miércoles, 17 de septiembre de 2025

Beautiful, melancholic youth: the historical Barenboim's first Tristan und Isolde at Bayreuth.

The 1980s were the last decade in the history of the Bayreuth Festival in which traditional productions of all the canon operas were available, and happily most of them filmed on video: Until 1985, the Holländer was on staged in a version by Harry Kupfer that still makes the work's plot recognizable. Between 1985 and 1995,  Tannhäuser was presented in the Neu-Bayreuth style by Wolfgang Wagner, the composer's grandson, who maintained the classical aesthetics despite the simplicity of the sets. His also equally classical production of Parsifal was on programmed in 1980 and 1981; as well as  his legendary Meistersinger staging between 1981 and 1988, the most traditional in the Festival since 1952. In 1987, a enchanting, beautiful Lohengrin was premiered, directed by Werner Herzog, the famous filmmaker, in a production that was seen until 1993. In 1989, Wolfgang Wagner would premiere a minimalist production of Parsifal, but the aesthetics of the story would still be recognizable. Between 1983 and 1986, the last traditional Ring  at Bayreuth Festival would be staged, directed by Peter Hall, with Georg Solti conducting the orchestra the first year, which however was a big flop and was not filmed. Finally, between 1981 and 1987, a production of Tristan und Isolde was seen, orchestrally conducted by Daniel Barenboim, which marked the beginning of his 18-year collaboration with the festival, and staged by Jean-Pierre Ponnelle , in one of the most beautiful Tristans ever performed there. In October 1983, this production was filmed at the Festspielhaus, without an audience, with the same cast from the premiere two years earlier.

The result is not only the best of the very few classical productions of this opera on video, but also one of the most beautiful and romantic ever made of this work. Ponnelle does not follow strictly Wagner's stage directions, but creates a traditional setting that allows the story to be followed still faithfully. The performance is full of lyricism, melancholy, and beauty, imbuing the characters with youth, and with a strong presence of nature, which is here an omnipresent observer. For this filming, shots are used to display what would not be so easily resolved on stage, but in a filming session reinforces the director's vision in the third act. 

During the prelude, close-ups of the sea surrounding rocks, while a gray sky appears in the background, are shown. When the curtain opens, a rocky platform with steps reminiscent of a ship appears, presided over by a huge sail. Isolde stands in the middle of the stage, a circle surrounded by the ship's structure, wearing a crown on her head and a huge, thick cloak. This cloak represents Isolde's position as future queen, promised to King Marke, but which she does not desire because it oppresses her. Behind the sail are the chorus of sailors, Tristan and Kurwenal. This circular center is Isolde's world, which only her servant Brangäne and then Tristan can access. When they drink the love potion, their ecstasy is visible, giving rise to an unbridled passion, while the sail rises, showing the chorus, and finally Marke arrives, before whom everyone bows, including Isolde, whose crown falls.



The second act is one of the most beautiful images ever filmed in Bayreuth. A leafy tree dominates the entire stage, and lights emerge from its countless branches, as if recreating a starry sky. At its feet, a greenish lawn with flowers and a small puddle-shaped pond extend across the stage. During the duet between Isolde and Brangäne, an intense red light is seen, as if at dusk, when the hunters' horns sound. During the long love duet, night falls, and the production becomes enchanting. At one point (during the duet "O sink hernieder, nacht der liebe") they approach the puddle, illuminating them, drinking from it. But after Brangäne's initial warning, night turns into day, until the very end, when Tristan is attacked by Melot.

The third act shows the most interesting changes, becoming the most challenging specially in this version. Tristan languishes on a small islet, accompanied by Kurwenal and an old shepherd, in a split-open tree trunk. The sea and a gray sky menacingly surround these three characters. For Ponnelle, Isolde's final visit is a hallucination of Tristan's, as is the rest of the denouement. In fact, when it is supposed tha her ship is approaching, Kurwenal actually orders the shepherd to play a cheerful melody to make him believe she's coming. This idea was very difficult to put into practice in the actual performances, but in this film it's easier: behind each of Isolde's interventions, close-ups of an exhausted and ailing Tristan are superimposed, and in the finale, we don't see her, neither Brangäne, Marke, nor his entourage: only Tristan dying, now in the arms of his faithful Kurwenal and the shepherd, as darkness falls. After this ending, it is hard to return to reality: the hero's death has been so painful, hopeless and lonely.

Wieland Wagner wanted a young leading couple for his production of this opera in the 1960s, but his search was unsuccessful, having to turn to the mature and imposing Wolfgang Windgassen and Birgit Nilsson, with the correspondingly legendary result. But Ponnelle, with a couple not much younger than their predecessors, manages to convey all the youth and freshness that Wieland could not. René Kollo and Johanna Meier, both in their 40s, manage to convey their character's portraits ad delightful young lovers not because of their characterizations but for their convincing performances. Likewise, the rest of the cast achieves a dynamic performance. Such a youthful and passionate love duet had rarely been seen, nor has Tristan's agony been so painful. The anxiety and sadness of the remaining characters has rarely been captured with such convincing atmosphere.

Daniel Barenboim has gone down in history as one of the greatest interpreters of this opera, which he has recorded numerous times. This is his first recording of it, at just 41 years old. Barenboim has been criticized as academic and uneven, but here one feels an energy and passion befitting his young age. His rendition of the work would mature in later recordings. Conducting the Bayreuth Festival Orchestra , he gives a performance at times passionate, at times majestic, and at others rather lyrical, tense in the first act, tender and dreamlike in the second, and elegiac in the third. During the preludes to the first and third acts, the orchestra sounds marvelous. The brass have moments of brilliance in the most tense moments of the first act, and in the final moments of Tristan in the third. The strings are also splendid and at times sound electrifying, recreating the moods reflected in the score. The Festival men's Choir sounds as good as ever.

René Kollo is one of the most important Wagnerian tenors of the last 50 years. The bar for singing this work has been set very high by Lorenz, Vinay, Windgassen, and even Spas Wenkoff (who sang the work in the actual 1983 performances) used to sing better, but Kollo delivers his best performance in this role. The Berliner tenor enjoyed a rapid, meteoric rise in the previous decade, and by the time he filmed this video, he had already sung all the great Wagnerian tenor roles. This took its toll, but here he comes across as decent. Of course, that "decent" performance would be acclaimed as referential today. His voice is not that of a robust Heldentenor, but rather that of a youthful tenor who successfully rises to the enormous task. His timbre is beautiful, but limited at other times, and there are even a couple of lost notes in the second act. However, in the terrible third act, he makes do with his limited resources, giving a convincing acting and musical performance with some impressive high notes.

The American soprano Johanna Meier (not to be confused with Waltraud Meier, the legendary German mezzo-soprano who would sing Isolde in the following decade) is a remarkable Isolde, vocally in perfect shape, with a voice that tends towards a lyrical tone, though at times it verges on a dramatic one. Like Kollo's, her performance is that of a delicate young woman rebelling against her imposed situation, rather than the energetic and imposing woman in other versions. Her performances in the third act are full of beauty.

The rest of the cast is a regular at the Bayreuth of that time, from this and other recordings: Hanna Schwarz is a Brangäne who also sounds more youthful than matronly, with a voice in its prime, displaying a beautiful timbre. Matti Salminen is also a Marke at his vocal best, with a powerful voice that nuances the disappointment and pain of his character. Hermann Becht is Kurwenal: at first he sounds too guttural and grotesque, more ideal for the role of Alberich he filmed with Boulez and continued to sing with Solti that year, but in the third act his voice sounds more noble. Robert Schunk stands out with a beautiful interpretation of the young sailor's voice, and more discreet as Melot. Helmut Pampuch is a well-sung shepherd, and Martin Egel delivers in his brief role as the steersman.

This DVD is the first choice for anyone who wants to see a Tristan and Isolde performed in a classic style, with somewhat period costumes and a traditional aesthetic; it's definitely the ideal introduction to the work. But it's also for anyone who wants to see a truly complete show, not only scenically but also musically. Such beauty should be seen at least once in a lifetime. In fact, a production like this, could be missed these days. Highly recommended.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Ardiente y melancólica juventud: el mítico primer Tristán e Isolda de Daniel Barenboim en Bayreuth.


