"Des Grieux", by Giacomo Puccini: Radvanovsky cancelled, and Fabiano and the orchestra got hold of the show.

Madrid, October 5, 2026.

Puccini achieved his first major success thanks to his perseverance. The popular story of the courtesan Manon Lescaut (in the classic novel written by Abbé Prévost), who sacrifices love for luxury and is ultimately deported to America, where she meets her death, had already been adapted into an opera by Daniel Auber, and into another one with much greater success by Jules Massenet. Puccini was captivated by the story, but encountered resistance from Ricordi, the great Italian opera publisher, precisely because of the success of the French version. However, the success this opera has enjoyed ever since (though not reaching the level of the maestro's four great works, and depending on the venue, not being performed as frequently) proves Puccini right; he sees Manon through his passionate, dramatic, and intense lens, accompanied by beautiful music.

In Madrid, Manon Lescaut is a complete rarity. It hasn't been performed at the Teatro Real since 1906, as Massenet's version was more popular. However, it was performed in 1978 at the Teatro de la Zarzuela with Plácido Domingo and Eva Marton. Since then, it hadn't been performed in the capital until now. Unconceivable, given the major productions of this opera around the world, including in Spain, as it was performed in Barcelona earlier this year, and even some time ago, the beautiful La Scala production by Liliana Cavalli was staged there. The closest thing Madrileños have had to seeing this opera in recent times were the excerpts performed by Anna Netrebko and Yusif Eyvazov in their concert in September 2024. Therefore, these performances, in a production from the Cologne Opera directed by Carlos Wagner , are a historic opportunity for local opera lovers. There's no longer any need to travel to see this opera.

Mr. Wagner's production is visually striking, doesn't overly interfere with the action of the opera, and allows one to follow it without too many disruptions, although it does have its ups and downs, that is, some incomprehensible moments. The staging transports the action to the 1940s or 50s. The curtain rises, initially revealing a small stage: Edmondo is a singer, and on a small stage, in front of a microphone, he delivers his opening lines. Des Grieux does the same shortly after. Before Manon arrives, the curtain rises fully, revealing an enormous carousel. Manon makes her appearance, wearing a white dress that represents her initial purity, before life takes her down a different path. When the lovers escape, they board the carousel, which symbolizes their brief happiness before the tragedy. In the second act, we see Manon now provocatively dressed, transformed into De Revoir's mistress, with the complicity of her brother. Manon will dance sensually on a pole, alongside two male dancers, and then with a whole group of gentlemen, in a nod to the cabaret dance. In the third act, where the carousel once stood, there is now an enormous cage where Manon is imprisoned, awaiting deportation. The moment when the deported women are called one by one and undressed, leaving them only in black nightgowns, is particularly intense. During the performance of the famous Intermezzo, in a different location, ocean waves are projected, symbolizing the deportation. The final act depicts only the base of the carousel, while Manon and the other deportees, here a kind of evocation of her personality, advance alongside Des Grieux. Throughout the performance, the stage floor was decorated to appear waterlogged. Hence, it is puzzling that when Manon sends Des Grieux to fetch water, she suddenly sees her reflection in the supposed puddles and doesn't drink. It also makes little sense that Des Grieux sometimes embraces the other extras instead of Manon, or that he dies at the end of the play, shortly before she does. The theatrical intensity is there, but it doesn't fit the story at all. 

At the helm of the Teatro Real Orchestra is the acclaimed Italian maestro Nicola Luisotti, who conducted it magnificently, making it sound intense from the very first moment. As in Trovatore a few months ago, the spectacular sound that Luisotti draws from the orchestra forces it to find its place and challenge the performers. Of course, this means that on more than a few occasions the singers are drowned out by the exuberant sonic tapestry of this work. The performances of the cellos and the solo viola in the symphonic interlude, by Ms. Olga González , were particularly noteworthy; she was fantastic. The Teatro Real Chorus, under the direction of José Luis Basso, dominated in all its appearances, overcoming the powerful orchestra beneath them: thus, the female section shone in the first act. Once again, we see this chorus, which, in addition to singing, acts brilliantly: their performances in the third act, when the women are deported, are heartbreaking. 

