The feminist, empowered martyr: Handel's Theodora at the Teatro Real.

Madrid, November 17, 2024.

Many years ago I read, I can't remember where, or maybe I heard about, that during a performance of Verdi's Otello more than sixty or seventy years ago, the famous tenor who sang its breathtaking finale, took advantage of caressing Desdemona's body, while he was dying next to her. When the curtain came down, Desdemona, sung by a strong-tempered diva, stood up and slapped the lascivious tenor. Nowadays, after so many sexual scandals that have affected the show business, and with greater sensitivity to the subject, there were actresses in Hollywood films and series, who began to demand the services of what is now called an intimacy co-ordinator, who are responsible for ensuring the actors involved not to go beyond what is coreographed while recreating sex scenes. 

Why am I talking about all this first? Because the Teatro Real in Madrid has announced. with great fanfare in all social media, that for its new staging of Handel's oratorio Theodora, (which is being performed in November and which was seen at the Teatro Real in 2009 in concert version) they have hired  the most famous intimacy coordinator of the moment, the British Ita O'Brien , who has worked on famous series such as Sex Education. O'Brien is a regular collaborator of Katie Mitchell , the director of this Theodora staging, coming from the London Royal Opera House, which sets the action in a modern era. Theodora is an oratorio that Handel premiered in 1750, but despite the composer considered it as one of his best creations, it was not very successful in his lifetime. However, the work has finally enjoyed the popularity it deserves, because of its beautiful music. Like all oratorios it is a static work, in this case it is about the martyrdom of Theodora, a legendary young Christian woman who lived in Alexandria (Antioch in the work) during the time of the Roman Emperor Diocletian (famous persecutor of Christians), and Didymus, a Roman in love with her, who converts to Christianity out of love. A story that the librettist Thomas Morell took from a play.

Mitchell's production enhances the staging of this argument, making it more entertaining and interesting. Known for her feminist-oriented works on stage, Mitchell sets the action in a modern era. As an interesting detail, she uses slow motion, here recreated by the singers, to give greater intensity to the emotions described in the music. Theodora is not a young, self-sacrificing, mystical maiden, but an empowered, strong-tempered woman willing to do anything for her faith, thus becoming a feminist reference for today. Christians are the service staff of the Roman embassy in Antioch. Saint Theodora and her friend Irene work as cooks, but at the same time they are radical Christian activists, who even resort to terrorism to combat Roman persecution. Thus, in the large, modern kitchen, they prepare bombs and hide weapons. But they also celebrate Christmas, bringing out a small, illuminated Christmas tree. The production takes place in a very small space, a stage box that moves from one side to the other, revealing the rooms of the embassy. The kitchen and the embassy hall are the main ones. But when the saint refuses to worship Jupiter, she is forced into prostitution. 

As she sings her famous aria Angels ever bright and fair the Romans dress her as a prostitute and take her to a red room, with professional table dancers dancing on the bar, who will later help Theodora. To the left, a room with a round red bed is the setting where a Roman soldier tries to rape Theodora, who defends herself with a weapon, but after a while, she is finally raped, something which is not seen, fortunately, on stage. Irene, with an enormous role in the work, is here a kind of leader, priestess, and even at the end of the first act she is in charge of officiating the baptism of Didymus, in a moving, solemn liturgical act, before the soldier goes to free his beloved Theodora. 

At the end of the play, the protagonists are condemned to death in the cold storage room next to the kitchen, with a few pigs hanging. But the saint does not die alongside her lover: Mitchell changes the ending: Irene and the Christians save them and kill the Romans, taking the embassy and allowing the couple to escape.

The Teatro Real Orchestra , conducted by Ivor Bolton , gradually improved as the work progressed. After a plain overture, the orchestra gradually acquired a more chamber-like sound, as static as the work itself.  After having seen them preparing these pieces during a work session,,  the Teatro Real Choir, mastered by José Luis Basso, managed to sound mystical and exciting in the final choruses of each act. In the first chorus,  And draw a blessing down, the voices were able to cope with the devilish coloratura, as well as transmitting the mysticism in the finale of the first act, together with their male colleagues. In the chorus that closes the work, O love divine, the male section highlighted their powerful deep voices, transmitting the religious character of the piece, although the women were not far behind. Once again, mission accomplished, and in an excellent way.

Although she was not the protagonist, Joyce DiDonato in the role of Irene was certainly the main attraction and led the cast. In this repertoire she is a true specialist: her velvety voice, whose volume is heard throughout the hall and dominates the repertoire. Her interpretation of the beautiful aria  Lord, to Thee each night and day,  was undoubtedly the best moment of the night, capable of singing in piano voice and giving a prolonged pianissimo, in a breathtaking moment. And in fact it was the only aria who got an applause.

