benini, well known in this repertoire and in this opera house. Benini accompaigned the singers, but also gave strength to the orchestra, sometimes too much, like in the first scene of Act 2 during Elvino's aria. This bucolic work (like other ones) has a remarkable participation of the horns, which were accomplished, as well as the cello in Ah, non credea, which sounded as tender as the soprano. The Teatro Real Chorus sang in their usual good acting and singing level.

Jessica Pratt is one of the most celebrated coloratura sopranos today. And Amina is one of her signature roles. Well known in Spanish opera houses because of her regular presence in their schedules, she makes at last her debut at the Teatro Real despite she has previously sung with the company in Finland with a tour in Puritani some years ago. Her Amina is in the tradition of more light coloratura sopranos than dramatic ones. Her voice has a remarkable technique, but above all splendid, resounding high notes, raising over singers, chorus and orchestra. Despite being a bit reserved and shy during her opening scene with Come per me sereno, her singing improved more and more during the show, and in the scenes with Elvino she sounded tender, with a beautiful piano singing. In her final big scene, she gave a melancholic, introspective, dramatic version of the Ah non credea. She concluded her performance with an agile, pyrotechnic version of the Ah, non giunge aria.

Francesco Demuro surprised the audience with his devoted and powerful Elvino, in a singing well projected and with a nice youthful tone, yet not completely refined. He shone in the duets and in the Prendi l'anel ti dono, but in Act 2 he really got his peak, despite some ups and downs in volume during the Perché non posso odiarti, which at the end he close with a long, well done final high note.

Serena Sáenz in the role of Lisa also improved as the performance transcurred, with a nicely sung rendition of her Act 2 aria  De' lieti auguri a voi son grata, which she closed with a big final high note. In the role of Rodolfo, Fernando Radó has good low register, and his aria in act 1 was well sung. Gemma Coma-Alabert in the role of Teresa was a big surprise with her good singing, well projected and her dark, seductive tone. Isaac Galán in the role of Alessio and Gerardo López as the notar were at a good level.

This performance, despite some ups and downs, has been really enjoyable. The audience, despite not applauding at the end of every aria, awarded the cast effort at the end, specially Pratt which was welcomed, so we can conclude everyone had a good time. 

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

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Una austera y empoderada nueva versión belcantista: La Sonnambula en el Teatro Real, segundo reparto.

Madrid, 27 de diciembre de 2022.

Para el melómano madrileño, no se concibe ya la navidad sin el título del repertorio tradicional en el Teatro Real. Forma ya parte de esa vorágine que todos vivimos en estas fechas: compras, reuniones con la familia, enormes cenas, calles iluminadas y una velada única en el Real con algún título emblemático del género. Y eso se siente nada más entrar y salir del teatro: encontrarse con el mercadillo y el reluciente árbol de la Plaza de Isabel II nos indica que no estamos en una época cualquiera. Este año, el gran título en cartel durante las fiestas es ni más ni menos que un título tan clásico como largamente ausente del Teatro Real: la Sonnambula de Vincenzo Bellini, que vuelve al regio coliseo, así como a la ciudad de Madrid, tras veintidós años desde la última vez que se representó, allá por el 2000.

Uno entiende que una posible razón, si pudiera haber alguna -yo lo dudo-, de tal ausencia, pudiera deberse esta obra requiere de una soprano de enjundia para afrontar el complicado rol. Pese al tiempo transcurrido desde aquellas funciones en el año 2000 con Annick Massis y María José Moreno, no es esta una obra ajena a la larga y accidentada historia del Real. Desde que Marietta Alboni la estrenase en este escenario allá por 1851, muchas de las grandes sopranos han estrenado esta obra. En los anales de nuestra historia lírica, queda inscrito en noviembre de 1863, cuando una veinteañera Adelina Patti, la más célebre soprano de la segunda mitad del siglo XIX, interpretó esta ópera con la que deleitó al público, tras el cual no solo se encontraba la Reina Isabel II, sino también el gran escritor Benito Pérez-Galdós, por aquel entonces un joven periodista. Y como un regalo del destino, nos podemos hacer una ligera idea de esa efeméride oyendo una grabación de la Patti, eso sí, ya veterana. Otras grandes sopranos como Amelita Galli-Curci, María Barrientos, Graziella Pareto o Regina Pacini interpretaron el rol en este mismo escenario.

Ahora La Sonnambula vuelve a Madrid con dos grandes elencos, ambos con un éxito enorme de crítica y público. Esta crítica hablará del segundo reparto. 

La puesta en escena de Bárbara Lluch, quien ya deslumbró al público del Teatro de la Zarzuela con su genial y colorido montaje de El Rey que Rabió, y nieta de la gran Nuria Espert, quien también dirigió (Tosca) y actuó (Ainadamar) en este teatro, es un contraste absoluto con su montaje para el teatro de la Calle Jovellanos. Si su montaje de El Rey que Rabió era colorido, y presentaba un mundo de fantasía, en La Sonnambula apuesta por el minimalismo, la austeridad y lo gótico, aunque eso último no es tan discordante con la obra. Además presenta varias danzas, en las que el cuerpo de baile representan a los espíritus, al destino que afecta a la vida de Amina.  El bucólico ambiente helvético se transforma en austero, más cercano a los amish o menonitas que un pueblecito suizo de romántica postal, en parte debido al vestuario de Clara Peluffo.

La iluminación oscura, en tonos anaranjados y  verdes oscuros, con un árbol omnipresente en la primera mitad refuerzan este ambiente gótico. La acción se inicia con una danza en total silencio, en la que los bailarines-espíritus mueven a Amina en una danza siniestra. La acción da lugar a los esponsales de los protagonistas, que llevan unas aparatosas coronas nupciales. En el segundo acto, el montaje presenta al conde Rodolfo más lascivo de lo que lo retrata el libreto original. El conde en la historia de Romani respeta a Amina, mientras que aquí está a punto de tomarla por la fuerza mientras duerme, hasta que el pueblo entra y la descubre durmiendo. En la segunda parte, unas máquinas de vapor presiden la escena, para luego dejar el escenario vacío y una enorme casa, con una iluminación naranja de fondo, de cuya buhardilla sale Amina en su famosa escena final de sonambulismo, suspendida en la altura. Mientras canta su famosa aria, cae la nieve. 

