At last, Shakespeare's King Lear found its opera: historical performances of Aribert Reimann's Lear at the Teatro Real.

Madrid, February 5, 2024.

Since 19th century, the opera world has developed a fascination, resulting in several operas composed, with the work of William Shakespeare. In 1816, Rossini premiered his Otello, Berlioz and Wagner made their own adaptations of "Much Ado About Nothing"; at the height of the grand-opéra genre, Ambroise Thomas composed Hamlet, which for a century was performed frequently in major opera houses, Gounod and Bellini made well-known adaptations of "Romeo and Juliet," and Britten made a well-known opera of "A Midsummer's night dream". However, the most famous operatic adaptations of the Shakespeare's works are undoubtedly those composed by Giuseppe Verdi: Macbeth, Otello and Falstaff are masterpieces which are part of the operatic main repertoire. It is known that during his long career, Verdi was interested in putting King Lear to music. Already in 1856, Antonio Somma had a libretto prepared, but at the end, Verdi was unable to do so. He argued, among other things, that the cathartic storm scene, in which a crazed Lear is in a state of physical and moral misery, frightened him. It would not be until recent decades, when there would be some operatic adaptations of this classical tragedy. The most famous of them is the one composed that Aribert Reimann, commissioned by the great baritone Dietrich Fischer-Dieskau -who had previously proposed it to Benjamin Britten, but they couldn't agree anything-, premiered in 1978 in Munich, with the famous singer in the title role.

In its slow but successful initiative to stage the most famous operas of the second half of the 20th century, the Teatro Real premieres Reimann's Lear in Spain. This was already scheduled  for April 2020, but the Covid-19 pandemic stopped all non-essential activity in the world. Now, this premiere has been successfully done with an accomplished stage and musical team, in a run of performances which could be considered as historical.

Calixto Bieito directs this production from the Paris Opera and the Maggio Musicale Fiorentino, a minimalist, dark staging that matches perfectly with the work. Bieito reduces the play to the characters' conflicts, intensifying them as the score does, by demanding an enormous physical dedication from the cast. After all, the characters find themselves in a tragedy in which feelings are pushed to the limit: the Goneril's evil, Lear's despair, the fall of Cordelia and Gloucester into disgrace, or the hatred that Edmund feels for being a bastard. The only set is a room with wooden beams of a very dark color, whose shape changes throughout the play, to recreate different settings, although during most of the second act the stage is empty. Being a work that also deals with greed and the struggle for power, the first scene in which Lear distributes the throne among his daughters is very symbolic, as he does so by breaking a loaf of bread into three pieces, to each of which the sisters launch themselves like hungry dogs. The scene in which the sisters gouge Gloucester's eyes out, or when Goneril subdues her husband by whipping him with her tie is shocking. In the same way, plastic beauty makes its way in the final scene, when Cordelia, dressed in a fuchsia coat, in one of the few exceptions granted to a bright color, reconciles with her father who lies half naked, with the entire stage empty, little illuminated, with the light only focused on the characters. In the final scene we witness the death of the sisters, and finally Lear's, who sits on the edge of the stage as the light dims.

Aribert Reimann, composer and accompanying pianist, is known for his operas about great theatrical dramas, such as Lear, Medea or The House of Bernarda Alba. Active since 1958, he is one of the most recognized alive composers in Germany. Recently, at 87 years old, he received an award for his entire career. His music is atonal, but surprising for being at the same time accessible, and with references to the German traditions of his century. Reimann does not invent anything, but he exploits his abilities very well: with his recognizable operatic language, despite his vocal difficulty, he is closer to Berg and Webern, so to say to the main audience, than his famous contemporary, the extremely radical Karlheinz Stockhausen, who at that time was developing his famous heptalogy, Licht. The music fits into the darkness of the work. How could some traditional operatic lyricism fit in the storm scene or in Gloucester's suicide attempt have been resolved well, with the intention to endure its popularity in operaatic history? For this reason, it can be said that this black story without hope finds its place in Reimann's atonalistic, expressionist and avant-garde music, whose viscerality pushes the characters and their performers to the limit, making them to scream and laugh bitterly, as well as singing. The play begins a cappella, with Lear dividing his fortune. We have very striking scenes such as the duo of the sisters when they conspire against their father, or the monologues of Edmund, who is always accompanied by the trumpet. In the most tragic scenes, the music is more cutting, strident, as when the sisters gouge out Gloucester's eyes, and the interludes of the first act are sonic explosions. In the more intimate ones, it becomes more evocative, less thunderous, recreating dark environments, hence it fits with the staging, especially after the thunderous scene of Lear in the storm, which while disappearing into the forest, a dark, suggestive interlude in which the woodwind have an evocative, calm part. Another example is found in the final scenes, in which the strings, especially the cello, perform a music whose intensity is reminiscent of Wagner's Tristan. The work ends with a bleak sequence that seems infinite, a nod to Berg's Wozzeck.

Israeli maestro Asher Fisch leads the Teatro Real Orchestra, which he takes to the limit, with this thrilling orchestration that hits the listener. The orchestra passes the test, showing that when working with a maestro who makes it to sound well, the result is spectacular. The male section from Teatro Real Chorus undertakes its brief off-stage interventions in its usual competent line, in addition to sounding ominous due to this position.

The veteran Danish baritone Bo Shkovus has sung this role in many theaters, such as in Paris, Florence or Hamburg. His mature, heartbreaking and guttural voice fits very well into King Lear's shoes, who, in addition, this production makes him sing in underwear for more than half of the show. Both on a vocal and acting level Shkovus renders a powerful convincing performance.

But without a doubt the star of the night has been Ángeles Blancas, whose performance of the wicked Goneril, the eldest daughter of the king, will remain in the memory of those who have attended these performances. Blancas, who twenty years ago sang Semiramide in this stage, has shown her vocal power, with the tone of a true dramatic soprano, with a generous vocal flow, superior to the rest of the cast, and her acting performance giving goosebumps, like an imperturbable, aggressive woman, of unlimited evil, haughty even in death. Reimann turns Goneril into the operatic successor to Wagner's Ortrud or Strauss's Elektra, requiring a Wagnerian voice to undertake this role.

Another veteran, Erika Sunnegårdh, plays the no less evil Regan, with a high voice still in shape and more feminine than her terrifying sister. Susanne Elmark, who sang Berg's Lulu here in 2009, is a soprano with a pleasant, lyrical voice, her Cordelia being the only light in the midst of such darkness, showing her amazing high notes in the final duet with the father. The bastard Edmund is played by another great veteran, the excellent German spieltenor Andreas Conrad, whose powerful voice could handle the score, adapting his voice to the first monologue, with excellent high voice. Lauri Vasar has been a positive surprise as Gloucester, as in Götterdämmerung two years ago, he was an insignificant Gunther, here he becomes a voice with an excellent and noble baritonal tone, which gives the character a unique nobility in his misfortune. Countertenor Andrew Watts, whose character has to sing coloratura, takes on the extreme role of Edgar very well, constantly switching from falsetto to his natural tenor voice. The rest of the cast, which among others, includes a Bayreuth regular such as Derek Welton in the role of Albany, sing with the same devotion to this play and this production. The important character of the Fool, in this play is a spoken role, and the 84-year-old German actor Ernst Alisch, who acted in this stage in Prokofiev's The Fiery Angel two years ago, recites his part with an ironic voice, in addition to appear half-naked throughout the show.