Julia Bullock was a more discreet Theodora. Despite having a beautiful voice, with a darker tone, she seemed to sing a bit restrained while trying to sound angelic, even her vocal volume seemed to fight with the orchestra. As an actress she was impeccable, and committed to the production, which she shows she knows well.

Iestyn Davies was an excellent Didymus, singing well and mastering the coloratura in the arias, in a character with very beautiful music. Equally notable was the tenor Ed Lyon as his friend Septimius, a tenor who surprised with his high tessitura in the beautiful and very long aria Descend, kind Pity. Callum Thorpe was a big-volumen, dark-voiced Valens, but not so subtle at times. Thando Mjandana as the messenger has a brief, only reciting role, but the voice sounds good.

Despite the much publicity given to the issue of the intimacy coordinator, the truth is that the public came to enjoy a pleasant afternoon of baroque music, and to listen the singing of Joyce DiDonato, so admired in this city. The audience was not disappointed, even though the theatre was not full. In the end, the big winner, apart from DiDonato, was the expected one: Handel's music, in one of the big hits of the current operatic season in Madrid.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

The remaining photos are released under Teatro Real Choir authorization. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Any reproduction of my text requires my permission. 

La ultrajada santa feminista: Theodora de Händel en el Teatro Real.

Madrid, 17 de noviembre de 2024.

Hace muchos años  leí, no recuerdo en qué foro, o tal vez me lo contaron, que durante una función del Otello verdiano hace más de sesenta o setenta años, el famoso tenor que lo interpretaba cantaba la escena final, ante el cadáver de su amada Desdémona, momento el cual aprovechó para sobar todo su escultural cuerpo, mientras agonizaba junto a ella. Al bajarse el telón, Desdémona, encarnada por una diva de las de antes, de fuerte carácter, se incorporó y abofeteó al lascivo tenor. Hoy en día, con tantos escándalos sexuales que han afectado al mundo del espectáculo, incluidas acusaciones a famosos artistas y empresarios, y con una mayor sensibilidad con el tema, en el mundo del cine y de las series de televisión, hubo actrices que empezaron a exigir los servicios de lo que hoy se llama coordinador de intimidad, que son los responsables de que en las escenas de sexo, los actores involucrados no se excedan más allá de lo debido y traspasen la delicada línea entre actuación y abuso. 

¿Por qué hablo en primer lugar de todo esto? Porque el Teatro Real de Madrid ha anunciado en todos los medios, que para el montaje del oratorio Theodora, de Georg Friedrich Händel, (que se verá este mes de noviembre y que se vio en el Real en 2009 en versión concierto) se ha contado con los servicios de la coordinadora de intimidad más famosa del momento, la británica Ita O'Brien, quien ha trabajado en series famosas como Sex Education. O'Brien es colaboradora habitual de Katie Mitchell, la directora de escena de esta Theodora, procedente de Londres, que ambienta la acción en una época moderna. Theodora es un oratorio que Händel estrenó en 1750, pero pese a que el compositor la consideraba como una de sus mejores creaciones, no tuvo mucho éxito. Sin embargo, la obra ha gozado al fin de la popularidad que merece, pues su música es bellísima, y aunque como todo oratorio es una obra estática, en esta ocasión sobre el martirio de Teodora, una legendaria joven cristiana que vivía en Alejandría (Antioquía en la obra) en tiempos del emperador romano Diocleciano (famoso perseguidor de cristianos), y de Dídimo, un romano enamorado de ella, que se convierte al cristianismo por amor. Una historia que el libretista Thomas Morell tomó de una obra de teatro.

La producción de Mitchell potencia la escenificación de este argumento, haciéndolo más ameno e interesante. Conocida por su labor feminista en escena, Mitchell ambienta la vida de esta santa en una época moderna. Como dato interesante, recurre al movimiento a cámara lenta, aquí recreado por los cantantes, para darle una intensidad mayor a la acción. Theodora no es una joven doncella mística y abnegada, sino una mujer de carácter dispuesta a todo por su fe, convertida así en un referente feminista para la actualidad. Los cristianos son el personal de servicio de la embajada romana de Antioquía. La santa Theodora, y su amiga Irene, trabajan como  cocineras, pero al mismo tiempo son activistas radicales cristianas, que para combatir la persecución romana recurren al terrorismo. Así, en la amplia y moderna cocina, preparan bombas y esconden armas. Pero también celebran la navidad, sacando un pequeño arbolito iluminado. La producción transcurre en un espacio muy pequeño, una caja escénica que se mueve de un lado a otro, revelando las estancias de la embajada. La cocina y el salón de la embajada son lo principal. Pero cuando la santa se niega a adorar a Júpiter, es forzada a prostituírse. 