La década de los años 80 fue la última década en la historia del Festival de Bayreuth en que se pudieron ver producciones tradicionales para todas las obras del canon, la mayoría filmadas en vídeo: Hasta 1985, se pudo ver el Holandés Errante en una versión de Harry Kupfer que hace aún reconocible el argumento de la obra. Entre 1985 y 1995 se pudo ver el Tannhäuser al estilo Nuevo Bayreuth de Wolfgang Wagner, nieto del compositor, quien mantuvo la estética clásica pese a la sencillez de decorados. Y de éste se pudo ver su producción de Parsifal en 1980 y 1981, igualmente clásico; así como sus míticos Maestros Cantores entre 1981 y 1988, los más tradicionales en la colina verde desde 1952. En 1987, se estrenó el bello y hechizante Lohengrin dirigido por Werner Herzog, el famoso cineasta, producción que se vio hasta 1993. En 1989, Wolfgang Wagner estrenaría una minimalista producción de Parsifal, pero aún se reconocería la estética de la historia. Entre 1983 y 1986, se estrenaría el último Anillo tradicional, dirigido por Peter Hall, con Georg Solti en el foso de la orquesta el primer año, que sin embargo fracasó y no se inmortalizó en DVD. Finalmente, entre 1981 y 1987  se vio una producción de Tristán e Isolda, dirigida orquestalmente por Daniel Barenboim, que dio inicio a 18 años de colaboración con el festival, y en lo escénico por Jean-Pierre Ponnelle, en uno de los más bellos Tristanes jamás representados en la verde colina. En octubre de 1983, se filmó en el Festspielhaus esta producción, sin público, con el mismo reparto del estreno de dos años antes.
 
El resultado es no sólo la mejor de las escasísimas producciones clásicas de esta ópera en vídeo, sino una de las más bellas y románticas que se hayan hecho de esta obra. Ponnelle no sigue al pie de la letra las indicaciones escénicas de Wagner, pero aún así crea una ambientación tradicional que permite seguir la historia fielmente. El espectáculo está cargado de lirismo, melancolía y belleza, imprimiendo juventud en los personajes, y con una fuerte presencia de la naturaleza, aquí una omnipresente observadora. Para esta filmación, se utilizan planos que no se resolverían tan fácilmente en escena, y que además refuerzan la visión del director de escena en el tercer acto. 

Durante el preludio, se ven primeros planos del mar rodeando unas rocas, mientras de fondo hay un cielo gris. Cuando se abre el telón aparece una plataforma rocosa, con escalones, que recuerda a un barco, presidida por una enorme vela. Isolda está en el medio del escenario, un círculo rodeado por la estructura del barco, portando una corona en la cabeza, y un enorme y grueso manto. Este manto supone la posición de Isolda como futura reina, prometida al rey Marke, pero que ella no desea porque la oprime. Detrás del velo se sitúan el coro de marineros, Tristán y Kurwenal. Ese centro circular es el mundo de Isolda, al que sólo su criada Brangäne y luego Tristán pueden acceder. Cuando beben el filtro del amor, su extasis es visible y Dan lugar a una pasión desbordada, mientras la vela se alza, mostrando al coro, y al final llega Marke, al cual todos reverencian, incluida Isolda, a la que se le cae la corona.


El segundo acto es una de las imágenes más bellas jamás filmadas en Bayreuth. Un frondoso árbol preside todo el escenario, y de sus innumerables ramas emergen luces, como si fuera una recreación de un cielo estrellado. A sus pies, se extienden por el escenario un verdoso césped con flores y un pequeño charco. Durante el dúo de Isolda y Brangäne se ve una intensa luz roja, como si fuera de atardecer, cuando suenan los cuernos de los cazadores. Durante el largo dúo entre los amantes, se hace la noche, y la producción se convierte en hechizante. En un momento dado (durante el dueto "O sink hernieder, nacht der liebe") se acercan al charco y este los ilumina, bebiendo agua de él. Pero después del primer aviso de Brangäne, la noche se convierte en día, hasta el final, cuando Tristan recibe el ataque de Melot.




El tercer acto es el más singular y el más duro de todos. Tristan languidece en un pequeño islote, acompañado por Kurwenal y un enjevecido pastor, en el que solo hay un tronco de árbol abierto por la mitad. El mar y un cielo gris rodean amenazantes a estos tres personajes. Para Ponnelle, la visita final de Isolda es una alucinación de Tristán, así como el resto del desenlace. De hecho, cuando llega el barco de ella, en realidad Kurwenal lo que hace es ordenar al pastor que toque una melodía alegre para así hacerle creer que viene ella. En las funciones reales fue muy difícil poner en práctica esta idea, pero en esta filmación es más fácil: detrás de cada intervención de Isolda, se superponen los primeros planos de un Tristán agotado y afligido, y en el final, no se la ve ni a ella ni a Marke ni a su séquito: solo a Tristán muriendo, ahora sí, en brazos de su fiel Kurwenal y el pastor, mientras se hace la oscuridad. Tras este final cuesta volver a la realidad: tan dolorosa y solitaria ha sido la muerte del héroe.


Wieland Wagner quiso una pareja protagonista joven para su producción de esta ópera en los años 60, pero no lo consiguió, teniendo que acudir a los maduros e imponentes Wolfgang Windgassen y Birgit Nilsson, con el correspondiente legendario resultado. Pero Ponnelle, con una pareja no mucho menor que sus antecesores, consigue imprimir toda la juventud y frescura que Wieland no pudo. René Kollo y Johanna Meier, ambos en los 40, consiguen parecer unos deliciosos y jóvenes amantes no por su caracterización sino por sus creíbles actuaciones. Igualmente el resto del elenco, logrando una representación dinámica en lo actoral. Pocas veces se ha visto un dúo de amor tan juvenil y apasionado y una agonía de Tristán tan dolorosa. La pesadumbre de los personajes restantes pocas veces se ha visto reproducida con una atmósfera tan convincente. 

Daniel Barenboim ha pasado a la historia por ser uno de los más grandes intérpretes de esta ópera, que ha grabado en multitud de ocasiones. Este es su primer registro de la misma, cuando contaba con tan solo 41 años. A Barenboim se le ha tachado de académico, de desigual, pero aquí se notan una energía y una pasión propias de su aún joven edad. Su lectura de la obra madurará en grabaciones posteriores.  Al frente de la Orquesta del Festival de Bayreuth, realiza una interpretación por momentos apasionada, en otros momentos apoteósica y en otros más bien lírica, tensa en el primer acto, tierna y onírica en el y cargada de tristeza en el tercero. Durante las oberturas del primer y tercer actos la orquesta suena maravillosa. Los metales tienen momentos de lucimiento en los momentos más tensos del primer acto, y en los momentos finales de Tristán en el tercero. Las cuerdas también están espléndidas y en ocasiones suenan electrizantes, recreando los estados de ánimo reflejados en la partitura. El coro masculino del Festival suena tan bien como siempre.


René Kollo es uno de los tenores wagnerianos más importantes de los últimos 50 años. Si bien el listón para cantar esta obra lo han dejado muy alto gente como Lorenz, Vinay, Windgassen, e incluso habiendo un Spas Wenkoff (quien cantó la obra en las verdaderas funciones de 1983) que lo hacía mejor, Kollo deja su mejor versión de los registros que hay de él en este rol. El tenor berlinés tuvo una rápida carrera meteórica en la década anterior, y para cuando filmó este vídeo ya había cantado todos los grandes roles wagnerianos de tenor. Ello le pasó factura, pero aquí se encuentra decente. Claro que ese decente hoy sería aclamado y referencial. Su voz no es la de un heldentenor de voz robusta, sino la de uno de voz juvenil que consigue salir airoso de la enorme tarea. El timbre es bello, pero justo en otros momentos, e incluso hay un par de notas desafinadas en el segundo acto. Sin embargo, en el terrible tercer acto, sale adelante con sus limitados recursos, dando una interpretación convincente en lo actoral y en lo musical con algunos agudos impresionantes.

La soprano estadounidense Johanna Meier (que no debe ser confundida con Waltraud Meier, la mítica mezzosoprano alemana que cantaría Isolda en la década siguiente) es una Isolda notable, vocalmente en forma, con una voz que tiende a ser lírica, aunque por momentos cubre las cotas de timbre dramático. Al igual que la de Kollo, su interpretación es la de una joven delicada que se rebela de la situación impuesta, más que el de una enérgica e imponente mujer en otras versiones. Cargadas de belleza sus intervenciones en el tercer acto.

El resto del elenco es habitual del Bayreuth de entonces, de esta y otras grabaciones: Hanna Schwarz es una Brangäne que suena también más juvenil que matronil, y con la voz en plena forma, de bellísimo timbre. Matti Salminen es también un Marke en su mejor momento vocal, con una voz poderosa pero que matiza la decepción y el dolor de su personaje. Hermann Becht es Kurwenal: al principio suena demasiado gutural y grotesco, mas ideal del rol de Alberich que filmó con Boulez y que siguió cantando con Solti ese año, pero en el tercer acto la voz suena más noble. Robert Schunk destaca con una bella interpretación de la voz del joven marinero, y más discreto como Melot. Helmut Pampuch es un pastor bien cantado, y Martin Egel cumple en su breve rol del timonel.



Este DVD es la primera opción de todo aquel que quiera ver un Tristán e Isolda representado a la manera clásica, con trajes de época y una estética tradicional; sin duda ideal para iniciarse en la obra. Pero también para todos aquellos que quieran ver un espectáculo redondo a nivel no solo escénico sino también musical. Tanta belleza debe verse al menos una vez en la vida. Incluso, se echa de menos ver alguna producción así hoy en día. Totalmente recomendable.