Despite the suspicion that it might be at first, an atonal German opera, by a competent author but who on the other hand does not invent anything, the result is that we are in front of an excellent and very theatrical work, possibly one of the last great German operas, so Reimann's prestige is justified. During the performances, I remembered at times the happy times of Gerard Mortier's tenure at this theatre, when he brought us some atonal works of this style. But also like in Mortier's time, the comments against this work, arguing that programming these "minority" operas does little favor to the Teatro Real, also have appeared in comments in their social media. Although there were a few desertions in the first act, at least from the mezzanine none were seen in the second one, the atmosphere was one of intense concentration on the work, and there were generous ovations for the cast, although there was somewhat a rush to leave, since the cast still on stage for the final salute when the applause began to subside. 

From several people attending this performance, the feeling is to have attended a historical performance, so... Do opera fans and opera houses only live on ABC repertoire operas?

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Any reproduction of my text requires my permission. 

Y el Rey Lear encontró su sitio en el atonalismo: histórico Lear de Reimann en el Teatro Real.

Madrid, 5 de febrero de 2024.

Desde el siglo XIX, el mundo de la ópera ha sentido, con el nacimiento del romanticismo, una fascinación por la obra de William Shakespeare. Ya en 1816, Rossini estrenó su Otello,  Berlioz y Wagner hicieron sus propias adaptaciones de "Mucho Ruido y pocas nueces"; en pleno apogeo del género de la "Grand opéra", Ambroise Thomas compuso Hamlet, que durante un siglo fue una de las óperas francesas más populares, Gounod y Bellini hicieron adaptaciones conocidas de "Romeo y Julieta", y Britten hizo una conocida ópera de "El Sueño de una Noche de Verano". Sin embargo, las adaptaciones operísticas más famosas de las obras del bardo inglés, son sin duda las que hizo Giuseppe Verdi: Macbeth, Otello y Falstaff son obras maestras en la historia de la ópera y forman parte del repertorio que se representa habitualmente. Es sabido que durante su larga carrera, el maestro italiano se sintió interesado por poner música a una de las más grandes tragedias del dramaturgo: El Rey Lear. Ya en 1856, Antonio Somma tenía un libreto preparado, pero Verdi no fue capaz. Argumentó, entre otras cosas, que la catártica escena de la tormenta, en la que un enloquecido Lear, se encuentra en un estado de miseria física y moral, le asustó. No sería hasta décadas recientes, en que habría algunas adaptaciones operísticas de esta tragedia. La más famosa de ellas es la que Aribert Reimann, por encargo del gran barítono Dietrich Fischer-Dieskau -quien ya se lo había propuesto anteriormente a Britten, sin éxito-, estrenó en 1978 en Múnich, con el celebérrimo cantante en el rol titular. 

En su lenta pero exitosa iniciativa, de representar en su  escenario las óperas más célebres de la segunda mitad del siglo XX, el Teatro Real estrena en España este Lear compuesto por Reimann, que debería de haberse estrenado en la primavera de 2020, de no ser porque la pandemia de Covid-19 detuvo toda actividad no indispensable en el mundo. Este feliz desembarco ha tenido lugar con un equipo experto en esta obra, lo que convierte a estas funciones en históricas.

Calixto Bieito dirige esta producción que ya había pasado por la Ópera de París y por el Maggio Musicale Fiorentino, un montaje minimalista, oscuro, que casa perfectamente con la obra. Bieito reduce la obra a los conflictos de los personajes, intensificándolos como lo hace la partitura: el trabajo teatral requiere del elenco una enorme entrega fisica. Al fin y al cabo, se encuentran en una tragedia en la que los sentimientos son llevados al límite: la maldad de Goneril, la desesperación de Lear, la caída en desgracia de Cordelia y Gloucester, o el rencor y el odio que Edmund siente por ser el bastardo. El único decorado es una habitación con vigas de madera de un color muy oscuro, cuya forma va cambiando a lo largo de la obra, para recrear distintas ambientaciones, aunque la mayor parte del acto segundo transcurre con el escenario vacío. Siendo esta una obra que también trata sobre la codicia y la pugna por el poder, la primera escena en la que Lear reparte el trono entre sus hijas, lo hace partiendo un pan en tres trozos, a cada cual las hermanas se lanzan como perros hambrientos. La escena en la que las hermanas sacan los ojos a Gloucester y luego Gonerilda somete a su esposo azotándole con la corbata son estremecedoras. Del mismo modo la belleza plástica se abre paso en la escena final, cuando Cordelia, ataviada con un abrigo fucsia, una de las escasas excepciones concedidas a un color vivo, se reconcilia con su padre que yace semidesnudo, con todo el escenario vacío y poco iluminado, con la luz solo centrada en los personajes. En la escena final asistimos a la muerte de las hermanas,  y finalmente Lear se sienta en el borde del escenario mientras la luz se atenúa.

Aribert Reimann, compositor y pianista acompañante, es conocido por sus óperas sobre grandes dramas teatrales, tales como Lear, Medea o La Casa de Bernarda Alba. En activo desde 1958, es uno de los compositores contemporáneos más reconocidos en Alemania, y posiblemente el más importante autor de óperas de ese país que está vivo. Recientemente, a sus 87 años, ha recibido el Premio de la Sociedad Alemana de derechos de autor, por toda su carrera. Su música es atonal, pero sorprende por ser al mismo tiempo asequible, y con referencias a las tradiciones alemanas de su siglo. Reimann no inventa nada, pero explota muy bien sus capacidades: con su reconocible lenguaje operístico, pese a su dificultad vocal, se acerca más a Berg y a Webern, que a su célebre coetáneo, el radicalísimo Stockhausen, quien por esos tiempos estaba gestando su heptalogía Licht. En la obra que nos ocupa, la música encaja con la oscuridad de la obra. ¿Cómo podría haberse resuelto bien, con voluntad de perdurar, algo de lirismo en la escena de la tormenta o en el intento de suicidio de Gloucester? Por eso mismo, puede decirse que esta negra historia sin esperanza encuentra su sitio en la música atonal, expresionista y vanguardista de Reimann, cuya visceralidad lleva al límite a los personajes y a sus intérpretes, haciéndoles gritar y reír amargamente, a la par que cantar. La obra empieza a cappella, con Lear repartiendo su fortuna. Tenemos escenas muy impactantes como el dúo de las hermanas cuando conspiran contra el padre, o los monólogos de Edmund, al que acompaña siempre la trompeta. En las escenas más trágicas, la música es más hiriente, más estridente, como cuando las hermanas le arrancan los ojos a Gloucester, y los interludios del primer acto son explosiones sonoras. En las más intimistas, es más evocadora, menos atronadora, que recrea ambientes oscuros, de ahí que encaje con la puesta en escena, muy especialmente tras la atronadora escena de Lear en la tormenta, que mientras desaparece entre el bosque, un tenebroso, sugerente interludio en el que la madera se luce con este fin. Otro ejemplo lo encontramos en las escenas finales, en los que la cuerda, especialmente el violonchelo, interpretan un paisaje cuya intensidad recuerda al Tristán Wagneriano. La obra termina con una desoladora secuencia que parece infinita, un guiño al Wozzeck de Berg. 