Una cosa de la que se ha hablado es el enfoque feminista que le da s la directora de escena, ya que al final Amina no se queda con Elvino, sino que le rechaza, después de haber dudado tanto de ella, algo que no casa con la felicidad que está cantando. ¿Se trata de un nuevo enfoque moral, acorde con los tiempos que corren, el mostrar a una Amina empoderada y con autoestima? Si esto pasara hoy en día, es comprensible que dejara al tonto y cerril Elvino, pero en época de Bellini primaba el triunfo del amor sobre todo lo demás, lo que puede resultar chocante, sobre todo en una propuesta más bien "clásica" de la obra. 

Como ocurre con Norma y Puritani, esta ópera lleva el sello de Bellini: melodías bellas, inspiradas, virtuosas, que tanto convienen al bucolismo, el costumbrismo de la Suiza rural donde transcurre la obra; y al mismo tiempo tienen un efectismo dramático, en escenas como la del sonambulismo, o el dramatismo de la famosa aria de Amina del tercer acto. Aunque se note el aire de comedia romántica, Bellini no olvida la psicología, la profundidad de los personajes, y esto lo manifiesta en su música, en arias como Vi ravviso, Perché non posso odiarti, donde la partitura se vuelve lírica, exponiendo el alma del personaje, con toda su fragilidad. La Orquesta Titular del Teatro Real está dirigida por el maestro Maurizio Benini, veterano en esta casa y en este repertorio. En esta ocasión, el maestro Benini le dio mucha fuerza a la parte orquestal, haciendo que esta subiera el volumen en varias ocasiones, lo que en el segundo acto tapó un poco al tenor. La trompa, tan presente en obras tan pastorales, tuvo un momento de esplendor en dicho acto. También el chelo al acompañar a la soprano en el aria. El Coro Titular del Teatro Real estuvo a su habitual excelente nivel tanto musical como actoral.

Jessica Pratt, una de las sopranos de coloratura más celebradas en la actualidad, debuta por fin en el Teatro Real, después de haber cantado en giras con la compañía, pero nunca en su escenario. La Amina de Pratt, uno de sus roles fetiche, se enmarca en la tradición de las sopranos de coloratura que se acercan al rol, con su fuerte técnica y sus impactantes agudos, que sobrepasan a los demás voces y orquesta. No obstante, ha alternado momentos de excelente nivel con otros más bien aceptables  y dignos. Tras una entrada tímida con el Care Compagne y el Come per me sereno, donde estuvo un poco discreta, a medida que avanzaba el acto empezaba a relucir su trabajada coloratura, además de sus potentísimos agudos y sobreagudos. El canto en piano lo domina, ya que le sale bellísimo en el segundo acto. En la famosa escena final, empezó con una versión más bien dramática, introspectiva, melancólica del Ah non credea, para terminar con la cabaletta Ah non giunge, que cierra la obra, con una exhibición de su pirotecnia vocal, en una impresionante interpretación.

Francesco Demuro sorprendió con su entregado Elvino, en el cual supo proyectar su voz de timbre juvenil y agradable, pero a la que le falta cierto refinamiento. Si bien destacó en los dúos e hizo una prometedora versión del Prendi l'Anel ti Dono, donde realmente tuvo su mejor momento fue en el segundo acto, donde estuvo espléndido de voz. Luego en el Perché non posso odiarti cantó igualmente bien, pero no tenía el mismo volumen, posiblemente debido en parte a la orquesta, si bien cerró su escena con excelentes agudos. 

Serena Sáenz interpretó una Lisa que mejoró según iba la función, tras una entrada aceptable, cerró la función con una interpretación excelente del De' lieti auguri a voi son grata, la cual concluyó con un espectacular sobragudo final, que le valió unos aplausos entusiastas, en una función en la que estos no se prodigaron mucho. Como actriz supo interpretar a esta joven envidiosa.

Fernando Radó estuvo aceptable como Rodolfo, con una interpretación de su aria Vi ravviso, o luoghi ameni que cantó bien, aunque pudo faltarle autoridad. No obstante, sí tiene un grave apreciable.

Gemma Coma-Alabert como Teresa fue una de las sorpresas del elenco, ya que cantó el rol bellísimamente, con su bien proyectada voz y su timbre oscuro y al mismo tiempo aterciopelado.

Isaac Galán como Alessio y Gerardo López como el notario cumplieron con sus roles notablemente.

Sin duda esta función, pese a los pequeños altibajos, ha terminado con un nivel notable y disfrutable, sin llegar del todo a lo, algo muy difícil, por otra parte, excelso. Pero al final el público ha sabido apreciar el esfuerzo del elenco, sobre todo el de Pratt, a la que aplaudieron con entusiasmo, señal de que los asistentes lo han pasado bien. Algo que confirma a esta producción como un éxito indiscutible de esta temporada. 

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

ESP/ENG: René Pape debuta en el Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela.

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Madrid, 28 de noviembre de 2022.

El famoso y prestigioso Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela ha iniciado esta noche su edición número 29, y lo hace con un debut. Por primera vez, el bajo alemán René Pape ofrece un recital de lied el escenario de la Calle Jovellanos. Uno de los bajos más famosos del mundo, Pape es una de las figuras líricas más importantes de las últimas dos décadas. Especialista en Wagner, Mussorgsky, Mozart, Verdi, y por supuesto el lied alemán, su recital es uno de los más esperados de esta temporada.