Two casts were initially assembled for these performances, which have been modified more than once. Firstly, tenor Brian Jagde was slated to sing Des Grieux in the first cast, but due to health reasons, he had to withdraw from the production. His duties were then taken over by the American tenor Michael Fabiano, originally slated for the second cast. This would have featured one of the most acclaimed artistic pairings in this repertoire: Fabiano himself and the American soprano Sondra Radvanovsky, a beloved figure to the Teatro Real audiences. However, it was announced that due to illness of the soprano in the second cast, Saioa Hernández, Radvanovsky would be singing her scheduled performances on the 3rd and 6th of this month. Therefore, tonight's performance, originally intended for the American singer, was taken over by a rising star, the German soprano (daughter of an Albanian mother and a Bolivian father)  Carolina López Moreno.

Those of us who went to tonight's performance were utterly disappointed by the news. In fact, I only found out as soon as I got my hands on the program. I haven't felt this angry since the same thing happened to me in 2007, when I learned that Francisco Casanova was replacing Roberto Alagna in Il Trovatore, just as I opened the program after settling into my seat. 

Without Radvanovsky, Fabiano and the orchestra took over the performance. The American tenor, a regular at the Teatro Real, once again impressed with his powerful voice, possessing a more dramatic timbre and generous volume. Despite some difficulties in the first act with some  high notes, he began to take control and sing beautifully from the famous aria "Donna non vidi mai ," to the end of the performance. His rendition was heart-wrenching and intensely sung, as in "O tentatrice, È questo l'antico fascino" in the second act, or his utterly moving plea at the end of the third, or in the final duet, desperately exclaiming "un soccorso, un soccorso"... completely convincing. It is a pleasure to see this tenor give his all on stage, especially in Puccini, his specialty.

López Moreno premiered this production in Cologne, so there couldn't have been an easier replacement. This German soprano is, as I've already mentioned, a rising star: she has sung successfully in Barcelona, ​​Verona, and Rome, among other theaters; she has also recorded the original version of Cavalleria Rusticana with Thomas Hengelbrock. Physically, she is also an excellent choice, being a young, very beautiful woman with a spectacular physique, ideal for the production. Vocally, she is a more sensitive performer, with a voice that has both lyrical and dramatic moments. In " In quelle trine morbide," she gave a rather intimate, lyrical performance, something she also did in her great final aria, " Sola, perduta, abbandonata ," from Act IV. However, the power of her voice was not always enough to overcome the orchestra behind her. One of her finest moments was in the third act, where she tackled the opening lines with a darker tone, "Tremo, pavento per te!…", ending with a heart-rending low note in "Tremo a un periglio che ignoto m'è", and in her farewell to Des Grieux before boarding the ship, "Des Grieux, fra poco lungi sarò…", where her voice again resonated with a beautiful dramatic timbre. The audience at the Teatro Real rewarded her effort with a standing ovation. 

Sondra Radvanovsky and Michael Fabiano.

The rest of the cast was good, although they didn't have the same protagonism as the lead couple. Lucas Meachem was a well-singing and sardonic Lescaut, while Alejandro del Cerro was a competent Edmondo, though he was somewhat overshadowed by the orchestra at the beginning. The veteran Pietro Spagnoli was Geronte di Ravoir, in a comic performance with an audible voice. The cast also included the great Mikeldi Atxalandabaso as the dance instructor. Mercedes Gancedo had her moment to shine in her brief but beautiful appearance in the second act, which she handled very well.

The theater was very busy, but not full. Even so, the audience thoroughly enjoyed this beautiful opera, so well performed. There were great ovations for Fabiano, López Moreno, and Luisotti. A friend remarked that it was a difficult work to listen to, compared to the maestro's four great operas, but I found the music exquisite, foreshadowing what was to come in La Bohème and Tosca. We hope that another forty-eight years won't have to pass before we see it again at the Teatro Real: these performances have been a historic redress.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Stage photographs belong to the Teatro Real. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Any reproduction of my text requires my permission.

"Des Grieux", de Giacomo Puccini: sin Radvanovsky Michael Fabiano y la orquesta se hacen con la función en el Teatro Real.

Madrid, 5 de octubre de 2026.

Puccini cosechó su primer gran éxito, un gracias a su perseverancia. La popular historia de la cortesana Manon Lescaut, narrada por el Abate Prevost, que pasa sacrifica el amor por el lujo, y finalmente es deportada a América, donde halla la muerte; ya había sido adaptada a la opera por Daniel Auber, y con mucho más éxito por Jules Massenet, en su famosa ópera Manon. Puccini quedó cautivado por la historia, pero se encontró con la resistencia de la casa Ricordi, la gran editora de ópera italiana, precisamente por el éxito de la versión francesa. Sin embargo, el éxito que ha tenido esta ópera desde entonces (sin llegar al nivel de las cuatro grandes del maestro, y dependiendo del lugar, sin ser tan frecuente), demuestra la razón que tenía Puccini; quien ve a Manon a través de su lente apasionada, dramática, intensa, con acompañamiento de una hermosa música.