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

sábado, 6 de septiembre de 2025

Hail, Rienzi! The controversial staging by the Deutsche Oper Berlin in 2010.


In 2010, the Deutsche Oper Berlin staged a new production of Richard Wagner's Rienzi. The production, conducted by Sebastian Lang-Lessing and staged by Philipp Stölzl, was controversial due to the obvious similarity between the staging and the aesthetics of the infamous Third Reich. Unfortunately, Hitler's appropriation of Wagner's music reached its peak with Rienzi, as in January 1905, when he was 15 years old, he was so moved after seeing it in Linz, that he claimed it was the beginning of his messianic political mission. And his ghost haunted this production: a performance scheduled for April 20, 2012, had to be rescheduled due to the anniversary of the dictator's birth. Hitler identified himself with Rienzi, as he projected his persona into the main character's one: a man who emerged from the middle class of medieval Rome and rose to power in a turbulent and decadent era dominated by the nobles. Yet this medieval leader was overthrown by the very people who had brought him to the top, as, in the final stretch of his second term, he became a degenerate and oppressive tyrant. Nevertheless, this nationalist teen weirdo projected himself into the part of the role that suited him: that of a messiah determined to redeem his people from the degeneration and decadence that, for the future dictator, was represented by the cosmopolitan Vienna, capital of the multiethnic Austro-Hungarian Empire.

As the musical team remarks in the "making of" section of the DVD, the historical events of the 20th century cannot be ignored in a modern reading of the work. Wagner's Rienzi is a dictator who seizes power with supposedly noble intentions, only to later become an autocrat, which will help his enemies overthrow him. And even more so, for them, it cannot be ignored given the two totalitarian regimes that haunted Germany in the last century: Nazism and Communism. 


As the overture plays, Rienzi is seen in his imposing office, inspired by Hitler's Chancellery: sober, cold, and imposing. The protagonist listens to the music from a gramophone, then becomes enraptured as the music plays. In the background, an impressive window overlooks a landscape dominated by snow-capped mountains, as if we were at Hitler's Berghof. In this mood, he begins to do somersaults. At one point, his sister Irene appears, characterized as the prototype of the "Aryan" German woman: blonde, conservatively dressed, and with the iconic braided hairstyle, like Magda Goebbels, on whom she seems to be inspired, or Gertrud Scholtz-Klink, the infamous leader of the National Socialist Women's League. Irene kisses Rienzi on the lips, something that will happen in other moments in the show: it is an incestuous relationship, as would later be seen between Siegmund and Sieglinde in The Ring, or reminiscent of Hitler's shady relationship with his niece Geli Raubal.

The first act seems to represent the Weimar Republic, with painted sets of enormous skyscrapers and cranes, a futuristic aesthetic taken from Fritz Lang's film "Metropolis." Scenes of street violence and colorfully dressed people revolutionize the scene. The nobles are like gangsters, and Rienzi, wearing a leather jacket and accompanied by a few paramilitaries, restores order and seizes power. Adriano is an elegantly dressed young aristocrat who joins the cause. At the beginning of the second act, everyone sheds their colorful clothes and wears black: the women wear white aprons, and the men wear uniforms reminiscent of the SS: everyone is now part of a new and "free" Rome. Rienzi is now a dictator and, dressed in an imposing military uniform, gives energic, passionate speeches. At the back of the stage, a screen shows images of Rienzi and his enthusiastic people listening to him, with iconography reminiscent of Leni Riefenstahl's infamous film "Triumph of the Will." Also shown is a weekly magazine called "Das neue Rom" or "The New Rome" in German, reminiscent of Nazi newsreels. From the third act onwards, Rienzi's bunker is shown, where the dictator, already in decline, gives speeches while his health was failing. In the famous prayer aria of Act Five, Rienzi plays with models of enormous buildings, including a large dome, reminiscent of the model of the new Berlin that Hitler had commissioned from Albert Speer. Violence is part of the work and is visible in the slow-moving battle scenes in Acts Three and Four, the latter showing women grieving for their dead, a powerful recreation of devastation. In the Finale, Rienzi is beaten, and with his face covered in blood, he curses the Romans and dies. Down in the bunker, Hadrian embraces Irene's body, while above, over Rienzi's corpse, the people praises Baroncelli and Cecco del Vecchio, as the curtain falls.

Considering that other attempts to represent Wagner with iconography based on the Nazi era have failed, even leading to their cancellation, this iconographic imitation with a runic R replacing the swastika, black uniforms, newsreels and the Irene-Magda Goebbels... I think the Berlin State Opera has succeeded in its experiment.

With the available material, a performance of the entire music from this opera would take around five hours. But in this version, it has been reduced to two and a half hours, not including intermissions. Lang-Lessing conducts an inspired Deutsche Oper Berlin Orchestra, with a chorus that performs wonderfully.

Torsten Kerl has performed Rienzi many times over the past decade, and in fact, the two main video references of this opera feature him in the title role. Kerl is devoted to the character, but his voice is rather lyrical and he lacks heroism at times, even when he does command the role. Still, the best moment, the prayer in Act Five, is well sung. He appears even more heroic in the 2012 video he filmed in Toulouse. 

Camilla Nylund plays Irene. At the time, Nylund, a very beautiful woman, was 42 years old and she was in her prime. Her voice is more suited to these roles, and as Irene, she excels with a beautiful, dark-toned voice, suitable here but not enough for other roles she's recently taken on, such as Isolde or Brunhilde. Furthermore, her spectacular physique fits the vision of an "Aryan" woman that this production calls for for her character.

Kate Aldrich is the best performer in the cast, with a beautiful voice and passionate singing, as well as her acting skills, which perfectly embody a young and impulsive Adriano, who at the same time realizes when things are going wrong, both when he decides to follow Rienzi and when he abandons him. A great performance.

The rest of the cast is of a decent level, including Ante Jerkunica's Colonna and tenor Clemens Bieber's Baroncelli.

The fact that the Bayreuth Festival has decided to program this grand-opéra for the first and only time, has drawn my attention to this difficult work, which I was able to see live in Madrid in 2012, in a concert version. I can certainly say that this is the most interesting staging of this opera, in terms of its video versions, although musically the one in Toulouse, with Kerl himself reprising his role and maestro Pinchas Steinberg conducting, is better. We are waiting the Bayreuth performances, a historic event that we will follow closely via streaming. In the meantime, it must be said that this work, while not Wagner's best, is interesting enough to enjoy, especially if it is staged. I think it should be performed more often. 

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¡Salve, Rienzi! El polémico montaje de la Ópera Alemana de Berlín en 2010.


En 2010, la Ópera Alemana de Berlín llevó a cabo una nueva producción de Rienzi, de Richard Wagner. Dicha producción, dirigida en lo musical por Sebastian Lang-Lessing, y en lo escénico por Philipp Stölzl, fue polémica por el evidente parecido de la ambientación de la obra con la estética del infame Tercer Reich de Hitler. Desgraciadamente, la apropiación de Hitler de la música de Wagner alcanza su cénit con Rienzi, ya que en enero de 1905, cuando tenía 15 años, la vio en Linz, y le conmovió tanto que aseguraría que ese fue el inicio de su mesiánica misión política. Y el fantasma del genocida alemán acompañó esta producción: el 20 de abril de 2012 estaba prevista una función que tuvo que cambiarse de día, debido a que esa fecha es el aniversario del nacimiento del dictador. Hitler se identificó con Rienzi, ya que se veía proyectado en él: un hombre surgido de la clase media en la Roma medieval, que se hizo con el poder en una época turbulenta y decadente, dominada por los nobles. Y sin embargo, este líder medieval fue derrocado, por el mismo pueblo que le llevó a la cima, ya que en la recta final de su segundo mandato se convirtió en un tirando degenerado y opresor. Sin embargo, el nacionalista adolescente se proyectó en la parte que le convino: en la de un mesías dispuesto a redimir a su pueblo de la degeneración y decadencia, que para el futuro dictador era representada por la Viena cosmopolita del multiétnico imperio Austrohúngaro.

Como bien dice el equipo musical en el "making of" en el DVD de la obra, los acontecimientos históricos del siglo XX, no pueden obviarse en una lectura moderna de la obra. El Rienzi wagneriano es un dictador que se hace con el poder bajo una supuesta noble intención, para luego convertirse en un autócrata, lo que ayudará a sus enemigos a derrocarle. Y más aún no puede, para ellos, obviarse teniendo en cuenta los dos totalitarismos que acecharon a Alemania en el siglo pasado: el nazismo y el comunismo. 