Para acometer tal partitura, el maestro israelí Asher Fisch se pone al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, a la que lleva al límite, con esta orquestación que golpea al espectador y que también lo mete en el suspense constante. La orquesta del teatro supera la prueba, lo que demuestra que con un maestro que la haga trabajar bien, puede sonar espectacular, incluso pensar que estamos ante una orquesta del más alto nivel, además de que el trabajar este repertorio, hace que la misma esté rodada, algo que ya se comprobó en época de Mortier, y que daba buenos resultados. El Coro masculino del Teatro Real acomete sus breves intervenciones fuera de escena en su competente línea habitual, además de sonar ominoso debido a esta posición. 

El veterano barítono danés Bo Shkovus ha cantado este rol en muchos teatros, como en París, Florencia o Hamburgo. Su voz madura, desgarradora y gutural se adapta muy bien a la de este viejo y decadente rey Lear, al que además este montaje le hace cantar en paños menores durante más de la mitad del espectáculo. Tanto a nivel vocal como actoral es una interpretación entregada y convincente.

Pero sin duda la estrella de la noche ha sido Ángeles Blancas, cuya interpretación de la perversa Goneril, hija mayor del rey, quedará en la memoria de los que han asistido a estas funciones. Blancas, quien hace veinte años cantó en el Real ni más ni menos que Semiramide, ha demostrado su poderío vocal, con un timbre de verdadera soprano dramática, con un caudal vocal generoso, superior al resto del elenco, y su interpretación actoral causando verdadero terror, como una mujer altiva, imperturbable, agresiva, de una maldad sin límites, altiva hasta en la muerte. Reimann convierte a Goneril en la sucesora operística de la Ortrud de Wagner o de la Elektra de Strauss, necesitando una voz wagneriana para acometer este rol. 

Otra veterana, Erika Sunnegårdh, interpreta a la no menos malvada Regan, con una voz aguda aún en su sitio y más femenina que su terrorífica hermana. Susanne Elmark, quien cantó Lulú en el Real en 2009, es una soprano de voz agradable, lírica, siendo su Cordelia la única luz en medio de tanta tenebrosidad, quien luce unos excelentes agudos en el dúo final con el padre. El bastardo Edmund, es interpretado por otro gran veterano, el excelente tenor de carácter alemán Andreas Conrad, cuya potente voz pudo con la partitura, acomodándose su voz al primer monólogo, con excelentes agudos. Lauri Vasar ha sido una positiva sorpresa como Gloucester: quien en el Ocaso de hace dos años fuera un Gunther insignificante, aquí se convierte en una voz con un excelente y noble timbre baritonal, que le da al personaje una nobleza única en su desgracia. El contratenor Andrew Watts, cuyo personaje tiene coloratura, acomete muy bien el extremo rol de Edgar, que pasa del falsete a su voz natural de tenor constantemente. El resto del reparto, que entre otros, cuenta con un habitual de Bayreuth como Derek Welton en el rol de Albany, se entrega con devoción a esta obra y a este montaje. El importante personaje del bufón, en esta obra es un rol hablado, y el octogenario actor alemán Ernst Alisch, quien ya estuvo en el montaje de El Ángel de Fuego en el Real hace dos años, recita su parte con voz irónica, además de la prueba que le supone estar semidesnudo todo el espectáculo.

Pese al recelo que pudiera resultar al principio, una ópera atonal alemana, de un autor competente pero que no inventa nada, el resultado es que nos encontramos ante una obra excelente y muy teatral, posiblemente una de las últimas grandes óperas alemanas, y que justifica el prestigio de Reimann. He recordado por momentos, los tiempos felices de la era de Mortier en el Real, cuando nos traía algunas obras atonales de este estilo. Aunque también como en época de Mortier, los comentarios en contra de esta obra, aduciendo que programar estas óperas "minoritarias" hace poco favor al Real, no se han hecho esperar. Si bien hubo algunas pocas deserciones en el primer acto, al menos desde el paraíso no se vio ninguno en el segundo, el ambiente era de suma concentración durante el mismo, y hubo generosas ovaciones al elenco, aunque también prisa por irse, ya que aún estaba el elenco en el saludo final cuando los aplausos empezaron a aminorar. 

Quien haya ido a estas funciones, habrá salido con la sensación de haber asistido a algo inolvidable. ¿Es que solo de óperas clásicas de repertorio viven los aficionados y los teatros de ópera?

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

Crítica/Review: Un impresionante Rinaldo de Händel en el Auditorio Nacional de Madrid.

For English, please scroll down.

Madrid, 4 de febrero de 2024.

Una vez más, el ciclo de Universo Barroco del Auditorio Nacional de Música de Madrid nos acerca a los más grandes títulos líricos de esta genial época, con las mejores voces de este repertorio. En esta temporada que hay óperas clásicas de esta época, encontramos una de las más bellas y populares óperas de Georg Friedrich Händel: Rinaldo, estrenada en Londres en 1711, al inicio de su estancia en Inglaterra, su patria definitiva, donde compuso sus mejores obras y cimentaría su fama.. Estrenada en el mítico teatro His Majesty's en Haymarket, donde se estrenarían  sus otras grandes óperas. De esta ópera, el aria de Almirena en el segundo acto, Lascia ch'io pianga, proveniente de su primera ópera, Almira, y de su famoso oratorio Il Trionfo del Tempo e del Disinganno, se ha convertido en una pieza lírica universalmente conocida, interpretada por muchas de las grandes voces de la historia de la ópera, incluso por cantantes líricos de música pop, alcanzando la misma popularidad que arias como Nessun Dorma, Casta Diva o el Largo del Serse del propio Händel. Su rica, virtuosa y florida música también incluye arias célebres del repertorio barroco como Venti turbini, Vo far guerra o Cara Sposa, entre otras, además de su popular obertura, que aparece junto al Lascia ch'io pianga, en la película Farinelli il Castrato.

Rinaldo se estrenó en Madrid en 1991, en el Teatro de la Zarzuela, con las legendarias Teresa Berganza y María Bayo como la pareja protagonista. En 2018, The King's Consort, dirigida por Harry Bicket, trajo esta obra maestra al Auditorio. Ahora vuelve de la mano de Thibault Noally y la orquesta Les Accents, con un conjunto de solistas habituales en este ciclo, entre los que se encuentran Carlo Vistoli y Emoke Baráth.