En Madrid, Manon Lescaut es una total rareza. En el Teatro Real no se representa desde 1906, ya que era más popular la de Massenet. Pero en 1978 se representó con Plácido Domingo y Eva Marton en el Teatro de la Zarzuela. Desde entonces, no se había vuelto a representar en la capital hasta ahora. Algo incomprensible habida cuenta de las grandes producciones que hay de esta ópera en el mundo, incluso en España, ya que en Barcelona se ha representado a principios de año, e incluso tiempo atrás se vio allí la bellísima producción de la Scala de Liliana Cavalli. Lo más parecido a ver esta ópera que hemos tenido los madrileños en tiempos recientes, fueron los fragmentos que Anna Netrebko y Yusif Eyvazov interpretaron en su gran concierto de septiembre de 2024. Por lo tanto, estas funciones con una producción procedente de la Ópera de Colonia a cargo de Carlos Wagner, son una oportunidad histórica para los aficionados locales. Ya no hay que viajar para ver esta ópera.

La producción del señor Wagner es visualmente impactante, no molesta demasiado en la acción de la obra, y permite seguirla sin demasiadas alteraciones, aunque tiene altibajos, es decir momentos incomprensibles. La puesta en escena traslada la acción a los años 40 o 50 del siglo pasado. El telón se abre y primero muestra el escenario reducido: Edmondo es un cantante y sobre un escenario y ante un micrófono tiene lugar su intervención, que abre la obra. Des Grieux hace lo mismo poco después. Antes de que llegue Manon, se levanta el telón al completo y muestra un enorme tiovivo. Hace Manon su aparición, con un vestido blanco que representa su pureza inicial, antes de que la vida la lleve por otro camino. Cuando los amantes escapan, se suben al tiovivo, que representa la breve felicidad de ambos antes de la tragedia. En el segundo acto vemos a Manon ya vestida provocativamente, convertida en la querida de De Revoir, con la complicidad de su hermano. Manon bailará sensualmente en una barra, al lado de dos bailarines masculinos, y luego con todo un grupo de caballeros, en un guiño al cabaret. En el tercer acto, donde antes estuvo el tiovivo, ahora hay una enorme jaula, donde Manon está presa, esperando la deportación. Muy intenso el momento en que las mujeres deportadas son llamadas una a una y desvestidas, dejándolas solo con un camisón negro. Durante la interpretación del famoso Intermezzo, cambiado de sitio, se proyectan olas de mar que muestran la deportación. El acto final representa solo la base del tiovivo, mientras que Manon y las otras deportadas, aquí una suerte de diferentes evocaciones de su personalidad, avanzan junto a Des Grieux. Durante toda la función, el suelo del escenario estaba decorado de tal forma que parecía encharcado. De ahí que, no se entiende que Manon, cuando manda a Des Grieux a buscar agua, de repente vea su reflejo en los supuestos charcos y no beba. Tampoco hay mucho sentido en que Des Grieux por momentos abrace a las otras figurantes en lugar de a Manon, ni que muera al final de la obra, poco antes de que lo haga ella. La intensidad teatral está, pero no casa con la historia en absoluto. 

Al frente de la Orquesta del Teatro Real se encuentra el aclamado maestro italiano Nicola Luisotti, quien la ha dirigido maravillosamente, haciéndola sonar con intensidad desde el primer momento. Al igual que en el Trovatore de hace unos meses, el espectacular sonido que Luisotti extrae de la orquesta hace que esta busque su sitio y plante cara a los intérpretes. Claro que eso hace que en no pocas ocasiones los cantantes sean tapados por el exuberante manto sonoro de esta obra. Muy a destacar las interpretaciones de los violonchelos y de la viola solista en el intermedio sinfónico, a cargo de la señora Olga González, quien estuvo fantástica. El Coro del Teatro Real a cargo de José Luis Basso, se impuso en todas sus intervenciones, superando el reto, valga la redundancia, de superar a la potente orquesta que tenían debajo: así, las coristas se lucieron en el primer acto. De nuevo volvemos a ver a este coro que además de cantar actúa genial: desgarradores en lo actoral en el tercer acto cuando deportan a las mujeres. 