Hacía tiempo que no se veía a Pape en los escenarios madrileños. Superadas las controversias sufridas recientemente debido a su reconocido alcoholismo, Pape reanuda su agenda lírica, en España, Alemania y Reino Unido. El programa de esta noche fue eslavo en la mitad del mismo, dejando también sitio al gran Mozart y al compositor británico Roger Quilter.

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)

Cantata ‘Die ihr des unermesslichen Weltalls Schöpfer ehrt’,

KV 619 (1791)

ANTONÍN DVOŘAK (1841-1904)

Canciones bíblicas, op. 99 (1894)

1. Hay en torno a él nube y tinieblas

2. Tú eres mi refugio y mi escudo

3. ¡Da oídos, Dios, a mi oración!

4. El Señor es mi pastor

5. ¡Dios! ¡Dios! Una canción nueva

6. ¡Oye, Dios mío, mi clamor!

7. Junto a los ríos de Babilonia

8. Mírame y apiádate de mí

9. Levanto mis ojos hacia los montes

10. ¡Cantad al Señor un cántico nuevo!

SEGUNDA PARTE

ROGER QUILTER (1877-1953)

Three Shakespeare songs, op. 6 (1905)

1. Come away, death

2. O mistress mine

3. Blow, blow thou winter wind

MODEST MUSSORGSKI (1839-1881)

Cantos y danzas de la muerte (1875-1877)

1. Canción de cuna

2. Serenata

3. La danza trepak

4. El mariscal de campo

Bises:

An die Musik, Schubert

Zueignung, Richard Strauss

Be still my soul, popular evangélico.

A sus 58 años, Pape demuestra que quien tuvo retuvo. No obstante, es menester decir que fue a más a medida que transcurría la velada , y que se reservó para la segunda parte. Empezó con la cantata de Mozart, con la que entraba en calor, aunque ya daba muestras de su dicción y su buen hacer. Mejoró en las canciones bíblicas de Dvorak, donde sacó a relucir su grandioso fraseo y su capacidad para cantar en piano. Sin embargo, a partir de la segunda parte fue cuando Pape llegó a su gran nivel habitual: esa voz potente, con un timbre oscuro y al mismo tiempo cargado de nobleza y autoridad. En las canciones de Shakespeare, de Roger Quilter  estuvo desenvuelto en el idioma inglés, además de moverse con soltura en la partitura, cantando con típico desparpajo británico estas canciones.

Pero entonces, lo mejor estaría por llegar. Posiblemente el plato fuerte de la velada, las tremendas canciones rusas de Modest Mussorgsky, Cantos y Danzas de la Muerte, es un ciclo de cuatro potentes y sobrecogedoras canciones en las que la muerte interviene y siempre gana. Y fue aquí, donde Pape se entregó. No solo sacando a relucir su grave profundo, potente, de gran volumen, sino también cantando con entrega, totalmente desenvuelto un repertorio que conoce, ya que de Mussorgsky es la ópera Boris Godunov, obra magna del compositor, que Pape tanto ha cantado y con la que tantos éxitos ha cosechado en el mundo. Tal era su dominio de la obra y del estilo del compositor que parecía que Pape estuviera cantando ese Boris. Potentes agudos, graves casi de ultratumba... una versión inolvidable del ciclo, especialmente en el Trepak, y la canción final, donde le dio un tono solemne.

Las propinas fueron incluso mejores, puesto que dos de ellas fueron de lied alemán, repertorio en el que Pape jugaba en casa. Empezó con la famosa An die Musik, de Schubert,  seguida de Zueignung, de Richard Strauss. Ambas piezas las cantó bellísimamente, y en la que la dicción era fluida y natural al ser en su propio idioma. Al conocer este repertorio, su gran musicalidad y sensibilidad afloran durante la interpretación. La velada realmente acabó con la tercera y última propina, una canción en inglés muy popular entre las iglesias protestantes, Be still my soul, que cantó con la misma solemnidad de un espiritual negro.

Tras la baja de Camillo Radicke, pianista habitual de Pape, le sustituyó Michael Schütze, el cual dio un acompañamiento notable. 

Después de la última propina, Pape se despidió del público diciendo "Feliz Navidad" en español. Esperamos volver a ver de nuevo a Pape por Madrid, ciudad a la que no venía desde 2019. Aún tiene voz para darnos noches mágicas como  esta.

ENGLISH: René Pape makes his debut at the Teatro de la Zarzuela's Lied Cycle

Madrid, November 28, 2022.

The famed Lied Cycle held every season at the Teatro de la Zarzuela, starts this year with a debut. The German bass René Pape sings in this theatre for the first time. One of the best basses worldwide, Pape is a renowned Wagner, Mozart, Mussorgsky singer, so his recital has been one of the most awaited this season. He hadn't  been seen in Madrid since 2019. Now recovering from the recent controversies regarding his alcoholism, Pape is reprising his career in Spain, Germany and the United Kingdom. The program had a slavic accent, featuring two masterpieces of slavic song:

PART ONE 

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)

Cantata ‘Die ihr des unermesslichen Weltalls Schöpfer ehrt’,

KV 619 (1791)

ANTONÍN DVOŘAK (1841-1904)

Biblical songs, op. 99 (1894)

PART TWO

ROGER QUILTER (1877-1953)

Three Shakespeare songs, op. 6 (1905)

1. Come away, death

2. O mistress mine

3. Blow, blow thou winter wind

MODEST MUSSORGSKY (1839-1881)

Songs and dances of death (1875-1877)

Encores:

An die Musik, Schubert

Zueignung, Richard Strauss

Be still my soul, popular Lutheran song.

Aged 58, Pape gave a beautiful liederabend, on which he showed he still retains most of his great musicality, and his elegant and powerful voice. He started with the Mozart cantata, in which he showed good phrasing, but in the Dvořak songs he improved, as he showed his beautiful piano singing as well. In the second part, he began with the Shakespeare songs, which he sang with fluidity in English language diction and conveying the vibrant mood of Shakespeare's verses.