Mientras suena la obertura, se ve a Rienzi en su imponente despacho, inspirado en la Cancillería de Hitler, sobrio, frío, e imponente. El protagonista escucha la música desde un gramófono, para luego extasiarse a medida que la obertura transcurre. Al fondo, un impresionante ventanal con un paisaje dominado por montañas nevadas, como si fuera el Berghof de Hitler. Incluso de su ánimo, se pone a hacer volteretas. En un momento dado, aparece su hermana Irene, caracterizada como el prototipo de mujer alemana "aria": rubia, vestida de forma conservadora y con el icónico peinado de trenza alrededor del cabello, como Magda Goebbels, en quien parece estar inspirada, o Gertrud Scholtz-Klink, la infame líder de la Liga Nacionalsocialista de mujeres. Irene besa a Rienzi en los labios, algo que ocurrirá más veces en la obra: es una relación incestuosa, como luego se vería en El Anillo, o que recuerda a las relaciones turbias de Hitler con su sobrina Geli Raubal.

El primer acto, parece representar la República de Weimar, con unos decorados pintados de enormes rascacielos y grúas, de estética futurista, sacados de la película "Metrópolis", de Fritz Lang. Escenas de violencia callejera, y gente vestida de colores revoluciona la escena. Los nobles son como gánsters, y Rienzi, enfundado en una chaqueta de cuero y acompañado de unos pocos paramilitares, pone orden y se hace con el poder. Adriano es un joven aristócrata vestido elegantemente, que se une a la causa. Al inicio del segundo acto, todos se deshacen de sus coloridas ropas para vestir de negro: las mujeres con un delantal blanco, y los hombres con un uniforme que recuerda al de las SS: todos ya forman parte de una nueva y "libre" Roma. Rienzi ya es un dictador y vestido con un imponente uniforme  militar da discursos encendidos. Al fondo del escenario, una pantalla muestra imágenes de Rienzi y de su pueblo entusiasmado escuchándole, con una iconografía que recuerda a la tristemente célebre película "El Triunfo de la Voluntad", de Leni Riefenstahl. También se ve un semanario llamado "Das neue Rom" o "La nueva Roma" en alemán, que recuerda a los noticiarios nazis. A partir del tercer acto, se muestra el búnker de Rienzi, en el que el dictador, ya en declive, da discursos mientras está fragil de salud. En la famosa aria de oración del acto quinto, Rienzi juega con maquetas de enormes edificios, incluída una gran cúpula, que recuerdan a la maqueta de la nueva Berlín que Hitler había encargado a Albert Speer. La violencia forma parte de la obra y es visible, en las escenas de batalla en movimiento lento en los actos tercero y cuarto, en el que además se ve a las mujeres dolerse por sus muertos, una potente recreación de la devastación. Al final de la obra, Rienzi es apaleado, y con la cara cubierta de sangre, maldice a los romanos. Abajo en el búnker, Adriano abraza el cuerpo de Irene mientras arriba, sobre el cadaver de Rienzi, el pueblo arenga a Baroncelli y Cecco del Vecchio, mientras cae el telón.

Considerando que otros intentos de representar a Wagner con una iconografía basada en la era nazi han fracasado, no llegando ni a representarse, esta imitación iconográfica con una R rúnica sustituyendo a la cruz gamada, los uniformes negros, los noticiarios y la Irene-Magda Goebbels... creo que a la Ópera de Berlín le ha salido bien el experimento.

Con el material disponible, una interpretación de toda la música de esta ópera rondaría las cinco horas. Pero en esta versión, se ha reducido a la mitad: dos horas y media sin contar los descansos. Sebastian Lang-Lessing dirige a una entregada Orquesta de la Ópera Alemana de Berlín, y con un coro que actúa maravillosamente.

Torsten Kerl interpretó a Rienzi muchas veces en la década pasada, y de hecho las dos principales referencias en vídeo de esta ópera, cuentan con él para el rol principal. Kerl se entrega al personaje, pero la voz es más bien lírica y le falta heroísmo en ocasiones. Aun así, el mejor momento, la oración del acto quinto, le sale bien cantada. Más heroico se le vería en el vídeo de 2012 que filmó en Toulouse. 

Camilla Nylund interpreta a Irene. En ese entonces, Nylund, una mujer muy bella, contaba con 42 años y estaba en su apogeo. Su voz se amolda más a estos roles, y como Irene destaca con una bonita voz de timbre oscuro pero no lo suficientemente grande para otros roles que está afrontando recientemente, como Isolda o Brunilda. Aquí está simplemente ideal. Además su físico espectacular encaja con la visión de mujer "aria" que pide esta producción para su personaje.

Kate Aldrich es la mejor intérprete del elenco, con una preciosa voz y con un canto apasionado, igual que sus dotes actorales, que bordan un Adriano joven e impulsivo, pero que al mismo tiempo se da cuenta de cuándo las cosas van mal, tanto cuando decide seguir a Rienzi como para abandonarle. Una gran creación.

El resto del elenco tiene un digno nivel, entre el que destacan el Colonna de Ante Jerkunica, y el Baroncelli del tenor Clemens Bieber.

El hecho que el Festival de Bayreuth haya decidido programar por primera y única vez esta gran ópera de juventud del maestro, ha dirigido mi atención hacia esta difícil obra, que pude ver en vivo en Madrid en 2012, en versión de concierto. Ciertamente, puedo decir que esta es la puesta en escena más interesante que ha tenido esta ópera, en lo que se refiere a sus versiones videográficas, aunque musicalmente la de Toulouse con el propio Kerl repitiendo su papel y con el maestro Steinberg a la batuta es mejor. A la espera estamos de la de Bayreuth, en un evento histórico que seguiremos con atención vía streaming. Mientras tanto, hay que decir que esta obra sin ser lo mejor de Wagner, es lo suficientemente interesante como para disfrutarla, sobre todo si tiene una puesta en escena. Yo creo que debería intepretarse más veces. 

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

martes, 12 de agosto de 2025

Twenty six hours in Bayreuth: a pilgrimage to Wagner's Walhalla.


Bayreuth, August 12, 2024.

I'll never forget this date in that place. It marked, for me, the end of 19 years of  tormented waiting for a seat, having lost two opportunities to attend, during which I wondered how would be like to be at the Bayreuth Festival. A year later, in my home in Madrid, I am remembering about my only brief pilgrimage to the Wagnerian shrine, accompanied by my mother. I apologise for the length of this article, but as I was writing it, I relived that visit in a very special way.

Sinister: Bayreuth War Festival, 1942.


My trip to Bayreuth was a 26-hour trip. When I think about this, I get a sinister feeling. During World War II, which for this city were the years of the "War Festivals," the so-called "guests of the Führer"—soldiers, armament factory workers, nurses, and other personnel, not always interested in going to the opera—were given the forced honor of enjoying an opera evening at the Festspielhaus, to immerse themselves in the cultural peak of the "German spirit." The guests attended lectures with a frightening political bias, and then received tickets to the opera. The next day, they left the city, and another batch of guests arrived. 

How did I come to compare myself to those people? For personal reasons, I couldn't be out of Spain for more than four days. Two of those were dedicated to exploring the city of Munich, my point of departure. The other two days in between were dedicated to traveling to and from Bayreuth and attending the performance, which in my case was the successful Tannhäuser production directed by Tobias Kratzer on stage, Nathalie Stutzmann on the musical, and a cast from the house led by Klaus Florian Vogt . On the performance, I speak in my review here.

The Festspielhaus seen from the Bayreuth Train Station.

To reach the Wagnerian city, I took the Bavarian regional train from Munich, making two connections in Ingolstadt and Nuremberg. In the latter city, a middle-aged German couple took the train and sat in front of us, each carrying a suit jacket tucked into a bag on a hanger. It was obvious we would be meeting them at the opera. Upon finally arriving at Bayreuth station, whose narrow central platform seems not to have changed very much since the sinister era of the War Festivals, one is greeted on the main platform by a sign in German, bearing the region's typical greeting, "Grüss Gott," welcoming visitors to the city and those attending the opera. Turning north, the beautiful and moving roof of the Festspielhaus, emerging from nature, greets the newcomer, making one feeling like Wotan when saying the just finished Walhalla for the first time: "The eternal work is achieved!". Wagnerians could not have a more poetic welcome. 

On the first day, with just four hours to go before the performance began, we were only able to check in at the Ibis Budget Hotel, close to the train station, a fifteen-minute walk from the Festspielhaus. My trip coincided with a heat wave in the country. Since Germans are not accustomed to these temperatures in summer, not all public spaces have air conditioning, what made the touristic visit to Munich unconfortable. But at the Ibis Hotel in Bayreuth, it's different. Upon entering, as we felt with air conditioning, we felt blessed! The receptionist couldn't believe that it was a rare commodity in the Bavarian capital. At that moment, I would have liked to have a lunch at Eule, the famous restaurant where the maestro frequented. However, because of the heat and the limited time to rest, I finally chose the modern Asian restaurant YUYU on Bahnhofstrasse, close to my hotel, although that wasn't a problem for me because I love Asian food, and I attest that I ate there the best fried rice in my life. Before returning to the hotel to rest, I stopped by the city's Aldi supermarket to stock up on water to refresh myself during the performance. 