Les Accents y Noally nos han dado una noche gloriosa, con una orquesta cuyos instrumentos sonaron espectacularmente, y tratándose de una orquesta pequeña (agrupaciones que siempre suenan pequeñas en esta sala), sonó como si fuera más grande. Espectaculares las cuerdas en la obertura, la trompeta en la primera aria de Argante y la última de Rinaldo, el fagot en las arias de Almirena y celestiales las flautas en Augeletti che Cantate, que lograron un momento celestial. En el Lascia ch'io pianga interpretaron la conclusión instrumental del aria con un tempo más bien lento, pero de gran belleza. En el aria Vo far guerra destacó el clave de Matthieu Dupuouy, que se acometió sobradamente bien su solo. 

Esta ha sido la tarde de Carlo Vistoli, quien a partir de su magistral interpretación del Cara Sposa, dio una lección de coloratura, volumen, fraseo, y una expresividad que llevó su interpretación más allá del mero canto. En el Venti Turbini lució excelentes agudos y con Or suoni la tromba demostró su excelente coloratura, incluso bromeando con el público mientras la trompeta le replicaba. Chiara Skerath como Almirena empezó un poco tímida en el Combatti da Forte, su aria de entrada, pero dio una dulce y tierna interpretación de la bella Augeletti che cantate y del famoso Lascia ch'io pianga, que abordó con sensibilidad. Emoke Barath como Armida dio una lección de fraseo y un sonido delicioso, dramático, en el aria Ah crudel, para terminar el segundo acto con sus excelentes agudos y coloratura en el Vo far guerra. A menor distancia de este triángulo amoroso, unas competentes Lucile Richardot como Goffredo y Anthea Pichanik como Eustazio (quien fue a más a lo largo de la función) cantaron notablemente sus roles. En cuanto al Argante de Victor Sicard, si bien se esfuerza en el fraseo y la voz es notable, se echa en falta un poco más de grave, si bien su interpretación del  aria Vieni, o Cara fue decente y mejoró mucho durante el concierto.

Rinaldo es una de las óperas más bellas de Händel y cuando está bien servida el disfrute puede ser memorable. Un público extasiado aplaudió muchas de  las arias a partir el genial Cara Sposa de Vistoli, ovacionando al final de la primera parte y tras la conclusión del concierto, lo que no sorprende dado el nivel alcanzado esta tarde, una de los mejores vistos en este ciclo en los últimos años.

ENGLISH: An Outstanding Handel's Rinaldo at the Auditorio Nacional.

Madrid, February 4, 2024.

Once again, the Universo Barroco (Baroque Universe) cycle at the Auditorio Nacional de Música in Madrid brings us this season the most important titles from baroque opera in concert version, with worldwide celebrated casts. In this occasion, we are given one of the most beautiful and popular operas by Georg Friedrich Handel: Rinaldo, premiered in London in 1711, at the beginning of his new life in England, his definitive home, where he composed his most of his masterpieces and will establish his universal fame. This opera, premiered at the legendary His Majesty's theater in Haymarket, contains several celebrated arias, like  Almirena's one from the second act, Lascia ch'io pianga, which became an operatic hit, and today part of the repertoire for female voice arias, as popular as Casta Diva, or Handel's own Largo from Serse. Another pieces from this opera are part of the Baroque repertoire, such arias as Venti turbini, Vo far guerra or Cara Sposa, among others, in addition to his popular overture, which alongside Lascia ch'io pianga is featured in the famed film "Farinelli il Castrato".

Rinaldo was premiered in Madrid in 1991, at the Teatro de la Zarzuela, featuring legends such as Teresa Berganza in the title role and María Bayo as Almirena. In 2018, the Universo Barroco cycle brought it to the Auditorio, by The King's Consort led by Harry Bicket. In 2024, it returns to this same venue by Les Accents, conducted by Thibault Noally, with a cast of well known singers to the Madrid audience: Carlo Vistoli and Emöke Barath, usual names in these cycles. 

Les Accents and Thibault Noally gave a glorious concert, with an orchestra whose instruments sounded so spectacular, that they sounded as if it was a bigger orchestra, something rewarding as this venue is challenging for the baroque orchestra sound. The strings in the overture were brilliant, so were the trumpet in the first aria of Argante and the last of Rinaldo, the bassoon in the arias of Almirena and the heavenly sounding flutes in Augeletti che Cantate. In the Lascia ch'io pianga the strings performed the instrumental conclusion of the aria with a rather slow tempo, but of great beauty, leaving the audience in ecstasy. In the aria Vo far guerra the harpsichord of Matthieu Dupuouy stood out, performing his solo extremely well.

This has been Carlo Vistoli's evening, who from his masterful interpretation of the Cara Sposa onwards, gave a lesson in coloratura, volume, phrasing, and an expressiveness that raised his performance beyond mere singing. In the Venti Turbini he showed off excellent high notes and in Or suoni the tromba he displayed his excellent coloratura, even joking with the audience while the trumpet replied. Chiara Skerath as Almirena began a little restrained in  Combatti da Forte, her entrance aria, but gave a sweet and tender performance of the beautiful Augeletti che cantate and the famous Lascia ch'io pianga, which she approached with sensitivity. Emoke Baráth as Armida mastered phrasing and displayed a delicious, dramatic sound in the aria Ah crudel, to conclude Act Two with her excellent high notes and coloratura in  Vo far guerra. At some distance from this love triangle, the accomplisjed Lucile Richardot as Goffredo and Anthea Pichanik as Eustazio (who went further throughout the performance) notably sang their roles. As for Victor Sicard's Argante, although he makes an effort in phrasing and his voice is notable, some deeper, strong sound could be missing, although his interpretation of the aria Vieni, or Cara, was beyond correct, and improved a lot during the concert.

Rinaldo is one of Handel's most beautiful operas and when it is well served, the grade of enjoyment can be very high. An ecstatic audience applauded many of the arias from Vistoli's brilliant Cara Sposa, ovationing at the end of the first part and after the conclusion of the concert, which is not surprising given the high level reached in this concert, one of the best seen in this cycle in recent years.

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Any reproduction of my text requires my permission. 

ESP/ENG: La Todopoderosa Octava Sinfonía de Anton Bruckner en el Auditorio Nacional de Madrid.

For English, please scroll down.

Madrid, 12 de enero de 2023.