But the best was yet to come. The Mussorgsky's Songs and Dances of Death are a song cycle in which Death always wins at the end. Probably the "main course" of this program, Pape really gave an unforgettable rendition of the piece, which he knows well. He not only sang with his dark-bass tone, well projected volume and singing, but also acted the songs, with his excellent pronounciation of Russian language and his dramatic expressions. One could feel as if he was performing Boris Godunov, a role which has brought him a lot of success all over the world. He has powerful volume, deep low voice, conveying the strength and violence of the death winning over everyone, specially in the Trepak song.

The encores were at the same marvellous level. The first two ones were two classic German lieder, Schubert's An die Musik, and Richard Strauss' Zueignung. In these pieces, Pape sang more confident and comfortable, as he was singing in his own language, and he sang them very well. As he knows this repertoire very well, both his fine musicality and sensibility surfaced. The last encore and the true final piece was Be still my soul, a popular Lutheran tune, which he sang with a fluent English too, and with the emotion of a Spiritual.

Michael Schütze replaced Camillo Radicke as the accompaigning pianist, doing a fine work. 

After the last encore, Pape, which was applauded with enthusiasm, said in Spanish two words: "Feliz Navidad" (Merry Christmas). We hope to see him again soon, as he is still able to give magical nights as this outstanding recital.

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Singing, dancing, feeling the myth: Monteverdi's L' Orfeo in Madrid, by Sasha Waltz.

Madrid, November 24, 2022.

It isn't the first opera ever composed, but since it consecrated the genre of opera, as we know and appreciate, after years of genesis, in which it tried to revive the ancient greco-roman dramas in the Renaissance Italian court palaces, it is by far the first great opera of the standard repertoire, and the oldest one to be performed regularly. We owe a lot to Claudio Monteverdi's Orfeo, so that is why on February 25, 2007, the world celebrated the genre's 400th Birthday, to conmemorate that event which took place four centuries ago, in 1607 in Mantua. Two decades later, opera was already performed in theatres, and in the next century, the castrati established the operatic stardom.

This is not an strange opera in Madrid: in 2008 took place the premiere at the Teatro Real by William Christie and Les Arts Florissants, staging the Monteverdian trilogy in its stage. In 2017, Paul Agnew brought it to the Teatros del Canal, and last February it was performed at the Auditorio Nacional with Ian Bostridge and L'Europa Galante. Now this masterpiece in history of music returns to the Teatro Real, for a four-performances run.

Sasha Waltz is one of the world leading choreographers, and like her legend colleague Pina Bausch, she has directed stagings in which singing and dancing were merged. For her new, immersive production of L'Orfeo, she even goes beyond: singers and dancers sometimes interchange their performances, as they sing and dance at the same time. Hers is a version of visual, aesthetical beauty. Her dancing company, Sasha Waltz and Guests is an accomplished group of dancers, with skilled, amazing dancing movements. This choreography reinforces music and dance. 

There is no curtain, and a wooden scenic platform in the middle of the stage splits the orchestra in two parts. In this scenic structure the action takes place, and as mentioned before not always clear who is dancing and who is singing. Costumes are white during the feast in Act 1 and dark during the Underworld scenes, as well as the dances are more cheerful, classic in the happiness of the beginning and more visceral, powerful in the dark Acts 3 and 4. A forest is seen in the first half in the bottom, to give way to a grey, rocky, empty landscape, representing the Hades. This is the greatest achievement of the staging, conveying the despair, horror, anxiety and sadness of the place. Act 4 begins with a long, silent dance, with no musical accompaniment and the hall completely dark, shortly before the Pluto and Proserpina scenes. At the end, all choristers, singers, excepting Orfeo and Apollo dance the cheerful final Moresca, joined by the conductor and the orchestra. 

The world-famed Freiburger Barockorchester, conducted by Leonardo García-Alarcón, has given a devoted rendition, commited to the stage and the choreography, with agile, rapid tempi. Waltz doesn't go too far from the original ambiance in which this work was premiered, by joining singing and dancing. In addition, the audience is somewhat involved, as in the Toccata, the trumpets enter into the parterre and play it amidst the audience. The percussionist Peter Kuhnsch has a prominent participation in the score. The violin, harp, and cornetto had their most shining moments in the outstanding, long aria "Possente Spirto", in which every section responds Orfeo's lament. As the work was going by, the performance became more and more breathtaking, as well as intimist, dark and vivid.

The Vocalconsort Berlin was the chorus, having quite a challenging task, dancing and singing at the same time, but they succeeded as they were very commited to the choreography. They did chilling versions of the Act One chorus, as well as deep, stark rendition of the final male chorus in Act 4. As actors they conveyed the emotions, as one could see them similing very happy at the beginning and very serious and wild during the Underworld scenes.

Georg Nigl was Orfeo. His voice is not very dark, so he is in an intermediate stage between the high voice of a tenor and the dark register of a baritone, which fits in the early 17th Century recitative singing. His volume sometimes is not big, but this is convenient for conveying the different moods of the character, specially when he says in a thin voice "Rendetemi il mio ben", almost in a crying begging to the spirits of Hell to give Eurydice back.

Two singers were by far the revelation of these performances. The bass Alex Rosen was a great surprise with his dark, deep tone, and powerful voice as Caronte. Luciana Mancini's Proserpina was really unforgettable. This Swedish mezzo-soprano is able to sing, with her powerful, dark-toned, well projected voice, and at the same time to dance the choreography as well as the skilled dancers. 

Charlotte Hellekant took the double role of the messenger and Hope (La Speranza), in the latter role, her rendition of Ecco l'altra palude was one of the best moments in the show. Her elegant profile, gave an ethereal touch to her performances. Konstantin Wolff as Pluto had a voice sounding a bit gutural. Julie Roset is a young soprano with a sweet, charming tone, in her double role as Music and Eurydice. The rest of the cast sang at the same devoted level as the dancers did their part, as well as interchanging roles.