In my way to the Festspielhaus...

While we were in our way to the Festspielhaus, I saw the couple from the train, fully dressed up, and as we were approaching the green hill, we heard a conversation between two men in Spanish, with a Venezuelan accent. Two police officers and a chain blocked traffic access to the green hill as the people entered. The first thing one meets is the familiar floral arrangement at the foot of the theater, with the golden Wagner statuettes by the artist Ottmar Hörl. As soon as we arrived, the theater musicians appeared at the royal balcony to play the fanfare with a theme from the opera; there was little time left to enter. I always felt that I would be very moved and excited, in the Stendhal-style, while stepping the area, but I had not much time to do so because of the extreme heat, the tiredness from the trip and the short time before the performance. At the entrance, I was told that my backpack with my water bottle was too big for the main hall, so I had to leave it in a locker on the other side of the theater, guided by an usherette who had to ask where the lockers were.

Shortly before the beginning of the performance...

With little time left before the start, I was able to enter the theater, whose simplicity in the aisles surprised me. But as we know, the maestro didn't want the goer to get lost in luxuries but focus on the performance instead. Upon reaching my seat on the second floor, I could feel the tremendous heat everyone talks about: in an area where all the seats are full and the area is quite closed off, the heat is more concentrated. The burning sensation I felt under my left armpit as a result, was one I had never experienced before. But when the lights go out, firstly in the stalls and then in the gallery, the theater is completely dark, with the only light coming from the hidden pit behind the stage, and the clarinet timidly begins the opera, the magic makes you forget everything else. The acoustics are truly special: Wagner designed them for his works. Certainly, singers who sound different on recordings or in other theaters see their voices flow here. The invisible orchestra, being under the stage, sounds as if it were uncovered, even the hidden percussion in the back row. It's no wonder many musicians want to perform here. 

Formal dress code, although not mandatory, seems to still be widely respected by the audience, as even in an area as affordable as mine, there were several men in suits. Next to my mother, an woman in her eighties wearing a long-sleeved green blouse sat... but she didn't return for the third act! On the other hand, a tall, extremely thin German youth, sitting in front of one of the columns (a blind seat between 5 and 15 euros), was wearing a sleeveless T-shirt. The boy might not have seen anything, but at the end of the show, his ovations were the loudest in the gallery. When leaving the hall during the intermissions, one was surprised to see the high number of sweaty white shirts. One is also surprised by the audience's obsession with silence: my mother was told not to use a fan because of the noise it might make, so we used the tickets as fans. I was also surprised by the enormous booing that was heard at the end of the first act.

During the first intermission, a performance by mezzo-soprano Iréne Roberts , drag queen Le Gateau Chocolat , and dwarf actor Manni Laudenbach awaited the spectators at the pond at the foot of the hill. One is surprised by the lack of benches in this area. Those of us who were more or less dressed up didn't sit down, but those in more casual clothing were happy to do so on the grass. Was this lack of of amenities, probably due to the well-known special connection Germans have with nature, which is why they prefer to feel the fresh grass? 

Paying a heartfelt tribute to Ottlie Metzger (1878-1943)

While ascending the stairs toward the Festspielhaus for the second break, on the right a special place is found: the famous bust of Wagner by Arno Breker, the most successful sculptor of the Nazi era, dominates the space, already somewhat worn by time. But around it lies a painful and necessary contrast: the permanent exhibition called "Verstummte Stimmen" (Silenced Voices), featuring murals with biographies and photographs of Festival artists who were persecuted, exiled, or murdered by the Nazis. Among them, we can find two major German divas: Henriette Gottlieb, a soprano who died in poverty and overcrowding in the Lodz Ghetto in 1941, and the famous contralto Ottilie Metzger, who was murdered at Auschwitz in 1943. Their only fault was being Jewish. An exercise in memory and atonement by a Festival that was one of major cultural centers of the Nazi era.

"Free to Wish, Free to do, Free to Enjoy"...

After the intervals, it's necessary to leave the auditorium so it can be aired out. I wasn't able to visit the stalls, as the ushers told me to leave. An "Entschuldigung!" (Excuse me! in German) prevented me from my enterprise. To mitigate the heat, the lines at the theater's toilets are quite long. But this year, as a novelty, fresh water canisters were placed in the cloakroom, where you can also borrow free cushions, to endure the performance, since the discomfort of the backless wooden seats is legendary. I've said before that Wagner wanted the audience not to get lost in trivial things like the luxury of the auditorium. Following his instructions, the main hall with its ocean of seats is elegant but extremely simple. Too modern and minimalist for its time, compared to the palatial Opéra Garnier in Paris, which opened a year before the Festspielhaus. 

Entering the theatre...

The heat and fatigue from the trip kept me from moving around much, but I was able to visit the shop, where they were selling some recordings, books, and  black T-shirts with quotes from Wagner's operas and writings. I was pleased to see my friend Emilio Gómez's book, " El Bayreuth de Wieland y Wolfgang Wagner (The Bayreuth of Wieland and Wolfgang Wagner)", one of the few Spanish-language books available there, on the shelves. At the ticket office, you can buy programs for that year's operas, but instead of the plots, they include articles about the work and its staging, since it's assumed that anyone who goes to Bayreuth is familiar with the master's works. During the second intermission, I was able to see the now-famous sign "Free in Will, Free in Action, Free in Enjoyment" hanging on the royal balcony, taken from Wagner's essay "Art and Revolution" written in 1849, and a staircase that anyone who wished could climb. But I only saw people taking photos. It was imperative for me to approach the monument dedicated to the first performers in the history of the Festival, who premiered The Ring of the Nibelung in 1876, whose names are carved in gold letters on that enormous stele. 

Years before, a friend had told me about the supposedly harshness of the ushers, called "Blauen Mädchen" (Blue Girls) in German. While in the past they were exclusively women, now they are young people, both male and female, mostly students of arts and humanities. However, I found them friendly, smiling, and helpful youths, all of them pretty, well-groomed, and polite. I was delighted by them!

Shortly before Act 3...


Miraculously, during the third act, I felt a miraculous gust of fresh air in the hall. It was in this moment when I thought on those glorious performances preserved on disc, such as the 1930, 1962 or 1978 productions of this opera. At the end of the performance, everyone was applauding wildly. Although it wasn't historical, the performance was very good and enjoyable. Wagnerian passion and the feeling of attending something special was amoung the audience, as usual with every performance in this theater. I remember everyone applauding and simultaneously stamping their feet on the floor, expressing their enthusiasm. I gladly joined in. 

A successful Tannhäuser performance...

As we left the theater, I could see buses with the names of the city's hotels on them. Some would come up to greet the artists, but I was exhausted. On the dimly lit, tree-lined avenue, on my way back to the hotel, I shared my thoughts about the performance with a Spanish friend I happened to meet. 

The next morning, knowing we were leaving for Munich at 2:00 PM, we got up early to go sightseeing. After breakfast at Café Oetter, we continued along Bahnhofstrasse toward the Margrave's Theatre, the famous Baroque opera house and a UNESCO World Heritage Site. Before reaching the theater, as walking through the Opernplatz, the former Nazi-era German Education House, now an office building for the energy company E.ON, was visible in the distance. In front of the DERPART travel agency, there was a bench with a statue of Wagner and a dog. Very suitable for funny tourist photos. 

A balcony from the Margravial Opera...

Upon arriving at the Baroque opera house, right next to it, small and unnoticed, stands the city's synagogue, dating from the 17th century. It was saved from destruction by the Nazis during the infamous Kristallnacht, because the adjacent theater would have been damaged if touched. It is still operative today, but closed to tourists. The first contact with the old theater is the air conditioning that welcomes the visitor. The entrance to the Baroque hall is like entering an art paradise, so beautiful that one doesn't want to leave. Not a single corner is undecorated: statues of angels, each box decorated with gilded arrangements, in the center, the luxurious main box with the crown, and on the ceiling, paintings by Giuseppe Galli Bibiena. Holograms of performers of Baroque arias and dances are projected onto the ornate stage. 

The infamous Judensau, blurred...

The next building to visit was the 17th-century Church of the Holy Spirit, the best-known in the city, as it presides over the historic center. Its rich neo-Gothic exterior contrasts with the simpler interior decoration from the following century, making the church a peaceful and simple place, following the Protestant conventions. On the east side of the façade, the infamous  Judensau (of Jews suckling a sow, an animal they considered unclean) sculpture, so typical of old Central European churches, used to be displayed. It has now been blurred, and a plaque below warns visitors against anti-semitic hatred.

Wagner's clothes...
 