Dos repartos han sido convocados para estas funciones, que se han visto modificados en más de una ocasión. En primer lugar, el tenor Brian Jagde estaba previsto para el primer reparto como Des Grieux, pero por motivos de salud tuvo que salir de la producción, y al tenor del segundo reparto, el estadounidense Michael Fabiano, se le encargaron sus funciones. De este modo, teníamos en escena a una de las parejas artísticas más aclamadas en este repertorio: el propio Fabiano y la también estadounidense Sondra Radvanovsky, soprano tan querida por nuestro público.  Sin embargo, se anunció que por enfermedad de la soprano del segundo reparto, Saioa Hernández, las funciones que debía cantar el 3 y el 6 de este mes, las pasaba a cantar Radvanovsky, y de la de esta noche, por tanto, que correspondía a la norteamericana, se encargó una soprano emergente, la alemana (hija de albanesa y boliviano) Carolina López Moreno.

Michael Fabiano y Sondra Radvanovsky.

Los que fuimos a la función de esta noche nos hemos llevado una desilusión mayúscula al conocer la noticia. De hecho, yo me enteré nada más hacerme con el programa. No sentía un enfado tan grande desde que me pasó la misma experiencia en 2007, cuando supe que Francisco Casanova sustituía a Roberto Alagna en Il Trovatore, nada más abrir el programa una vez sentado en mi butaca. 

Sin Radvanovsky,  Fabiano y la orquesta se adueñaron de la función. El tenor estadounidense, uno de los habituales del Real, volvió a impresionar con su potentísima voz, con un timbre más dramático y de volumen generoso. Pese a algunas complicaciones en el primer acto con algún que otro agudo, desde la famosa aria Donna non vidi mai, en la que empezó a controlar la situación y que cantó bellamente; el resto de la función vino rodada. Su interpretación fue desgarradora y con un canto intenso, como en "O tentatrice, È questo l'antico fascino" en el segundo acto, o su súplica en el final del tercero, totalmente conmovedora, o en el dúo final, exclamando desesperado "un soccorso, un soccorso"... totalmente convincente. Es un placer ver a este tenor darlo todo en escena, y más en Puccini, su especialidad.

López Moreno estrenó esta producción en Colonia, por lo que no podría haber reemplazo más fácil. La soprano alemana es, como ya he dicho antes, una soprano en ascenso: ha cantado con éxito en Barcelona, Verona y Roma, entre otros teatros;  además ha grabado con Thomas Hengelbrock la versión original de Cavalleria Rusticana en disco. Físicamente, también es una excelente opción, al ser una mujer joven, muy bella y de físico espectacular, ideal para el montaje. Vocalmente es una intérprete más sensible, y con una voz con momentos líricos y otros dramáticos. En el In quelle trine morbide dio una versión más bien intimista, lírica, algo que también hizo en su gran aria final, Sola, perduta, abbandonata, del acto cuarto. Sin embargo, el tamaño de su voz no pudo superar en ocasiones a la orquesta que tenía debajo. Uno de sus mejores momentos fue en el tercer acto, donde abordó con un tono más oscuro, "Tremo, pavento per te!...", terminando con un desgarrador grave en "Tremo a un periglio che ignoto m'è", y en su despedida de Des Grieux antes de subir al barco, "Des Grieux, fra poco lungi sarò...", donde su voz se oyó de nuevo con un precioso timbre dramático. El público del Real supo premiar su esfuerzo con una gran ovación. 

El resto del elenco estuvo a un buen nivel, aunque no se lleve la misma atención que la pareja protagonista. Lucas Meachem fue un Lescaut bien cantado y actoralmente socarrón, Alejandro del Cerro fue un correcto Edmondo, que fue tapado por la orquesta en el inicio. El veterano Pietro Spagnoli fue Geronte di Ravoir, en una interpretación cómica y con voz audible. Entre el elenco se contaba el gran Mikeldi Atxalandabaso, como el maestro de baile. Mercedes Gancedo tuvo su momento de lucimiento en su breve y bella intervención en el segundo acto, que acometió muy bien.

El teatro estaba altamente ocupado, pero no lleno. Aun así, el público disfrutó de esta bella ópera, tan bien servida. Hubo grandes ovaciones para Fabiano, López Moreno y Luisotti.  Me comentó un amigo que era una obra difícil de escuchar, comparada con las cuatro grandes del maestro, pero yo encontré una música preciosa, que anticipa lo que vendrá en Bohème y Tosca. Esperamos que no tengan que pasar otros cuarenta y ocho años para volver a verla en el Real: con estas funciones se le ha hecho una reparación histórica.