The four-performances run has been very well received by critics and audience, and at least two performance were sold out. Sasha Waltz has won over Madrid audiences with her dreamlike, cheerful and at the same tame dark choreography, recreating a successful modern vision of the myth of Orfeo. Definitely, one of the big events in the current Madrid operatic season, in a Baroque opera night of the highest level.

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Un Orfeo cantado y bailado en la mágica visión de Sasha Waltz: L'Orfeo de Monteverdi, en el Teatro Real.

Madrid, 24 de noviembre de 2022.

No fue la primera stricto sensu, pero cuando Monteverdi estrenó su Orfeo el 25 de febrero 1607 en la corte del Duque de Mantua, sucedió algo grandioso: un género tímido que aunaba música y teatro, cuyos temas mitológicos trataban de resucitar el esplendor de los dramas de la Antigüedad grecorromana, acababa de nacer. Se trata ni más ni menos que de la ópera. En las cortes palaciegas renacentistas, sin saberlo, se gestaba un nuevo género musical que siglos más tarde influiría hasta más allá de la música. Si bien a finales del siglo XVI se compusieron las primeras óperas, con la Eurídice de Jacopo Peri siendo la primera conservada, la primera gran ópera, la que asentó el género, la que inició el camino que hoy sigue imparable, y desde luego la primera del repertorio tradicional, fue "La Favola d'Orfeo" o La Fábula de Orfeo en español, de Claudio Monteverdi. Dos décadas más tarde, la ópera ya se representaba en teatros, como la Poppea del mismo autor. Y un siglo más tarde los castrati asentarían el estrellato musical. Mucho, pues, le debemos a este Orfeo.

No es esta una ópera infrecuente en Madrid. Desde su estreno en el Teatro Real en 2008, con un ciclo que bajo la dirección de William Christie y Les Arts Florissants trajo la trilogía Monteverdiana a la capital, esta obra maestra se ha visto varias veces en la capital: en 2017 la trajo Paul Agnew, y más recientemente la trajo Universo Barroco en versión concierto al Auditorio Nacional, con Ian Bostridge. Ahora vuelve al regio coliseo en una tanda de solo cuatro representaciones.

Sasha Waltz es una de las más destacadas coreógrafas del mundo de la danza. En muchas ocasiones, y como haría su colega, la legendaria Pina Bausch, Waltz ha unido danza y canto, dirigiendo montajes de óperas donde estas dos artes se unen.  Y en esta ocasión ha ido incluso más allá. Porque en su idea de hacer un espectáculo total, Waltz hace que los cantantes bailen y los bailarines canten. En su visión del mundo de Orfeo, la inmersión de los artistas es definitiva. Lo hace además en un espectáculo de gran belleza visual. Hay que destacar la enorme calidad de su compañía Sasha Waltz and Guests, cuyos bailarines poseen la agilidad suficiente para marcarse danzas increíbles, como la inicial en el momento del monólogo de la Música. La coreografía refuerza la música y viceversa. 

No hay telón, y una plataforma enorme de madera divide en dos a la orquesta que está en el escenario.  Es la estructura escénica donde se moverán cantantes y bailarines, en un montaje donde no siempre está claro quién tiene tal y cual función.  El vestuario es de blanco en el mundo de los vivos y negro en el Hades. En el fondo del escenario, primero una imagen de un bosque, que luego da lugar a paisajes oscuros y tétricos para representar el Hades. Precisamente es esta la parte mejor lograda de la puesta en escena, con Orfeo siendo seducido por la Esperanza, y luego las escenas de Caronte, acompañadas de una danza más visceral.  De hecho, el acto cuarto se inicia con una larga y prolongada danza sin ningún acompañamiento musical, tras la cual se introduce a Proserpina y Plutón, los reyes del Inframundo. Todo esto acompañado por un fondo gris sugerido por la iluminación y la imagen al fondo de un suelo rocoso ante el que se abre el vacío de un cielo grisáceo, que ya no abandonará a Orfeo, haciendo que entre por los ojos del espectador la soledad, lo tenebroso del Hades. Al final, la obra se cierra con una danza del coro, bailarines  y músicos de la orquesta, el director incluido,  aunque sin Orfeo ni Apolo. 

De esta manera, Waltz con su espectáculo inmersivo, no se aleja mucho de como pudo ser en el estreno de la obra en el siglo XVII, una unión de danza y canto, que también consigue ser inmersiva con el público, ya que durante la Toccata, o el dúo de Orfeo y Apolo, las trompetas hacen su entrada desde el patio de butacas. 

La prestigiosa Freiburger Barockorchester, dirigida en esta ocasión por Leonardo García-Alarcón, es una de las orquestas barrocas más prestigiosas del mundo, y no es desconocida para el público de Madrid. La agrupación barroca, con una veintena de músicos, ha dirigido una versión esmerada de la obra. Una veintena de músicos se ha puesto al servicio de la danza y el canto, en una versión ágil, de tempi más bien rápidos. Excelentes el primer violín y el arpa, sobre todo en el Possente Spirto, donde varios instrumentos Dan réplica a Orfeo en su estremecedora y larga súplica a Caronte. También una mención de honor al percusionista y al metal, quienes interpretaron la Toccata y varios de los interludios musicales del tercer acto. 

El Vocalconsort Berlin hizo las veces de coro, el cual dio una versión estupenda de los coros más tristes como los del segundo acto, o el del final del acto cuarto. 

El reparto vocal, en consonancia con las indicaciones de Waltz, tuvo por delante un duro trabajo. Nada puede negar su dedicación a la puesta en escena, pero no puede negarse que el nivel no ha sido uniforme en la excelencia. 