Finally, it's time to head to Wahnfried. In the center, beautiful houses and historical buildings are found, many restored after World War II, as well as the Old Palace with its white facade and reddish columns. On the way down Maximilianstrasse, the SuXul hair salon played Jennifer Lopez's song "Let's get loud." Alongside the Asian food kiosks ,cartons of fruit juices in Arabic language, at the Sarah supermarket, run by a young woman in a hijab, at the end of Bahnhofstrasse, or an Asian supermarket in the Richard-Wagner-Strasse, they are signs of how globalization has also reached the provincial and quiet Wagnerian city. Near Wagner's house, one has to walk across the New Palace's arches to reach the Hofgarten. A haven of peace within the already quiet city. The  first contact with Wagner's estate is his grave, opposite his former home. The same grave contains his and his wife Cosima's remains.  

The Richard Wagner Museum includes three houses, the first being Wahnfried. Visitors are greeted by the façade with the inscription "Here, where my madness found peace, let it be called my home." Restored in the 1970s, one is moved upon entering the main hall, which houses the piano, a library of 19th-century books, and the imposing portrait of Cosima, dominating the room and the house as she did in her lifetime, during the 47 years she outlived her husband. In the house, one finds instruments such as the Parsifal bells (a replica) from the 1882 premiere in the entrance hall; and upstairs, various props from the first performances of the Ring and Parsifal: Parsifal's cloak and armor, the Valkyries' jewels, Wagner's death mask, scores, and, descending a spiral staircase, an intermediate room containing the clothing and personal effects of Wagner and his wife. 

Winifred Wagner's dining room... where Hitler used to eat with her and her children.

To the left side of Wahnfried, stands the house of his son Siegfried, where his widow Winifred lived when the famous 1975 documentary chronicling her management of the Third Reich Festival was filmed. A short documentary is shown about the history of the house and Winifred's relationship with Hitler. Inside the house, one can see, intact and dominated by a portrait of the composer Richard Strauss, the dining room where the genocidal dictator and the composer's daughter-in-law ate with her children and debated until the early hours of the morning about the performances they saw at the Festspielhaus. In front of it, a documentary is shown about the history of the Festival during that turbulent period, where one experiences the painful experience of seeing images of the infamous anti-Semitic journalist and hate-monger Julius Streicher, disliked even by his contemporaries, and burning in hell after his execution in 1946. 

Historical costumes: Waltraud Meier's gown for the 1993 Tristan und Isolde production.

To the right of Wahnfried, one comes across the modern museum, where, after descending some stairs, an exhibition of costumes from various Festival productions lies. One finds the evolution from the traditional 19th-century costumes for Ortrud and Isolde, through the simpler costumes of Wieland Wagner's era, to modern costumes such as that of Venus for the 1978 production of Tannhäuser, or the rat disguises for the Hans Neuenfels' notorious 2011 Lohengrin staging. In the same room, one can see scale models of various old productions, from the beautiful 19th century sets by the Brückner brothers, to the minimalistic Wieland Wagner's Tristan of 1962. In the same museum, there is a room where one can listen to recordings of Wagnerian operas, and a cinema where the 1913 Wagner biopic was shown at that moment, although the room was empty at the time. Sadly, I missed the gold-colored wall dominated by a bust of Wagner. 

After visiting the maestro's residence, I had little time left in the city. It was already midday, and Richard-Wagner-Strasse, a pedestrian street lined with many shops and supermarkets, was already bustling with people. Another sign of globalization was seeing a TEDi store with a big welcoming teddy bear, which reminded me of the store of this franchise near my home in Madrid. On that street is found the prestigious Bratwursthäuschen, a typical sausage stand famous throughout Bavaria, which provided me with a tasty lunch of bread and sausage. 

Time to leave... Bayreuth's Chamber of Commerce building...

It was time to say goodbye. Shortly before entering the main station, my last impressions of the city were the statues of colorful little men walking across the facade of the Chamber of Commerce building, and a last view of the Festspielhaus in the distance, before boarding the first of three trains that would take me back to Munich. Incidentally, if the so-called German efficiency has a deadly enemy, it's Deutsche Bahn and its terrible delays: a one-hour delay in Ingolstadt, where I waited for my train under a scorching sun. 

It must be said that you should approach Bayreuth at a leisurely pace, and you should try to be relaxed during performances. Otherwise, you can become overwhelmed, as I nearly was during the second act of the show. But as a Wagnerian, I can say that probably better Wagner opera productions could be done in major opera houses worldwide ,but the Festpielhaus is still the best place to do them. The high level of the orchestra and choirs, which sounded heavenly in the third act, the marvellous acoustics despite the terrible heat (I think with climate change, they must find a solution or something terrible will have to happen before they finally decide to install any air conditioning in the hall without damaging those unique acoustics)... everything makes it special and any effort worthy of it. It's something better felt than explained. In addition, the beautiful city offers interesting places to visit and relax. Wagner knew what he was doing when he chose it for his festivals. 

I will return...


As Wagnerian, I understand why some people dares to compare to visit Bayreuth at least once in a lifetime, to Muslims' pilgrimage to Mecca. I dream of returning. I know, I am deeply convinced that I'll return several times throughout my life. I project to do so by 2027 or 2028, even 2029, to see the Ring or Parsifal, which were composed for the theater's acoustics. George Bernard Shaw said that whoever goes to Bayreuth never regrets it. I would add that whoever does, if they're a Wagnerian, already dreams of returning from the same moment the train departs from the Wagnerian city towards home.

Veintiséis horas en Bayreuth: una peregrinación a la capital del wagnerismo.



Bayreuth, 12 de agosto de 2024.

Nunca olvidaré esta fecha en este lugar. Supuso, para mí, el final de 19 años de tormentosa espera en los que me preguntaba cómo sería estar en el Festival de Bayreuth. Un año después, estoy en mi casa en Madrid recordando mi única peregrinación al santuario wagneriano. Ruego al lector me perdone la extensión del artículo, pero al escribirlo estoy reviviendo esas emociones de forma muy especial.

Siniestro: Festival de Guerra de 1942 en Bayreuth...

Mi primer viaje a Bayreuth fue, podría decirse, un viaje relámpago de 26 horas. Cuando pienso en este hecho, tengo una sensación siniestra. Durante la Segunda Guerra Mundial, que para esta ciudad fueron los años de los "Festivales de Guerra", los llamados "huéspedes del Führer", soldados, trabajadores de fábricas de armamento, enfermeras y demás personal, no siempre interesado en ir a la ópera, recibía el honor forzado de ir a gozar de una tarde de ópera en el Festspielhaus, para imbuírse de la cima cultural del  "espíritu alemán". Los invitados, obligados, asistían a conferencias de un espantoso sesgo político, y luego recibían entradas para la ópera. Al día siguiente, volvían a sus destinos de origen y otro lote de invitados venía. 

¿Cómo llegué a compararme con esa gente? Por motivos personales, no podía estar más de cuatro días fuera de España. Dos de los cuales, eran para conocer la ciudad de Múnich. Los otros dos días intermedios, estaban destinados para ir y volver de Bayreuth y ver la representación, que en mi caso era del exitoso Tannhäuser dirigido por Tobias Kratzer en lo escénico, Nathalie Stutzmann en lo musical y un elenco de la casa liderado por Klaus Florian Vogt

Sobre la representación en sí, hablo aquí.

Vista del Festspielhaus desde la estación de tren.

Para llegar a la ciudad wagneriana, tomé el Tren Bávaro regional desde Múnich, haciendo dos conexiones en Ingolstadt y en Núremberg. En esta última ciudad se sentó delante de mí y de mi madre, una pareja alemana de mediana edad que llevaba consigo un traje de chaqueta enfundado y en una percha. Era evidente que nos los encontraríamos en la ópera. Al llegar al fin a la estación de Bayreuth, cuya estrecha plataforma central no ha cambiado mucho desde la siniestra era de los Festivales de Guerra, uno es recibido en el andén principal por un cartel en alemán, con el típico saludo de la región, el "Grüss Gott", que da la bienvenida a los visitantes de la ciudad y a los que van a la ópera. Si uno se gira a la izquierda, el bello y emocionante tejado del Festspielhaus, emergiendo de la naturaleza, saluda al recién llegado. Los wagnerianos no podrían tener mejor recibimiento. 

En el primer día, y faltando tan solo cuatro horas para que comenzara la representación, solo pudimos hacer el check-in en el Hotel Ibis, próximo a la estación de tren, y a quince minutos andando en línea recta del Festspielhaus. Mi viaje coincidió con una ola de calor en el país. Dado que los alemanes no están acostumbrados a estas temperaturas en verano, no todos los espacios públicos tienen aire acondicionado. Pero en el Ibis de Bayreuth es diferente. Al entrar y sentirlo, fue como una bendición. El recepcionista no se creía que en la rica y poderosa capital bávara, este fuera un bien casi escaso. Hubiera deseado en ese momento ir a comer en el Eule, el famoso restaurante al que iba el maestro. Sin embargo, el calor y el poco tiempo para descansar, hicieron que llegara hasta el moderno restaurante asiático YUYU, en la Bahnhofstrasse, aunque para mí no es problema porque amo la comida asiática. Y doy fe, de que allí me sirvieron el mejor arroz frito que he comido en mi vida. Antes de volver al hotel para descansar pasé por el Aldi de la ciudad, para aprovisionarme de agua para refrescarme durante la función. 