Las fotografías y vídeos escénicos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

Despedir el verano con alegría: La Verbena de la Paloma en el Teatro de la Zarzuela, segundo reparto.

 

Madrid, 30 de septiembre de 2026.

Hace dos años, el Teatro de la Zarzuela estrenó por todo lo alto una nueva producción de "La Verbena de la Paloma", de Tomás Bretón, con gran éxito. No podría ser de otro modo, siendo quizá la más famosa de las zarzuelas, aunque sea de oídas el público de todas las edades conoce el título de la obra o frases míticas como "Hoy las ciencias adelantan que es una barbaridad", "Por ser la virgen de la paloma un mantón de la china-na te voy a regalar" o "Dónde vas con mantón de Manila". En aquel 2024, todas las localidades estaban vendidas. Además se dio la feliz circunstancia que se programó en mayo, coincidiendo con las fiestas de San Isidro. Después de su programación en Madrid, la producción viajó, según mencionan en la revista Bachtrack, a Sevilla, Santander, Oviedo, Málaga y Tenerife. Este mes, la producción de Nuria Castejón vuelve al teatro de la calle Jovellanos, colgando de nuevo el cartel de "no hay billetes". Después de estas funciones irá a Valencia (donde estaba programada para noviembre de 2024, pero las trágicas inundaciones de la DANA obligaron a cancelar todas las funciones) y Valladolid.

La producción de la señora Castejón mantiene el mismo encanto que la hizo triunfar en su estreno. De hecho, se me ocurre que podría (ojalá) seguir el camino de la producción de Emilio Sagi de La del Manojo de Rosas, y convertirse en un clásico de este teatro, sujeta a muchas reposiciones en el futuro. El tiempo dirá. La Verbena, por sí sola, dura poco más de una hora. Para hacer un espectáculo más largo, se ha recurrido a su propia historia: bien es sabido que esta obra maestra se estrenó en el Teatro Apolo, la "catedral del género chico", en 1894. Pero en 1929 cerró sus puertas y fue demolido, para ser sustituido por la flamante nueva sede del Banco de Vizcaya (actual BBVA). Esta producción toma esa historia como base de un sainete lírico llamado "Adiós Apolo", como prólogo a La Verbena, en la que se narra el último ensayo antes de la última función en dicho teatro: en él no solo aparecen personajes cuyas vivencias y reivindicaciones, feminismo, aumento salarial, situación política, son reconocibles para el público moderno, de ahí que se divierta, sino que los números escogidos muestran algo aún más fascinante, aunque ya se sepa. Que algunos de los números escogidos, como la Polca japonesa de El Pobre Valbuena, o el Tango del Cinematógrafo de La Gente Seria, son muestras de cómo la zarzuela, y especialmente el género chico, han tratado todos los temas y realidades del mundo, a través de su mirada satírica.

Al terminar este prólogo, comienza la zarzuela propiamente dicha: La Verbena de la Paloma. Un deleite para la vista, como ya dije hace dos años, con la realista escenografía de Nicolás Boni que parece uno sentirse en La Latina o Malasaña, el coqueto vestuario años 20-30 de Gabriela Salaverri, o la iluminación de Albert Faura, muy destacada en la escena de la Soleá, iluminando maravillosamente el Café de Melilla. Todo esto contribuye notablemente al disfrute visual, algo que para el público del Teatro de la Zarzuela es cada vez menos frecuente, al parecer.

Tanto tiempo después de su estreno, seguimos disfrutando pero también reconociendo como actuales temas como la escena el Sereno y los guardias hablando de política (buena está la pulítica), o los tóxicos celos de Julián, incapaz de respetar la independencia de Susana, y que ver infidelidades por todas partes: si la joven amada se siente cansada pero al final sucumbe siempre a su dibilidad, y vuelve con él, a pesar de esa seria advertencia que hoy los más jóvenes llaman red flag. Llama la atención lo fuertes e independientes que son las mujeres, en un mundo castizo que aun querido y celebrado, es machista: A Don Hilarión se le tolera su galantería para con las jóvenes, mientras que Susana debe soportar los celos de Julián. Aunque parece que esté estuviera juzgando una obra del siglo XIX bajo el prisma actual, nada más lejos de mi intención: simplemente me parece que estamos ante una obra que despierta varias lecturas, y eso la convierte en actual, que era la intención del género chico: hablar de la realidad. Ni por asomo dejaríamos de disfrutarla.