El barítono Georg Nigl interpretó a Orfeo. Su voz no es tan grave, lo cual se sitúa en una situación intermedia, cuando se elige si es un tenor o un barítono quien interpreta al protagonista. La voz se deja oír, aunque no siempre tiene el mismo volumen. Aunque eso lo puede usar a su favor al recrear los distintos estados de ánimo por los que pasa el pobre Orfeo, especialmente cuando recita en piano, con un hilo de voz "Rendetemi il mio ben" en el tercer acto. Su interpretación del momento más impactante de la ópera, el largo "Possente Spirto" sí lo abordó con gran dramatismo, transmitiendo el conmovedor lamento del protagonista, y con un canto sensible, frágil, que se unía a la tiorba, al arpa y al violín. A medida que iba avanzando la obra su interpretación se volvía más desgarradora. 

Alex Rosen como Caronte fue una de las dos grandes sorpresas de la noche, con su poderosa y gravísima voz. Sus dos breves intervenciones eclipsaron a Orfeo. La otra gran sorpresa fue la Proserpina de Luciana Mancini. Esta mezzosoprano sueca es una rara avis en los teatros. No solo por su bella, generosa en volumen y bien proyectada voz de timbre oscuro e imponente, sino porque también es capaz de ajustarse a la coreografía, merced a su espectacular físico, como cualquier otro de los bailarines. 

La veterana Charlotte Hellekant tiene una bella voz aún, y es una gran actriz, además de tener un porte elegante. No obstante, la voz no siempre se deja oír. Con todo, su interpretación de la Esperanza fue uno de los mejores momentos de la noche. Konstantin Wolff como Plutón tiene una voz con un timbre un tanto gutural. La joven Julie Roset tiene una voz dulce y encantadora, en su doble papel como la Música y Eurídice.

El resto del elenco se mantiene en un nivel vocal entre aceptable y bastante bueno, pero sin quitarles mérito al compenetrarse con los bailarines, al alternar canto y danza. 

Las cuatro funciones se han saldado con un enorme éxito de crítica y público, algo raro y que le costó mucho más conseguir a la Aida del mes pasado. Orfeo es una obra maravillosa, y aunque el teatro no estaba lleno, no cabe duda de que Sasha Waltz ha conquistado Madrid con su onírico, alegre y al mismo tiempo tenebroso mundo de danza, música y mitología.

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso

Waltraud Meier se despide de España: concierto en Barcelona junto a Irene Theorin y Lise Davidsen.

Barcelona, 13 de noviembre de 2022.

Arte, belleza, temperamento, sentido teatral, inteligencia, musicalidad, racionalidad germánica, potente voz ... todas estas cualidades, aumentadas superlativamente, han formado parte de la carrera de Waltraud Meier, una de las más grandes intérpretes wagnerianas de las últimas décadas. En cuarenta y seis años de carrera, la legendaria mezzosoprano alemana ha cautivado a públicos de todo el mundo con su innegable magnetismo en escena. Además, desde su debut en el Festival de Bayreuth en 1983, con tan solo veintisiete años, en el rol de Kundry, en el Parsifal de Richard Wagner, se convirtió en un referente internacional en las óperas del maestro. España es un país en el que la Meier ha cantado en varias ocasiones, pero quizá menos de las que muchos aficionados hubiéramos querido, especialmente en los últimos años. Valencia, Madrid y Barcelona han sido las principales plazas líricas, aunque ha habido otras más (Sevilla, Alicante, Canarias, entre otras), donde la diva de Wurzburgo ha impresionado, emocionado a los españoles con sus grandes interpretaciones de Wagner, Richard Strauss, Beethoven, Wolf o Mahler.

Quien esto escribe ha tenido el privilegio de verla hasta cinco veces, todas en Madrid. Cuando era adolescente, ver a una mujer tan radiante y bella en las fotos de los libretos de ópera (especialmente en el Parsifal dirigido por Barenboim en Berlín en 1990, cuando estaba en la cima de su carrera y su belleza), me hacía imaginarla como la más idónea para el rol. No pude verla en su rol insignia, Kundry, pero tuve la fortuna de verla en 2003, en La Valquiria, como Sieglinde, en 2005 como Ortrud en Lohengrin, en 2008 en Tristán e Isolda, con una Isolda memorable en Madrid, y como cantante de concierto, en 2006 con la Novena de Beethoven dirigida por Barenboim en la Plaza Mayor, y en 2016, en su triunfal regreso a la capital, en una crepuscular pero aún hechizante interpretación en La Canción de la Tierra de Mahler en el Auditorio Nacional. En Barcelona también ha dejado interpretaciones memorables: en 2008, una Valquiria junto a Plácido Domingo, o en 2016 como Clitemnestra en la Elektra de Strauss.

No pude verla en esa Elektra de 2016. Por otro lado, siempre soñé con la idea de despedirla cuando se acercara el final de su carrera. Ese momento está cerca: en octubre de 2023, Meier de despedirá de los escenarios en Berlín, por lo que el concierto que ha dado esta noche en el Gran Teatre del Liceu, junto a la diva de la siguiente generación, Irene Theorin, y la diva de la generación presente, la joven promesa Lise Davidsen; supone su despedida de los escenarios españoles. En una de esas ocasiones en que raramente la vida lo complace a uno, el programa de su concierto final en nuestro país reune escenas de Wagner y Strauss. Junto a ellas, la Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu estuvo dirigida por el maestro Josep Pons.

Primera parte

Richard Wagner (1813 – 1883)

Tannhäuser

"Dich, teure Halle"

"Allmächt'ge Jungfrau, hör mein Flehen!"

Lise Davidsen

Götterdämmerung

“Höre mit Sinn” (Escena de Waltraute)

Waltraud Meier

Tristan und Isolde

Preludio y "Mild und leise" (Muerte de Isolda)

Iréne Theorin

Segunda parte

Richard Strauss (1864 – 1949)

Escenas de Elektra

“Allein! Weh, ganz allein” (Escena inicial)

"Die Tausende, die Fackeln tragen" (Escena final)

Iréne Theorin, Elektra

Lise Davidsen, Chrysothemis

Waltraud Meier, Klytämnestra

Poco antes de iniciarse el concierto, se confirmó que este sería el concierto de despedida de Waltraud Meier de los escenarios españoles.