De ella dicen que es la cumbre de la sinfonía romántica. La Sinfonía de las sinfonías. Si hay algo que tiene bastante consenso es el afirmar que es la obra magna del compositor de Anton Bruckner. El compositor austríaco estaba en la cima de su popularidad, que le llegó tarde, ya con sesenta años. El éxito del estreno de la Séptima Sinfonía le motivó a componer esta octava, y proponérsela a su valedor, el gran maestro Hermann Levi, relacionado con Wagner y su Parsifal. Sin embargo, Levi no estuvo conforme con el resultado, lo que no solo llevó a Bruckner a una gran depresión, sino a considerar el suicidio. Idea terrible para un hombre tan católico. Tal frustración, aumentando su ya innata inseguridad, le motivó no solo a revisar esta sino muchas de sus otras sinfonías, generando el problema de las ediciones que sigue hasta la actualidad, y que tanta confusión genera al neófito en la discografía de este músico; y que fue una de las causas por las que no terminó la Novena Sinfonía. Finalmente, su estreno a cargo de la Filarmónica de Viena en 1892 en la Musikverein de Viena, dirigido por Hans Richter, resultó ser todo un éxito, que hasta su enemigo Eduard Hanslick, el legendario crítico, tuvo que reconocer sus méritos, pese a abandonar antes del final. Hugo Wolf afirmó que estaban ante una obra maestra, la obra de un gigante.

En el marco del  200 Aniversario del nacimiento de Bruckner, con tres orquestas en Madrid interpretando sus sinfonías en la presente temporada, la Orquesta Nacional de España interpreta esta Octava Sinfonía (en la versión de 1890 de Haas) en tres conciertos en enero, dirigidos por su titular, el maestro David Afkham, quien como tantas veces he dicho en este blog, ha convertido a esta orquesta en la referencia para este repertorio. El concierto de hoy no ha hecho más que confirmármelo. La mejor forma de disfrutar de todos los sonidos y detalles de esta obra es en directo, ya que en una grabación los sonidos más tenues de las cuerdas, por ejemplo, pierden todo su potencial cautivador; por no hablar de lo que suponen los momentos en que la orquesta lleva al tutti, como en el scherzo o en el finale, con las tubas a pleno rendimiento. 

Esta noche, Afkham ha logrado una dirección orquestal no demasiado lenta, sino más bien que iba al grano, directamente a impactar en los momentos del metal y la percusión, y a recrearse en la belleza en los momentos de las cuerdas, que aun teniendo pequeños altibajos sonaron brillantes. En general, su lectura ha trabajado el lado más íntimo, más solemne de la obra, sin pasarse de majestuoso, dando a cada sensación su momento.

Toda esta gama de sonidos han sido bien explotados por la orquesta, aunque en algunos momentos fueron demasiado rápidos. Desde los violines con su sonido brillante en el primer movimiento, respondido por la trompa, con el pequeño solo de oboe creando un momento mágico en la sala. El segundo movimiento fue igualmente espectacular, aunque aquí, fue de mayor brillo para el metal pese a que violines y violonchelos estuvieron a la altura. Del tercero, el larguísimo Adagio, una de las mejores páginas de la música germana, Bruckner dijo que era la cima de su música, algo que muchos encuentran como cierto. Desde luego, que este descomunal movimiento es la esencia de su estilo musical: un largo, etéreo, con momentos de climax pero siempre desde una mística calma, por encima del bien y del mal, cuyo glorioso tema principal, introducido por los violines en una etérea música, fue interpretado con belleza por las cuerdas de la sinfónica, acompañado por las trompas en el segundo tema, que también fue exquisito. En el cuarto movimiento, el protagonismo fue para el brillante metal con sus trompas, tubas, tubas wagnerianas y trompetas que acompañados de la percusión, introducen el tema principal, que envolvieron a la sala con su potente interpretación.

Nada más terminar, el público estalló en una enorme ovación, premiando con su entusiasmo a la orquesta. La sala no estaba llena (algo habitual en Bruckner), pero sí con una alta ocupación, y con varios jóvenes entre el público (y esto se agradece en este músico), lo que da a entender que era un evento esperado. Sin embargo, una sensación de déjá vu se percibía en la sala: varias mascarillas se veían entre el público, recordándonos épocas que parecían lejanas, ya que ante el aumento de casos de Covid-19 y Gripe, las autoridades españolas han estado recomendando su uso a lo largo de la semana. Sin duda alguna, se trata de una de las citas más esperadas de la temporada sinfónica en Madrid. Para gozar  de la música  Octava, hay que ir a verla.

Madrid, January 12, 2023.

They say it is the peak of the romantic symphony genre. The Symphony of Symphonies. If there is something that has much agreement, it is that this the Eighth is the magnum opus of the Austrian composer Anton Bruckner. By the time of its creation and premiere, Bruckner was at the peak of his popularity, since acknowledgement did arrive late to him, at the age of sixty. The success of his Seventh Symphony after its premiere, motivated him to work in his Eighth symphony, and once finished, he showed it to his main advocate, the great conductor Hermann Levi, strongly associated to Wagner and his Parsifal. However, Levi was not satisfied with the result, which not only drove Bruckner into depression, but also to consider suicide. Terrible idea for such a Catholic man. Such frustration, increasing his already innate insecurity, motivated him not only to revise this but many of his other symphonies, generating the problem of editions that continues to this day, and that generates so much confusion for the neophyte in this musician's discography; and that was one of the reasons why he did not finish the Ninth Symphony. Finally, Bruckner's Eighth Symphony was premiered by the Vienna Philharmonic in 1892 at the Musikverein, conducted by another legend, Hans Richter, and turned out to be such a success that even his enemy, the legendary critic Eduard Hanslick, had to recognize its merits, despite leaving before the final movement. Hugo Wolf stated that they were in front of a masterpiece, a giant's work.

In 2024, Bruckner's 200th Anniversary is celebrated, and three orchestras in Madrid are performing his symphonies this season, the Orquesta Nacional de España (Spanish National Orchestra) performs his Eighth Symphony (in the 1890 Haas version) in January 12, 13 and 14, conducted by its musical director, German maestro David Afkham, who as I have said so many times in this blog, he has made this orchestra the best one for this repertoire in Madrid. Tonight's concert has only confirmed me this opinion. The best way to enjoy all the sounds and details of this work is live in the auditorium, since in a recording the faintest sounds of the strings, for example, lose all their captivating potential; not to mention the moments when the orchestra leads the tutti, such as in the scherzo or the finale, with the tubas at full capacity, in which the hall is literally vibrating.

Tonight, Afkham has achieved an conducting not too slow, but rather one that got to the point, impacting the moments of brass and percussion, and recreating the beauty in the moments of the strings, which despite having small ups and downs, sounded brilliantly. In general, his rendition has delved on the most intimate, solemn side of the work, without going too much majestic, giving each sensation its moment.

This whole range of sounds has been well exploited by the orchestra, although in some moments they were too fast. From the violins with their brilliant sound in the first movement, replied by the horn, with the small oboe solo creating a magical moment in the hall. The second movement was equally spectacular, although here, it was of greater brilliance for the brass even though the violins and cellos were up to the task. Of the third one, the large Adagio, one of the heights of German music, Bruckner himself thought that it was the peak of his music, something that many find true. Of course, this inmense movement is the essence of his musical style: a long, ethereal one, with climatic moments alternating with a mystical serenity, above good and evil, whose glorious main theme, introduced by the violins in an ethereal music, was played beautifully by the strings of the symphony, accompanied by the horns in the second theme, which was also exquisite. In the fourth movement, the spotlight went to the brilliant brass with its horns, tubas, Wagnerian tubas and trumpets that, accompanied by percussion, introduced the main theme, which enveloped the room with its powerful performance.