Llegando al Festspielhaus...


Cuando llegó de salir hacia el Festspielhaus en línea recta, vi a la pareja del tren, totalmente arreglada. A medida que nos acercábamos a la colina verde, oíamos una conversación entre dos hombres en español, con acento venezolano. Dos policías y una cadena cortan el acceso al tráfico a la colina verde mientras los espectadores suben. Al subir, lo primero que uno ve es el consabido arreglo floral al pie del teatro, con las estatuillas del artista Ottmar Hörl, todas de Wagner, en color dorado. Nada más llegar, se escuchó a los músicos del teatro interpretar la fanfarria con un tema de la ópera, quedaba poco para entrar. Dispuesto a entrar, me dijeron que mi mochila con mi botella de agua era demasiado grande para la sala, por lo que tuve que ir a dejarlo en una consigna que estaba al otro lado del teatro, guiado por una acomodadora que tuvo que preguntar dónde se encontraba la consigna. 

                                                             Poco antes de empezar la función...

Con poco tiempo para el inicio, pude entrar en el teatro, cuya sencillez en los pasillos me sorprendió mucho. Pero ya se sabe que el maestro no quería que uno se perdiera en lujos sino que se centrara en la función. Al llegar a mi asiento, en la segunda planta, pude sentir el tremendo calor del que todos hablaban: en una zona donde todos los asientos están llenos y la zona está bastante cerrada, el calor se concentra más. La sensación de ardor que tuve bajo mi brazo izquierdo a consecuencia de ello no la había experimentado antes. Pero cuando las luces se apagan, primero las del patio de butacas y después la de la galería, el teatro queda totalmente a oscuras, con las únicas luces viniendo del foso oculto tras el escenario, y el clarinete da comienzo tímidamente a la ópera, la magia hace olvidar todo lo demás. La acústica es realmente especial: Wagner la diseñó para sus obras. Ciertamente, cantantes que suenan diferente en grabaciones o en otros teatros, aquí ven sus voces fluir. La orquesta, para estar bajo el escenario, suena como si estuviera descubierta, incluso la percusión que está en la última grada. No es soprendente que muchos músicos quieran actuar aquí. 


La etiqueta, aunque no obligatoria, parece ser aún muy respetada por el público, pues incluso en una zona tan económica como la mía, había bastantes hombres con traje. Al lado de mi madre se sentó una señora octogenaria con una blusa verde de manga larga... que no volvió para el tercer acto. En el otro extremo, un efebo alemán, alto y extremadamente delgado, sentado delante de una de las columnas (un asiento sin visibilidad entre 5 y 15 euros), llevaba una camiseta sin mangas. El muchacho tal vez no vería nada, pero fue el que más alto braveó de todos. Al salir en los descansos, uno se sorprendía de ver el alto número de camisas blancas sudadas. También uno se sorprende de la obsesión del público con el silencio: a mi madre le dijeron que no usara abanico por el ruido que podría hacer. También me sorprendí del enorme abucheo que se escuchó al terminar el primer acto.

En el primer descanso, aguardaba a los espectadores la performance de la mezzosoprano Iréne Roberts, de la drag queen Le Gateau Chocolat y del actor con enanismo Manni Laudenbach, en el estanque que hay al pie de la colina. Uno se sorprende ante la escasez de bancos en esa zona. Los que estábamos más o menos arreglados no nos sentábamos, pero gente con ropa más informal no tenía problema en hacerlo sobre el césped. ¿Tal vez obedecería esta falta de comodidades al conocido vínculo especial que tienen los alemanes con la naturaleza y por tanto les es preferible sentir el fresco césped? 

Rindiendo homenaje a Ottilie Meztger...
                                                                 
Subiendo las escaleras en dirección al Festspielhaus para el segundo descanso, a mano derecha uno se encuentra con un lugar especial: el famoso busto de Wagner realizado por Arno Breker, el escultor más exitoso de la época nazi, y ya un poco desgastado por el tiempo, preside el lugar. Pero a su alrededor se encuentra un contraste doloroso y necesario: la exhibición permanente llamada "Verstummte Stimmen", en español "Voces silenciadas", presenta unos murales con biografías y fotografías de artistas del Festival que fueron perseguidos, exiliados o asesinados por el nazismo. Entre ellos las famosas artistas alemanas Henriette Gottlieb, soprano que murió en la miseria y el hacinamiento en el Gueto de Lodz en 1941, o la contralto Ottilie Metzger, quien murió asesinada en Auschwitz en 1943. Su única falta era ser judías. Un ejercicio de memoria y expiación por parte de un Festival que fue uno de los estandartes culturales de la época nazi.

Vista de la sala poco antes de empezar el tercer acto...


Al terminar los descansos, es necesario dejar la sala para poder ventilarla. No me fue posible visitar el patio de butacas, ya que por ese motivo los acomodadores me dijeron que me fuera. Un "Entschuldigung!" (¡Perdone!, en alemán) me impidió seguir. Para mitigar el calor, las colas en los baños del teatro son kilométricas. Pero ese año, como novedad, se habilitaron bidones de agua fresca en el guardarropa, donde también se pueden pedir cojines de forma gratuita, para soportar la función ya que la incomodidad de los asientos de madera sin respaldo es legendaria. Ya he dicho antes que Wagner quería que el espectador no se perdiera en cosas banales como el lujo de la sala. Siguiendo sus indicaciones, la sala principal con su océano de butacas es elegante, pero extremadamente sencilla. Demasiado moderna para su época, si se compara con la palaciega ópera de París, inaugurada un año antes que el Festspielhaus.

"Libre para desear, libre para hacer, libre para disfrutar..."

El calor y la fatiga del viaje no me permitieron mucho movimiento, pero me pude acercar a la tienda, donde se vendían algunas grabaciones, libros y camisetas con frases de la obra. Me agradó ver el libro de mi amigo Emilio Gómez, "El Bayreuth de Wieland y Wolfgang Wagner", de los pocos libros en español allí disponibles, en las estanterías. En la taquilla se adquieren los programas de las óperas de ese año, pero en lugar del argumento, aparecen artículos sobre la obra y su puesta en escena, ya que se da por sentado que todo el que va a Bayreuth, conoce las obras del maestro. Durante el segundo descanso, pude ver colgado en el balcón real el ya famoso cartel "Libre en la voluntad, libre en la acción, libre en el disfrute", procedente del ensayo "Arte y Revolución" que Wagner escribió en 1849, y unas escaleras que podía subir todo aquel que lo deseara. Pero yo solo vi a gente hacerse fotos. Imperativo para mí era acercarme al monumento dedicado a los primeros intérpretes de la historia del Festival, que estrenaron El Anillo del Nibelungo en 1876, cuyos nombres están en esa enorme estela tallados con letras doradas. 


Años antes de ir, un amigo me había hablado sobre la supuesta aspereza de los acomodadores, en alemán llamados "Blauen Mädchen" (Muchachas azules), que si en el pasado eran solo mujeres, ahora son jóvenes de ambos sexos, en su mayoría estudiantes de humanidades y artes. Sin embargo, lo que yo vi fue unos simpáticos, sonrientes y solícitos muchachos y muchachas, todos guapos, bien arreglados y educados. ¡Estaba encantado con ellos! 

Una exitosa función de Tannhäuser...

Milagrosamente, durante el tercer acto, sentí una milagrosa ráfaga de aire fresco en la sala. También fue en este momento cuando pensé en otros que interpretaron esta obra en este escenario, en versiones referenciales. Al terminar la representación, todo el mundo aplaudía enfervorecido. Realmente, sin ser histórica, la representación fue de alto nivel, pero también se sintió la pasión wagneriana y la sensación de asistir a algo especial como ocurre con cada representación en este teatro. Recuerdo a todos aplaudiendo y al mismo tiempo zapateando en el suelo expresando su entusiasmo. Yo me uní gustoso a este zapateado. 

Al salir del teatro, se podían ver autobuses donde aparecían los nombres de los hoteles de la ciudad. Algunos se acercarían a saludar a los artistas, pero yo me sentía exhausto. En la arbolada y poca iluminada avenida, de vuelta al hotel, compartí opiniones sobre la función con una amiga española con la que coincidí. 