Mientras canta su famosa aria "Angels ever bright and fair" los romanos la visten de prostituta y la llevan a una estancia roja, con bailarinas profesionales de table dance bailando en la barra, las cuales luego auxiliarán a Theodora más adelante. Al lado izquierdo, una habitación con una redonda cama roja es el escenario donde un soldado romano intenta violar a Theodora, que se defiende con un arma, pero aun así al cabo de un rato, logra su atroz cometido, el cual no se ve, afortunadamente, en escena. Irene, con un enorme peso en la obra, es aquí una suerte de lideresa, sacerdotisa, e incluso al final del primer acto se encarga de oficiar el bautizo de Dídimo, en un emocionante acto litúrgico, antes de que el soldado libere a su amada. 

Al final de la obra, los protagonistas son condenados a muerte en la cámara frigorífica al lado de la cocina, con unos cuantos cerdos colgando. Pero la santa no muere junto a su amado: Mitchell cambia el final. Irene y los cristianos les salvan y matan a los romanos, tomando la embajada y permitiendo a la pareja escapar.

La Orquesta del Teatro Real, dirigida por Ivor Bolton, fue yendo de menos a más a medida que la obra avanzaba. Tras una obertura sin demasiado brillo, la orquesta fue adquiriendo un sonido más camerístico, tan estático como la obra misma. Tras haberlo visto preparar la obra, el Coro del Teatro Real logró sonar místico y emocionante en los coros finales de cada acto. En el primer coro, And draw a blessing down, las voces pudieron con la endiablada coloratura, así como transmitir el misticismo en el final del primer acto, junto a sus colegas masculinos. En el coro que cierra la obra, O love divine, el coro masculino destacó sus potentes voces graves, transmitiendo el carácter religioso de la pieza, aunque las mujeres no se quedaron atrás. Una vez más, misión cumplida, y de forma excelente.

Aunque no era la protagonista, desde luego Joyce DiDonato en el rol de Irene era el reclamo principal. Y lo cierto es que en este repertorio juega en casa: su voz aterciopelada, que se deja oír y que domina el repertorio. Su interpretación de la bellísima aria Lord, to Thee each night and day, fue sin duda el mejor momento de la noche, capaz de cantar en piano y dar un pianissimo prolongado, en un momento sobrecogedor. Y de hecho fue el único número aplaudido. 

Julia Bullock fue una Theodora discreta. Pese a que tiene una bonita voz, de timbre más oscuro, parecía cantar más contenida de lo esperable, incluso su volumen vocal parecía pelearse con la orquesta. Como actriz estuvo impecable, y comprometida con el montaje, que demuestra conocer bien.

Iestyn Davies fue un excelente Didymus, bien cantado y dominando la coloratura en las arias, en un personaje con muy bella música. Igualmente notable el tenor Ed Lyon como su amigo Septimius, un tenor que sorprendió con su tesitura aguda en la bella y larguísima aria Descend, kind Pity. Callum Thorpe fue un Valens de voz grande y con un grave tan potente como no tan sutil por momentos. Thando Mjandana como el mensajero tiene un breve papel que solo recita, pero la voz es buena. 

Pese a la sonada publicidad dada al tema de la coordinadora de intimidad, lo cierto es que el público vino a disfrutar de una tarde agradable de música barroca, y de Joyce DiDonato, tan querida en esta ciudad. No salió defraudado el respetable, pese a que no estaba lleno el teatro. Al final, la gran triunfadora, aparte de DiDonato, era la esperada: la bellísima música de Georg Friedrich Händel, en lo que puede definirse como uno de los grandes éxitos de esta temporada. 

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

Preparing amazing operas: An interesting work session with the Teatro Real Choir.

In 2009, the Intermezzo Choir became the new principal choir of the Teatro Real in Madrid, and one of its first appearances was in a Rigoletto staging. Since then, the choir has had a fruitful collaboration with the Teatro Real that continues to this day. From Gerard Mortier's tenure as the artistic director of the theatre, the group paved the way for its big present-day reputation, something that continued during the era of Joan Matabosch, the current artistic director. Since I began my journey on this blog, I have reported on the great performances of this choir, directed by José Luis Basso, whose quality is recognised within Spain and abroad. Here are some examples from international critics:

The Teatro Real's titular choir, which is also a character in its own right in the drama, leaves one speechless.