El concierto inició con Lise Davidsen interpretando las dos arias de Elisabeth, de Tannhäuser. Es sorprendente encontrar hoy en día una voz así. Esta joven soprano noruega es una de las grandes promesas del canto wagneriano, y no es para menos: su voz es potente, llena el auditorio, tiene ese sonido contundente y oscuro de gran soprano dramática, y que en algunos momentos recuerda a las grandes glorias del pasado. Las dos primeras arias las abordó maravillosamente, con un canto en piano estupendo a mitad del Dich Teure Halle, transmitiendo la melancolía de su personaje, y en la oración del tercer acto sonando conmovedora.

Siguió la velada con la esperada aparición de Waltraud Meier, quien recibió una fuerte ovación. Cantó el monólogo de Waltraute de El Ocaso de los Dioses, la única ópera wagneriana que canta actualmente. La voz de Meier ya ha pasado sus días de gloria, pero sigue teniendo ese timbre bello, aterciopelado, aunque ya más agudo que antes, que la caracteriza. El propio esfuerzo de la cantante en dar lo mejor de sí y no mostrar demasiados signos de debilidad, hacen que suene tan bien como siempre. Como actriz, la forma de decir, de transmitir a Wagner sigue incólume, la serenidad para describir el Walhalla que hace Waltraute sigue sonando tan enigmático como autoritario en la voz de Meier.

Siguió la primera parte con el Preludio y la Muerte de amor de Isolda. La orquesta dirigida por el maestro Pons sonó con unos tempi más bien lentos, a los que la acústica no ayudó en algunas zonas del teatro. No obstante, los violonchelo tuvieron un momento de gloria, especialmente con violonchelista principal quien estuvo muy inspirado. Poco antes de que terminase el preludio, apareció Iréne Theorin, para cantar una versión potente del Liebestod, aunque el agudo ya no le acompañase en esta obra.

La segunda parte constó de una amplia selección de la Elektra de Richard Strauss, en la que cantantes y orquesta estuvieron más inspirados, resultando en una interpretación inolvidable. La selección constó de dos partes: desde el monólogo de Elektra hasta el final del dúo de Elektra y Clitemnestra, y el final de la obra.

Theorin estuvo mucho mejor, demostrando que aún puede ser una excelente Elektra. La voz sonaba más segura, con excelentes e imponentes agudos, además de un timbre dramático, con una voz que parecía de repente no tener demasiados apuros aunque es evidente que Theorin ya no está en su mejor momento. Además sus expresiones transmitían la ironía y autoridad que desprende el personaje. Tanto en el monólogo, como en el aria Was Blutem Muss, como en el final, soltó unos agudos impresionantes. 

Davidsen siguió en su excelente nivel, ahora como una Chrysothemis con una voz potente, firme, con su peculiar tono dramático y oscuro, aunque esta vez parecía demasiado para este personaje que tiende a ser más lírico, pero aún parece pronto para Elektra. Impresionante al agudo que dio al final del dúo con Elektra. Hay esperanza con esta joven soprano, si cuida su voz.

Meier cantó todo el rol de Clitemnestra, por lo que puedo decir con orgullo que le he visto en vivo este rol completo, junto a sus grandes roles wagnerianos en el pasado.  Su Clitemnestra no es tan terrorífica como la de su grabación en disco con Barenboim en 1995, pero está cantada bellamente. Comparada con las gigantescas voces de sus compañeras, podría aparecer más debilitada, pero quizá esta limitación pudo jugar en su favor, porque gracias a su temperamento dramático pudo usarlo para recrear un retrato de una villana frágil, perdida, confundida y atormentada por sus crímenes. Durante la primera mitad de su intervención, no se notaron signos de decadencia, con su habitual nivel, especialmente en la escena "Ich will nichts hören". Durante la segunda mitad, con la terrorífica "Ich habe keine guten nächte", los graves de Meier, cercanos al parlato, transmitieron el terror de Clitemnestra al describir su enfermedad. Cerró su intervención con dos grandes agudos en "so bald das rechte blut" y en "damit ich wieder schlafe".

Un teatro puesto en pie ovacionó a las tres grandes divas, con unos aplausos tan prolongados que se seguían escuchando incluso al dejar la sala. Naturalmente, las mayores ovaciones eran para Meier.

Es triste ver a nuestros ídolos retirarse. Pero tienen todo el derecho del mundo a descansar. Waltraud Meier siempre será recordada por sus excelentes interpretaciones y por su inteligencia como artista. Mi, nuestra generación ha sido muy afortunada de poder disfrutar del arte de una gran intérprete wagneriano, un tipo de artista que suele escasear. He sido privilegiado de poder verla hasta seis veces en estos veinte años, desde que era un adolescente en aquella Valquiria de 2003 en Madrid, hasta este concierto, ya en mi treintena. Siempre la admiraremos y recordaremos.

A la señora Meier solo podemos darle las gracias por tanto arte, y por tantas inolvidables noches de ópera.

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

Waltraud Meier's farewell to Spain: unforgettable concert in Barcelona with Iréne Theorin and Lise Davidsen.

Barcelona, 13 de noviembre de 2022.

Artistry, beauty, talent, sense of drama, intelligence, German rationality, intelligence, a gifted singing, a powerful and enraptuting singing... all those qualities, in a superlative level, can define Waltraud Meier's career and explain her status as the leading Wagner female singer in the last three decades. In her 46-year career, this legendary German mezzo-soprano has impressed, amazed and delighted audiences worldwide, specially since she made her debut in the 1983 Bayreuth Festival as Kundry, the beginning of her international stardom.