A la mañana siguiente, sabiendo que partíamos hacia Múnich a las 14 horas, nos levantamos temprano para realizar una visita turística a la ciudad. Tras tomar un desayuno en el Café Oetter, seguimos por la Bahnhofstrasse rumbo al Teatro del Margrave, el famoso teatro de ópera barroco que es Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Antes de llegar al teatro, un breve paseo por la Opernplatz nos lleva a divisar la antigua Casa de la Educación Alemana, de la era nazi, hoy convertida en un edificio de oficinas de la compañía energética E.ON. Frente a la agencia de viajes DERPART, se encuentra un banco que incluye una estatua de Wagner acompañado de un perro. Ideal para fotos turísticas. Por toda la ciudad, uno se encuentra de repente con alguna estatua del maestro diseñada por Hörl.

El Teatro del Margrave desde uno de sus palcos...

Ya al llegar al edificio de la ópera barroca, justo a su lado, pequeña y desapercibida, se encuentra la sinagoga de la ciudad, datada del siglo XVII, y que se salvó de ser destruida por los nazis en la infame Noche de los Cristales Rotos, porque el teatro contiguo habría resultado dañado si se la tocaba. Aún hoy sigue en funcionamiento, cerrada a las visitas turísticas. El primer contacto con el viejo teatro es el aire acondicionado que da la bienvenida al visitante. La entrada a la sala barroca es como entrar a un paraíso del arte, tan bello que uno no quiere dejar la sala. No hay ni un solo rincón sin decorar, estatuas de ángeles, cada palco decorado con arreglos dorados, en el centro el lujoso palco principal con la corona, y en el techo las pinturas de Giuseppe Galli Bibiena. Sobre el recargado escenario se proyectan hologramas de representaciones de canto y danza barrocos. 

La infame Judensau, difuminada...

El siguiente edificio a visitar fue la Iglesia del Espíritu Santo, del siglo XVII, y que es la más conocida de la ciudad, ya que preside el casco histórico de la misma. Su rico exterior neogótico contrasta con su más sencilla decoración, del siglo posterior, del interior, que hace el templo un lugar tranquilo y sencillo, de acuerdo a la confesión protestante. En el lado este de a fachada, se encontraba la infame escultura antijudía Judensau (de unos judíos mamando de una cerda, animal impuro para ellos), tan típica en las iglesias centroeuropeas de épocas pasadas, pero hoy se encuentra difunimada y una placa previene al visitante contra el odio antisemita. 

Finalmente llega el momento de dirigirse a Wahnfried. En el centro se encuentran bellas casas, muchas restauradas tras la Segunda Guerra Mundial, además del Viejo Palacio con su blanca fachada y sus rojizas columnas. De camino por la Maximilianstrasse, desde la peluquería SuXul se escuchaba la canción "Let's get loud" de Jennifer Lopez. Junto a los quioscos de comida oriental y los brics de zumos de frutas en árabe del supermercado Sarah, atendido por una joven con hijab, al final de la Bahnhofstrasse, es una señal de cómo la globalización también llega a la provinciana y tranquila ciudad wagneriana. Poco antes de llegar se encuentra uno con el Palacio Nuevo, cuyos arcos se atraviesa para llegar al Hofgarten. Un remanso de paz dentro de la ya de por sí tranquila ciudad. El primer contacto es la tumba de Wagner, enfrente de la que era su casa. Junto a él está enterrada su esposa Cosima.  

Ropa y accesorios de Richard Wagner...

El Museo Richard Wagner incluye tres casas, siendo Wahnfried la primera. Al visitante le recibe la fachada con la frase "Aquí donde mi locura encontró la paz, sea llamada mi casa". Restaurada en los años 70, uno se emociona al entrar a la sala principal donde se encuentra el piano, una biblioteca con libros del siglo XIX, y el imponente retrato de Cosima dominando la sala, y la casa tal y como hizo en los 47 años que sobrevivió a su esposo. En la casa uno encuentra instrumentos tales como las campanas de Parsifal (una réplica) del estreno de 1882 en el recibidor; y en la planta de arriba diferentes elementos de utilería de las primeras representaciones del Anillo y Parsifal en el Festival: el manto y la armadura de Parsifal, las joyas de las valquirias, la máscara mortuoria de Wagner, partituras, y bajando por una escalera de caracol, una estancia intermedia en la que se encuentran ropa y efectos personales de Wagner y de su esposa. 

El comedor donde Hitler comía con Winifred y sus hijos...


Al lado izquierdo de Wahnfried se encuentra la casa de su hijo Siegfried, en la que vivió su viuda Winifred y en la que se filmó el famoso documental de 1975 donde esta narraba su gestión del festival del Tercer Reich. Se proyecta un pequeño documental sobre la historia de la casa y la relación de Winifred y Hitler. Dentro de la casa, se puede ver, intacto y presidido por un retrato del compositor Richard Strauss, el comedor donde el dictador y la nuera del compositor comían con los hijos de ella, y donde debatían hasta altas horas de la madrugada, sobre las representaciones que veían en el Festspielhaus. En frente del mismo se proyecta un documental sobre la historia del Festival en esa turbulenta época, donde uno pasa el mal trago de ver imágenes del infame periodista y agitador de odio Julius Streicher, odiado hasta por la gente de su entorno nazi, y desde su ejecución en 1946, ya ardiendo en los infiernos. 

Trajes del Festival. En primer plano, el que Waltraud Meier usó para Tristán e Isolda en 1993.

Al lado derecho de Wahnfried se encuentra uno con el moderno museo, donde tras descender unas escaleras, se encuentra con una exhibición de trajes de varias producciones del Festival: uno ve la evolución desde los tradicionales trajes de Ortrud, Isolda, del siglo XIX, pasando por los más sencillos trajes de la era de Wieland Wagner hasta trajes modernos como el de Venus para la producción de Tannhäuser de 1978, o el de las ratas del Lohengrin de 2011. En la misma sala se pueden ver maquetas de diferentes producciones antiguas, desde el siglo XIX hasta la del Tristán de Wieland Wagner de 1962. En el mismo museo se encuentra una sala donde se pueden escuchar grabaciones de óperas wagnerianas, otra donde se proyectaba la película biográfica de Wagner de 1913, aunque la sala estaba vacía en ese momento. Tristemente me perdí la pared de color dorado presidida por un busto de Wagner. 

Tras visitar la residencia del maestro, poco tiempo me quedaba en la ciudad. Ya era mediodía y en la Richard-Wagner-Strasse, una calle peatonal con muchas tiendas y supermercados, ya había más y más gente. Otro signo de globalización fue ver una tienda TEDi con un osito dando la bienvenida, que me recordó a la más sencilla tienda de esta franquicia cerca de mi casa en España. En esa calle se encuentra el prestigioso Bratwursthäuschen, un puestecillo con fama en toda Baviera, que me proporcionó un sabroso almuerzo en forma de pan con salchichas. 

Despedida... Cámara de comercio de Bayreuth.

Llegaba el momento de decir adiós. Poco antes de entrar en la estación principal, mis últimas impresiones de la ciudad fueron las estatuas de hombrecillos de colores caminando por la fachada del edificio de la Cámara de Comercio, y una última vista del Festspielhaus en la distancia, antes de tomar el primero de los tres trenes que me llevarían de vuelta a Múnich. Por cierto, si la marca Alemania tiene un potente enemigo, ese es Deutsche Bahn y sus terribles retrasos: una retraso de una hora en Ingolstadt, en la que estuve esperando mi tren bajo un sol abrasador. 

Hay que decir que a Bayreuth hay que ir con un ritmo tranquilo, y a las funciones hay que ir reposado. De lo contrario, a uno lo puede vencer el agobio, como estuvo a punto de vencerme a mí en el segundo acto de la representación. Pero como wagneriano, puedo decir que la magia vivida en esta bella y tranquila ciudad compensa cualquier limitación. Podrán hacerse mejores producciones de óperas wagnerianas en otras ciudades, pero el sitio ideal para hacerlas sigue siendo el Festspielhaus. La belleza y la sencillez del lugar, el alto nivel de la orquesta y los coros, que en el tercer acto sonaron celestiales, la acústica pese al terrible calor (creo que con el cambio climático, deben poner soluciones o tendrá que pasar algo terrible para que pongan por fin aire acondicionado en la sala sin que la perjudique)... todo lo hace especial. Es algo que se siente mejor que se explica. Además, la bella ciudad ofrece lugares interesantes para visitar y descansar. Wagner sabía lo que hacía al elegirla para sus festivales. 

Volveré...

Sueño con volver. Sé que voy a volver varias veces a lo largo de mi vida. Espero poder hacerlo para 2027 o 2028, para ver el Anillo o Parsifal, que se compusieron para la acústica del teatro. George Bernard Shaw decía que quien va a Bayreuth no se arrepiente de hacerlo. Yo añadiría que quien lo hace, si es wagneriano, ya sueña con volver desde el momento en que el tren lo aleja de la ciudad wagneriana para devolverlo a su casa.