Opera Online (France), about the 2021 Peter Grimes staging.

The participation of the choir of Teatro Real was simply brilliant. The ensemble sang at full capacity, with 90 singers. Their interventions were strong, and their voices blended perfectly.

Operawire, on the 2022 Nabucco staging.

The orchestra under the baton of Pablo Heras-Casado played their hearts out, and the huge chorus sang splendidly.

The Article (United States) on the 2024 staging of Wagner's Meistersinger.

From their participation in these and other operas, I have fond memories in my mind. How can I forget them in "Peter Grimes", when the people powerfully invoke the name of the eponymous protagonist, to settle accounts with him;  the palpable emotion of an oppressed people in Nabucco, or the festive and joyful nature of an entire city celebrating in "Die Meistersinger".Of all these emotions, this choir has given memorable performances on the Teatro Real's stage. And I have enthusiastically described many of them in this blog. To my pleasant surprise, this enthusiasm reached the choir itself. That is why, in February 2020, I was offered the possibility of attending a rehearsal of the opera "Achille in Sciro", scheduled for the following month. However, the Covid-19 pandemic, which had just arrived in Spain, prevented it. Finally, after a few years of caution and frenetic activity, with the extremely intense 2023-2024 season, with such demanding operas, I was offered the invitation again.

So, on August 30th, after returning from vacation, I was finally able to enjoy this honor: I attended a work session, in which two works for this season were being prepared: Adriana Lecouvreur, and Theodora. The male and female sections did so separately. In the first hour, I attended a session with the male choir, in the imposing choir rehearsal room, presided over by the bust of conductor Luis García Navarro. I must say that sitting in front of the choristers, and observing their work, gave me a feeling of feeling small and not knowing what to say. Then, I was introduced to them, some of whom responded with a "welcome," which calmed my nerves. Led by maestro Abel Iturriaga , they worked on the powerful final choruses of the second and third acts of  Handel's Theodora, which premieres tomorrow and will be on the bill until the end of this month. Maestro Iturriaga started to play the piano, and the powerful voices began to sound as the music flowed. 

After the second pause, it was time to return to the first hall, where the first session took place. Now the two sections were rehearsing together the opera that premiered last September: Adriana Lecouvreur, by Francesco Cilea. The choir has a brief participation in this opera, only in the third act. Maestro Varas played Cilea's music on the piano, reminding me how beautiful, magical, and sweet verismo music can be when just reduced to the keyboard's sound.

After this last session, the work day ended, of which I attended three interesting hours in the afternoon. I was led to the exit, but I had a funny incident: the QR code they gave me at the entrance to enter did not work at the exit, which caught the attention of the choir members, who tried to help me at all times, but finally the security guard invited me to leave through another door.

I can only thank Intermezzo Promusic for this honour bestowed upon me, especially Lide Agirrezabala, who contacted me for the first time in 2020, Amaia Imaz for taking up the invitation and offering me all the comforts during my visit; the maestros Iturriaga and Arqued for their kindness and knowledge, and the members of the choir for welcoming me and for their kindness towards me.

Teatro Real Choir performance photo is propriety of the Juan March Foundation and Teatro Real.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

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Cómo se preparan las grandes óperas: una tarde de trabajo con el Coro Titular del Teatro Real.

En el año 2009, el Coro Intermezzo se convirtió en el nuevo coro titular del Teatro Real de Madrid, y una de sus primeras intervenciones fue en una producción de Rigoletto. Desde entonces, el coro realizó una fructífera colaboración con el Teatro Real que dura hasta el día de hoy, dirigido desde 2023 por José Luis Basso. Durante la época en la que Gérard Mortier era el director artístico del teatro, la formación cimentó las bases de su gran reputación, algo que prosiguió durante la era de Joan Matabosch, el actual director artístico. Desde que inicié mi andadura en este blog, he dado cuenta de las grandes interpretaciones de este coro, cuya calidad es reconocida dentro y fuera de nuestras fronteras. He aquí algunos ejemplos de la crítica internacional. 

El Coro Titular del Teatro Real, que constituye también un personaje por derecho propio en el drama, deja a uno boquiabierto.

Opera Online (Francia), sobre el Peter Grimes de 2021.

La participación del coro fue simplemente brillante. El conjunto cantó en toda su capacidad, 90 personas. Sus intervenciones fueron potentes, y sus voces combinaron perfectamente.

Operawire, sobre el Nabucco de 2022.

La orquesta bajo la batuta de Pablo Heras-Casado interpretó con todo su corazón, y el enorme coro cantó espléndidamente,

The Article (Estados Unidos) sobre los Maestros Cantores de 2024.