Para esta reposición se ha contado con los mismos artistas que en 2024, salvo excepciones, y se ha contado con otro elenco, que es el que comentaremos en esta crítica. A nivel general, aun cuando las interpretaciones fueron entregadas, no pude librarme de cierta sensación de rutina.

Carlos Aragón dirige a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, en una interpretación entregada, pero aun así algo rutinaria. A destacar las flautas en el preludio y las coplas de Hilarión, la trompeta de acompañamiento sereno en la famosa soleá, así como contrabajos y violonchelos en la escena de los serenos. El Coro del Teatro de la Zarzuela defendió muy bien sus intervenciones, además de encajar bien con los bailarines en las danzas.

César San Martín fue un Julián muy bien interpretado: un joven castizo carcomido por los celos, rol en el que estuvo convincente, y también en lo vocal con su voz con un bello tono grave. Maria Rey-Joly interpretó a Susana: la voz está ya muy madura, pero arrojo escénico no le falta: tanto en el prólogo como la actriz feminista y empoderada, como en la obra interpretando a una Susana muy castiza, sensual y con personalidad. Siempre me sorprende la versatilidad de Jorge Rodríguez-Norton, quizá porque lo sigo asociando con sus intervenciones wagnerianas en Bayreuth, y si en tierras germanas interpreta a un solemne maestro cantor, a un inocente escudero del Grial, aquí despliega su vis cómica en la polca del fotógrafo en el prólogo, y luego como un rejuvenecido y despreocupado Don Sebastián. Divertido, aunque le falte algo de la decrepitud asociada muchas veces a su personaje, el Hilarión de Antoni Comas, que aquí resulta un playboy maduro, y vocalmente se dejaba oir por la sala. Milagros Martín repitió su entregada Señá Rita de 2024, con la voz madura, pero convincente en el maternal personaje. Rafa Castejón fue un divertido Tabernero (aunque me hace daño tener en la cabeza a Pepe Ruiz en el personaje) y más convincente aún en el prólogo como el incomprendido y vanguardista director de teatro. Gurutze Beitia repite también como una matronil y divertida Tía Antonia, teniendo además la oportunidad de cantar con picardía el tango del cinematógrafo, en una excelente interpretación del rol de la sensible Característica, tan opuesta a la vulgar Antonia. Otra que vuelve a impresionar, e incluso diría que más que la otra vez, es la cantaora Sara Salado en la soleá, que fue recibida con un aplauso largo, que parecía que le iban a pedir un bis, estando, en los saludos finales, entre los más ovacionados del elenco. Bien Ana San Martín como Casta, y el ver otra vez a Mitxel Santamarina en el rol de Sereno, me recuerda cuando le vi en este mismo rol, y en este mismo escenario, en la polémica versión que el Proyecto Zarza hizo de esta obra en 2019, que fue mi primera Verbena, y la que terminó de acercarme al Teatro de la Zarzuela. Aunque fuera solo por nostalgia, verle por tercera vez en esta obra me alegra y me trae buenos recuerdos.

Como no podía ser de otro modo, la función terminó con ovaciones a los artistas, que saludaban mientras la orquesta interpretaba la famosa mazurca. Había varias personas jóvenes entre el público, incluso tres de ellos se interponían entre mi y una señora cuyo móvil hizo sonar "Un velero llamado libertad" de José Luis Perales, mientras en escena estaban los serenos hablando de polítical al son de la bella y serena música del Nocturno. No deja de ponerme de los nervios la manía de la gente para hablar, cuchichear en medio de, no digo ya los números orquestales, sino de algunos números hablados y cantados. Volviendo a los jóvenes, me dan esperanza para el futuro del género.

Y así despedimos el verano con este gran inicio de temporada: ahora nos espera una obra nueva sobre las Trece Rosas, la reposición de Los Gavilanes, y las dos citas más esperadas: La Bruja y El Barberillo de Lavapiés dirigido por Christof Loy. El Teatro de la Zarzuela podrá haber hecho caja, pero también nos ha alegrado a todos los asistentes, porque de una función de esta obra solo se puede salir con una sonrisa... y con ganas de volver a verla.

Las fotografías y vídeos escénicos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.