As soon as the performance ended, the audience burst into a huge ovation, rewarding the orchestra with their enthusiasm. The room was not full (something usual for Bruckner), but it was highly occupated, with several young people in the audience (and this is appreciated in a performance of  a work of this musician), which suggests this was an awaited and important musical event. However, a feeling of déjà vu was felt in the room: several masks were seen among the public, evocating times that seemed distant: given the increase in cases of Covid-19 and Flu, the Spanish authorities have been recommending their use. For sure, this is one of the highlights of the symphonic season in Madrid. To enjoy this music, you have to go see it live at the theatre or auditorium.

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Any reproduction of my text requires my permission. 

Three queens, three masterpieces: Sondra Radvanovsky's triumph in Madrid with the Tudor Trilogy concert.

Madrid, January 6, 2024.

The  Teatro Real begins 2024 with two concerts, by two of the most famous divas of the moment: Lise Davidsen, and Sondra Radvanovsky, who sings to Madrid, after doing so in Barcelona and Chicago, her the three finales of the Donizetti's Tudor Trilogy, which is one of the most awaited events of the current operatic season. Radvanovsky is one of the most celebrated sopranos in Madrid. Last summer she sang at El Escorial, but we still remember her glorious series of Tosca performances that she gave in 2021 at the Teatro Real, alongside Carlos Álvarez and Jonas Kaufmann, and when she encored the Vissi d'arte in several performances, in a run now considered as historical. In this occasion, the American soprano joins the little club of historical divas who have sung in concert the three endings of the so-called Tudor Trilogy, three operas composed by  Gaetano Donizetti.

The Trilogy is made up of the operas Anna Bolena, Maria Stuarda and Roberto Devereux, three operas with three queens as protagonists: Anne Boleyn, Mary Stuart of Scotland and Elizabeth I of England. These three works require a virtuoso soprano capable of facing not only the difficult tessitura of each role, but also, through music, must transmit the tragic pathos of each of these protagonists, to whom , in line with the bel canto tradition, a great finale, extremely difficult to sing, is reserved for them. 

Great sopranos such as Leyla Gencer, Montserrat Caballé, Beverly Sills, and in the more recent past Edita Gruberova and Mariella Devia, have left great renditions of these three roles in the opera lover's memory. In 2018, Mariella Devia sang the finales of Stuarda and Bolena at the Teatro Real, in addition to her also historic Roberto Devereux in 2015. Today, Sondra Radvanovsky is possibly the most distinguished performer of these three difficult operas, especially Roberto Devereux, in which she has been highly applauded. Along with her, and as in Barcelona and Chicago, Riccardo Frizza conducts the Teatro Real Orchestra, and a large cast accompanies her in each of the three scenes, and the emerging stage director Rafael R. Villalobos is in charge of the staging concept.

Radvanovsky is one of the most relevant sopranos of today. It is because of her powerful tone, her massive voice, and her amazing technique, with an incredible legato, its spectacular high notes, and her ability to alternate them with ethereal pianissimos. It is true that diction is not her strongest point, but her devoted singing and her magnetic stage presence compensate it well. The concert began with Anna Bolena, of whom she gave a very moving version of the aria "Al dolce Guidami", soulfully sung, with a pristine high voice and a commanding of coloratura that she displayed in the cabaletta "Coppia iniqua", where she surprised , although some high note wobbled. The best part was the following scene, the finale from Maria Stuarda, in which voice and technique were balanced. Already in the praying aria, "Deh! Tu di un'umile preghiera", she surprised with a high-pitched prolongadísimo, along with the choir, which could be heard despite not being projected in full voice. In the final cabaletta "Ah se un giorno", she surprised by singing forte the famous phrase il flagello di un dio punitor, when five years ago Devia sang it on piano, but equally exciting.

The final part of the concert was the finale of Roberto Devereux, an opera that she sang at the Metropolitan Opera in 2016, in which, she made his entrance walking with a stick, recreating Queen Elizabeth I of England in her old ag. The line Ahi, crude, arresta was breathtaking, shockingly sung before singing the beautiful aria "Vivi ingrato", which she sang wonderfully, and again displaying his accomplished technique in the line "La regina d'Inghilterra ho veduto lagrimar", in which she went from an amazing high to a heartbreaking low voice (in his case rather declaimed), to end it with a high note in her great legato, going from piano to forte. The final cabaletta, Quel Sangue Versato, one of the most inspired pages that ever came from Donizetti's pen, ended with a spectacular and prolonged final high note.

Maestro Riccardo Frizza has conducted the Teatro Real Orchestra in an excellent manner, making its instruments sound vigorously, and also adapting them to the agility of bel canto music, making it sound dramatic and majestic. The overtures to each of these three operas were excellent, the strings shone in Anna Bolena's, and the oboe in Al dolce guidami sounded splendid. In the Roberto Devereux's overture the interpretation was brilliant. The Teatro Real Chorus was at an excellent level, with excellent female voices in the first intervention in Anna Bolena, and also in Roberto Devereux. Regarding the other soloists, Fabián Lara stood out in Maria Stuarda, with a vigorous singing. Gemma Coma-Alabert also excelled in her scenes in Bolena and Devereux, as did Carlos Pachon in the latter. 

The production by Rafael R. Villalobos has an interesting scenic concept. During the overtures, the name of each queen, Anna, Maria and Elisabetta, is projected, and then a close-up of Radvanovsky appears, with a different, mournful expression for each queen. Radvanovsky wears three different dresses, the same as in her other concerts: a red one for Boleyn, a green one for Stuarda, and a white one for Devereux. First the choir appears, then the queen appears, and enters the stage majestuously. The lighting is successful, and during the central moment of Stuarda's prayer, the famous sky projection by Jaume Plensa designed for this season, lights up in the central lamp, as well as the room slightly, at that peak moment. 

The audience in total ecstasy, vibrated and applauded with each work and gave Radvanovsky a thunderous ovation, rewarding one of their most beloved divas. A night to remember.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Any reproduction of my text requires my permission. 

Tres reinas, tres monumentos: Las Tres Reinas Tudor por Sondra Radvanovsky en Madrid.

Madrid, 6 de enero de 2024.

El año 2024 en el Teatro Real comienza con dos conciertos, de dos de las divas más famosas del momento: Lise Davidsen, y Sondra Radvanovsky, quien trae a Madrid, después de hacerlo en Barcelona y Chicago, su gala de los tres finales de la Trilogía Tudor donizettiana, que es una de las citas más esperadas de la temporada. 