In Spain, Meier has been seen many times, but maybe to some of her fans, not as many as they would have wanted. Valencia, Madrid and Barcelona were the most visited cities by her, but also she sang in Alicante, Canarias, or Sevilla. To me, she was one of my divas from my teenage days, when I saw a radiant, beautiful woman in the libretto of Barenboim's Teldec CD of Wagner's Parsifal. I saw her live several times in Madrid: Sieglinde, Ortrud, Isolde, in Beethoven's 9th and Das Lied von der Erde. All of them dazzling nights, as well as I remember an amazing singer and actress. 

In the Wagner Spanish capital, Barcelona, she has also sung unforgettable nights such as a Walküre with Plácido Domingo, or Chéreau's Elektra in 2016.  As she has planned to retire in 2023, last night's concert has been her farewell performance to Spanish operatic scene, as it was announced shortly before the concert began. The concert was a Wagner and Strauss gala, accompanied by other two leading Wagner singers, Iréne Theorin, loved by the Barcelona audiences, and the rising star Lise Davidsen. The Gran Teatre del Liceu Symphony Orchestra was conducted by Josep Pons, the Catalan maestro for this repertoire at the Liceu.

Here is the program, as it was a promising night:

Part One

Richard Wagner (1813 – 1883)

Tannhäuser

"Dich, teure Halle"

"Allmächt'ge Jungfrau, hör mein Flehen!"

Lise Davidsen

Götterdämmerung

“Höre mit Sinn” (Waltraute's monologue)

Waltraud Meier

Tristan und Isolde

Prelude and Liebestod 

Iréne Theorin

Part Two

Richard Strauss (1864 – 1949)

Scenes from Elektra

-Allein! Weh, ganz allein ... Was willst du ... Ich habe keine guten nächte

-Die Tausende, die Fackeln tragen" (Finale)

Iréne Theorin, Elektra

Lise Davidsen, Chrysothemis

Waltraud Meier, Klytämnestra

The first part began with Davidsen singing the Elisabeth's arias from Tannhäuser. In all of them, she was really amazing. Her tone sometimes reminds the sound of the great legendary singers of German repertoire, as dark, big-volumed, and outsanding high notes, so it makes us to hope that in the future she would assume Isolde or Brünnhilde. Amazing her piano singing in Da er aus dir geschieden, wie öd' erschienst du mir , conveying Elisabeth's melancholy. The prayer from Act 3 was  a true lesson of dramatic singing. 

Then, Waltraud Meier appeared to sing her last remaining active Wagner role: Waltraute in Götterdämmerung. She sang the long monologue "Höre mit sinn". Meier is clearly past her past her vocal prime, but still the elegant, beautiful tone remains, even when she has lost some of her former amazing volume. Voice seems to be higher-toned, but the artistry, the fraseggio, the way of conveying dramatism and her own effort to sound as great as usual, trying successfully not to show many signs of vocal decay.

First part concluded with the Prelude and Liebestod from Tristan und Isolde. Josep Pons took the baton to conduct the Liceu Orchestra, in a rendition with slow tempi, in which the cellos had a good moment, specially the amazing leading cello. The parterre balconies have a bit affected acoustics, but it seemed they had few time to rehearse. Few instants prior to its conclusion, Iréne Theorin appeared to sing the Liebestod, in which she had a good performance, but with the high register now having difficulties for singing Isolde.

The second part was a big selection from Richard Strauss' Elektra, in which Meier sang all the part of Klytämnestra, so I could say that I saw her in this complete role live. It had two sections: a big one from the monologue until the complete duet between Elektra and Klytämnestra. And the other one, the finale. And this part was by far better than the previous one, as orchestra and singers were truly inspired, and the singers even acted their parts.

Photo from Spanish press.

Theorin was better as Elektra than in the Liebestod, as she commanded the role with her singing, more adequate, showing amazing high notes, and more clear than in the Wagner piece, a truly dramatic, velvet-like tone, and her acting full of irony and authority. Her monologue was breathtaking, and she improved her performance in the duets with Chrysothemis and Klytämnestra, as well as in the "Was blutem muss" aria. Her low voice was grave and dramatic. An unforgettable rendition.

Davidsen's Chrysothemis was even better sung than Theorin's Elektra, with the notes well fixed, projected and her dramatic, round, beautiful and dark tone resulting too big for this more lyrical role, but maybe is soon for singing Elektra. She gave amazing an amazing high note in "Ich muß bei meinem Bruder stehn!"

Meier sang the complete Klytämnestra, as said before. Her voice, compared to her colleagues' massive ones, could seem weakened, but in this role she showed her dramatic skills, showing a fragile, lost, confused and tormented Klytämnestra, as a result of her crimes. Her rendition of this role is always beautifully sung, not as scary as her referential 1995 recording, in her vocal peak. The first half of her performance was at her usual great level and recognisable tone, specially in the monologue "Ich will nichts hören". For the second half, the terryfing, almost atonalistic "Ich habe keine guten nächte", she used her low voice, close to parlato, to convey how scary her character was of the nightmares. Despite she was twice surpassed by the orchestra, she concluded her scene with two amazing high notes, in "so bald das rechte blut" and in "damit ich wieder schlafe".

The orchestra was better too, and Pons could extract a beautiful sound, specially in the strings, and the percussion. The slow tempi created some ambiance of the pathos of these tormented women. The final scene was well conducted, and as breathtaking it should be in Elektra.

The audience responded with an oustanding, tribute ovation to the singers, as they are very admired in Barcelona. As expected, Meier received the biggest applause, which was still heard as several people were still leaving the opera house. 

It is so sad to see our idols to retire, but they have the right to rest and to leave the stage when still they can hold the biggest level. Meier will always be remembered for her magnetic perforemances, her powerful voice in her prime, and her elegant, intelligent way of singing and telling the stories she performed. My, our generation is privileged to have seen a Wagner legend on stage, in a time when they are not very likely to find. I have been so privileged to have seen several times such a fine performer of my favourite music, since I was a 14 year-old little man, to now in my thirties. We will always remember, admire and miss her! 

Thank you very much, Frau Meier, for your artistry the your unforgettable operatic nights you gave us!

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

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