Radvanovsky es una de las sopranos más celebradas en Madrid. El verano pasado cantó en El Escorial, pero aún se recuerda su gloriosa serie de funciones de Tosca que dio en 2021 en el Teatro Real, junto a Carlos Álvarez y Jonas Kaufmann, cuando bisó el Vissi d'arte, en unas veladas que ya son calificadas de históricas. En el concierto que nos ocupa, la soprano estadounidense se suma a otras grandes artistas que han cantado en concierto los tres finales de la llamada Trilogía Tudor, tres óperas compuestas por el gran Gaetano Donizetti, uno de los maestros más importantes de la ópera italiana y que junto a Bellini y Rossini, forma el gran trío de la ópera belcantista. 

La Trilogía está formada por las óperas Anna Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux, tres óperas con tres reinas como protagonistas: Ana Bolena, María Estuardo de Escocia e Isabel I de Inglaterra. Estas tres obras requieren de una soprano de enjundia, una artista virtuosa capaz de afrontar no sólo la difícil tesitura de cada personaje, sino que también  debe, a través de la música, transmitir el pathos trágico de cada una de esas protagonistas, a las que, en la línea de la tradición belcantista, les está reservada una gran escena final complicada de cantar.  Grandes sopranos como Leyla Gencer, Montserrat Caballé, Beverly Sills, y en un pasado más reciente Edita Gruberova y Mariella Devia, han dejado en la memoria del público grandes interpretaciones de estos tres personajes. Precisamente en 2018, Mariella Devia interpretó los finales de Stuarda y Bolena en el Teatro Real, en su histórica despedida del público madrileño, además de su también histórico Roberto Devereux en 2015. 

Hoy en día, Sondra Radvanovsky es posiblemente la intérprete más distinguida de estas tres difíciles óperas, especialmente Roberto Devereux, en la que ha sido muy aplaudida. Junto a ella, y como ya fuera en Barcelona y Chicago, Riccardo Frizza dirige a la Orquesta del Teatro Real, y un largo elenco la acompaña en cada una de las tres escenas, y el emergente director de escena Rafael R. Villalobos es el encargado del concepto escénico. 

Radvanovsky es una de las sopranos más relevantes de la actualidad. Lo es por su poderoso caudal vocal, ya que estamos ante una voz enorme, y su asombrosa técnica, con un legato increíble, sus agudos espectaculares, y su capacidad para alternarlos con pianissimos etéreos. Cierto es que la dicción no es su fuerte, pero su canto entregado y su temperamento escénico suplen esa carencia.

Empezó el concierto con Anna Bolena, de la que dio una versión muy emocionante del aria "Al dolce Guidami", cantado con el alma, con un agudo prístino y un manejo de la coloratura que mantuvo en la cabaletta "Coppia iniqua", donde sorprendió, aunque algún agudo le bailó, y no cerró la obra con sobreagudo. 

Lo mejor de la noche fue la siguiente escena, el final de Maria Stuarda,  que fue lo que mejor cantó, donde hubo equilibrio de voz y técnica. Ya en la oración, "Deh! Tu di un’umile preghiera", sorprendió con un prolongadísimo agudo, junto al coro, que podía oírse pese a no emitirse a plena voz. En la cabaletta final "Ah se un giorno", sorprendió por cantar en forte la famosa frase il flagello di un dio punitor, cuando cinco años atrás Devia lo hizo en piano, pero igualmente emocionante, y cerrando la escena, esta vez sí, con un sobreagudo.

La parte final del concierto fue el final de Roberto Devereux, ópera que cantó en el Metropolitan Opera en 2016, en la que, como animal escénico que es, hizo su entrada andando con bastón, recreando a la reina Isabel I de Inglaterra en su ancianidad. Impactante la frase Ahi, crudo, arresta, pronunciada con desgarro antes de cantar la bellísima aria "Vivi ingrato", que cantó maravillosamente, y de nuevo demostrando su técnica en la frase "La regina d'Inghilterra ho veduto lagrimar", en la que pasó de un agudo apoteósico a un grave (en su caso más bien declamado) desgarrador, para terminar en un agudo que muestra su legato, yendo de piano a forte. La cabaletta final, Quel Sangue Versato, una de las páginas más inspiradas que jamás salieran de la pluma de Donizetti, la terminó con un espectacular y prolongado sobreagudo final.

El maestro Riccardo Frizza ha dirigido la Orquesta del Teatro Real de forma excelente, haciendo que sus instrumentos sonasen con vigor, y además se adaptasen a la agilidad de la música belcantista, haciendo que esta suene dramática y majestuosa. Las oberturas de cada una de estas tres óperas fueron excelentes, las cuerdas brillaron en la de Anna Bolena, y el oboe en el Al dolce guidami sonó espléndido. El conjunto fue a más, y por ejemplo en la obertura de Roberto Devereux la interpretación fue brillante. El Coro del Real estuvo a un nivel excelente, con las voces femeninas excelentes en la primera intervención en Anna Bolena, y también en Roberto Devereux.

De los demás solistas, destacó Fabián Lara en Maria Stuarda, con un vigoroso canto. Gemma Coma-Alabert también se lució en sus escenas en Bolena y Devereux, del mismo modo que Carlos Pachon en esta última.

El montaje de Rafael R. Villalobos tiene un interesante concepto escénico. Durante las oberturas, se proyecta el nombre de cada reina, Anna, Maria y Elisabetta, y luego aparece un primer plano de Radvanovsky, con diferente expresión, doliente, para cada reina. Radvanovsky lleva tres vestidos distintos: uno rojo para Bolena, otro verde para Stuarda y otro blanco para Devereux. Primero aparece el coro, luego aparece la reina de turno, y se adentra en el escenario. La iluminación es un acierto, y durante el momento central de la plegaria de Stuarda, el famoso cielo de Jaume Plensa ideado para esta temporada, se ilumina en la lámpara central, así como levemente la sala, en ese momento cumbre.

El público, entregado a más no poder, se emocionó, vibró y aplaudió con cada obra y le dio a Radvanovsky una ovación atronadora, premiando así a una de sus divas más queridas. Una noche que muchos nunca olvidarán.

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

ESP/ENG: Christian Thielemann regresa y sorprende en el Concierto de Año Nuevo 2024.

For English, please scroll down.

Cuando terminó el concierto de Año Nuevo de 2023, todos esperábamos que la guerra en Ucrania acabase pronto. Ahora, el de 2024 comienza cuando en el mundo hay otra guerra añadida, la de Israel y Palestina, el eterno conflicto de Oriente Medio, que sacudió los ánimos en todo el mundo este otoño. Y mientras tanto, el recuerdo de una sala vacía en la edición de 2021 debido al Covid-19, dirigida por Riccardo Muti -quien dirigirá la edición de 2025-, ya parece muy lejano.

El año 2024 es inaugurado de facto en muchos hogares, con el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena, todos los años televisado para todo el mundo desde la dorada sala del Musikverein. Este año, el director musical es el alemán Christian Thielemann, favorito de la orquesta, quien ya dirigió en 2019, siendo él primer alemán en hacerlo. El programa de este año es cuanto menos, versátil, y con una inclusión conmemorativa, como ya fuera en otras ocasiones: en 2024 es el bicentenario de Anton Bruckner, y se ha incluido una pieza suya, aunque en arreglo orquestal. Thielemann ha demostrado en este concierto una sorprendente versatilidad para un director de su estilo, y es que en las piezas más ligeras, como las polkas y galopes ha demostrado una viveza y una agilidad raras en un director de tempi más lentos y majestuosos, y llenos de detalles, propio de Wagner o Bruckner, que sí se manifestó en las piezas más largas. 

Así, la primera parte se distinguió con unas vivaces interpretaciones de la "Marcha del Archiduque Albrecht" de Karl Komzák, de la Polka Fígaro de Johann Strauss hijo, contrastada con una detallista versión de los "Bombones de Viena", del mismo autor, que se inicia con un bellísimo solo de flauta. En el intermedio, conmemorando el bicentenario de Bruckner, se emitió un documental musical, en el que dos niños de la Escolanía Bruckner de Sankt Florian se embarcan en una aventura (con unos efectos especiales que hacían un guiño a Harry Potter) por todos los lugares emblemáticos del músico, interactuando con los músicos de la Filarmónica, que tocaba fragmentos de la Octava y Tercera Sinfonías, además de piezas instrumentales y por último el bello coro infantil Locus Iste.

 La segunda parte arrancó con el Vals de la opereta "Waldmeister", de nuevo en una interpretación llena de detalles y en la que aplicaba una interpretación sinfónica, y desbordante de belleza. Como una nana, es como se escucha la polka "Pizzicato" de Strauss hijo, con el bello sonido de las cuerdas de esta orquesta. Las tradicionales coreografías del ballet de la Ópera de Viena aparecieron en el vals de Ischl, ambientado en un sueño de la emperatriz Sisi, y luego una deslumbrante coreografía del cuerpo de ballet en el apoteósico vals de Ziehrer "a los ciudadanos de Viena", en el castillo de Rosenburg y rodeado de hermosos paisajes. La "Cuadrilla" para piano de cuatro manos, de Bruckner, fue la inclusión conmemorativa, y era evidente lo distinta que es de los demás valses, siendo más evocadora que alegre. Thielemann ha mostrado predilección por el vals "Delirios" de Josef Strauss, cuyo estremecedor inicio, con esos trémolos de cuerda, es más wagneriano o beethoveniano que propio de un vals alegre.

Las propinas abarcaron una espectacular y alegre versión del Jockey Polka, y los dos cierres consabidos: el Danubio Azul, del que dio una versión lenta, pero rica en detalles, donde cada sección de la orquesta podía brillar intensamente, y  con un sonido majestuoso; y la Marcha Radetzky, en la que un Thielemann sorprendentemente divertido y ameno dirigía al público dando palmas y a la orquesta, dando inicio así, al año 2024.

Al elegir a Riccardo Muti para el año próximo, aunque la excelencia está garantizada, la Filarmónica de Viena vuelve a acallar las demandas de un amplio sector del público, con las correspondientes quejas en las redes sociales, de que batutas más jóvenes o femeninas dirijan alguna edición. Por lo pronto, solo queda desear que este año traiga paz, y las mejores experiencias musicales, que en ciudades como Madrid, se antojan prometedoras.

ENGLISH

Christian Thielemann returns and surprises at the 2024 New Year's Eve Concert.

When the 2023 New Year's concert ended, we wished that the war in Ukraine would end soon. Now, 2024 begins with another war, the eternal conflict in the Middle East between Israel and Palestine, which this fall took worldwide attention. And meanwhile, the memories of an empty hall in the 2021 edition due to Covid-19, conducted by Riccardo Muti - who will conduct the 2025 edition -  seem very distant in time.

The year 2024 is inaugurated de facto, in many homes, with the New Year's Concert of the Vienna Philharmonic Orchestra, every year telecasted worldwide from the golden hall of the Musikverein. This year, the conductor is  Christian Thielemann, a favorite of the orchestra, who already conducted in 2019, being the first German maestro to do so. This year's program has been, to say the least, versatile, and with a commemorative inclusion, as done on other occasions: 2024 is Anton Bruckner's bicentennial, and one of his pieces has been included, although in an orchestral arrangement. In this concert, Thielemann has shown a surprising versatility for a conductor of his style: being the lighter pieces, such as polkas and gallops, conducted a liveliness and agility rare in a conductor of typical slower, more majestic, and very detailed tempi, typical of Wagner or Bruckner, which did manifest itself in the longest waltzes.

The first part of the concert had  lively interpretations of the "March of Archduke Albrecht" by Karl Komzák, or the Polka Figaro by Johann Strauss Jr., contrasting with a detailed, slower version of the "Wiener Bonbons", by the same author, beginning with a beautiful flute solo. In the intermission, commemorating Bruckner's bicentenary, a musical documentary was broadcast, in which two young members from the Sankt Florian Child Choir embark on an adventure (with special effects that gave a nod to Harry Potter) throughout the most emblematic places in Bruckner's career, interacting with the musicians of the Vienna Philharmonic, who played fragments of the Eighth and Third Symphonies, as well as instrumental pieces. At the end, the Child Choir gave a beautiful rendition of the piece Locus Iste.

The second part began with the Waltz from the operetta "Waldmeister", again in a performance full of details and in which a symphonic rendition was given, with radiant beauty. Like a lullaby, is how Strauss Jr.'s polka "Pizzicato" could be perceived, with the beautiful sound of the strings of this orchestra. The traditional ballet choreography from the Vienna State Opera Ballet appeared firstly in the Ischl waltz, set in a dream of Empress Sissi, and then dazzling corps de ballet choreography in Ziehrer's apotheosic waltz "To the Citizens of Vienna," in Rosenburg Castle and surrounded by beautiful landscapes. Bruckner's "Quadrille" for four-hand piano, here arranged for orchestra was the commemorative inclusion, and it was evident how different it is from the other waltzes, being more evocative than joyful. Thielemann has shown a predilection for the "Delirien" waltz by Josef Strauss, whose shocking beginning, with those string tremolos, is more Wagnerian or Beethovenian than typical of a happy waltz.

The encores included a spectacular and cheerful version of the Josef Strauss' Jockey Polka , and the two usual closing encores: the Blue Danube, of which Thielemann gave a slowed-tempi version, but rich in details, where each section of the orchestra could shine intensely, and with a majestic sound; and the Radetzky March, in which a surprisingly fun and entertaining Thielemann conducted both the orchestra and the clapping audience, now ending the concert was cheerfully as usual.

By choosing Riccardo Muti for next year's concert, although excellence is guaranteed, the Vienna Philharmonic once again silences the demands of a large sector of the audience for younger or female conductors to conduct some edition, with the consequent outrage on social media. For now, all that remains is to hope that this year brings peace, and the best musical experiences, which in cities like Madrid, seem promising.

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Any reproduction of my text requires my permission.