De sus participaciones en estas y más óperas, tengo en mi memoria potentes recuerdos. Cómo olvidar en "Peter Grimes", cuando el pueblo invoca poderosamente el nombre del protagonista homónimo, para ajustarle las cuentas; o la emoción palpable de un pueblo oprimido en Nabucco, o lo festivo y alegre de toda una ciudad de fiesta en "Los Maestros Cantores". De todas estas emociones, este coro ha dado memorables representaciones en la escena de este teatro. Y muchas de ellas las he descrito entusiasmado en este blog. Para mi grata sorpresa, dicho entusiasmo llegó hasta el mismo coro. Por eso, en febrero de 2020, me ofrecieron la posibilidad de acudir a un ensayo de la ópera "Achille in Sciro", programada para el mes siguiente. Sin embargo, la pandemia del Covid-19, que acababa de llegar a España, trajo consigo el confinamiento y una interrupción de la vida cotidiana, tras la cual, hubo que volver poco a poco a la normalidad. Finalmente, y tras unos años de cautela y actividad frenética, con la intensísima temporada 2023-2024, con óperas tan demandantes, esa puerta se volvió a abrir. 

Y así, el pasado 30 de agosto, tras la vuelta de vacaciones, pude finalmente disfrutar de este honor: asistí a una jornada de trabajo, en la que se preparaban dos obras de esta temporada: Adriana Lecouvreur, y Theodora. Las secciones masculina y femenina lo hicieron por separado. En la primera hora, asistí a una sesión con el coro masculino, en la imponente sala de ensayo del coro, presidida por el busto del maestro García Navarro. He de decir que al sentarme frente a los coristas, y observar su trabajo, me generó una sensación de sentirme pequeño y no saber qué decir. Entonces, me presentaron ante ellos, de los cuales algunos me respondieron con un "bienvenido", que rebajó mis nervios. Dirigidos por el maestro Abel Iturriaga, trabajaron en los potentes coros finales del segundo y  tercer acto de Theodora, de Händel, que se estrena mañana y estará en cartel hasta finales de este mes. El maestro Iturriaga arrancaba las notas del piano, y empezaban a sonar las potentes voces, a medida que la música fluía. 

Tras la pausa, y tras saludar a varios miembros de la oficina de Intermezzo, los cuales estaban preparando partituras en letras cirílicas de "El Zar Saltán", de Rimsky Korsakov, que se verá esta temporada, fui llevado a una sesión con la sección femenina del coro. Tras ser presentado nuevamente, dije lo mismo que al coro masculino: que llevo años siguiendo su trabajo, y que me emocionaron en óperas como Peter Grimes, Nabucco o Nixon en China. Acto seguido, las señoras me dieron un pequeño aplauso. Y bajo la dirección del maestro Miguel Ángel Arqued, acompañado del pianista Eric Varas, empezó el ensayo de otros fragmentos de Theodora, entre los cuales se encuentran los coros de los paganos "And draw a blessing down" y "For ever thus stands fix'd the doom", ambos con deslumbrantes coloraturas, y el coro de cristianos, más solemne, que cierra el primer acto, "Go, gen'rous, pious youth". Me fijé en cómo el maestro Arqued incidía en la pronunciación de las palabras, y especialmente de algunas consonantes. 

Tras el la segunda pausa tocó volver a la sala de la primera sesión, ahora ensayaban las dos secciones conjuntas la ópera que se estrenó el pasado septiembre: Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea. El coro tiene una participación testimonial en esta ópera, solo en el tercer acto. El maestro Varas interpretaba la música de Cilea al piano, recordándome lo hermosa, mágica, dulce que puede ser la música verista cuando se reduce al teclado.

Tras esta última sesión, terminó la jornada de trabajo, de la cual asistí a tres interesantes horas por la tarde. Fui conducido a la salida, pero tuve un divertido incidente: el QR que me dieron a la entrada para poder ingresar, no funcionaba a la salida, lo que despertó la atención de los miembros del coro, quienes en todo momento intentaron ayudarme, pero finalmente el vigilante de seguridad me invitó a salir por otra puerta.

Solo puedo tener palabras de agradecimiento para Intermezzo Promusic por este honor a mí concedido, especialmente a Lide Agirrezabala, quien me contactó por primera vez en 2020, a Amaia Imaz por retomar la invitación y ofrecerme amigablemente todas las comodidades durante mi visita; a los maestros Iturriaga y Arqued por su amabilidad y sus conocimientos, y a los miembros del coro por darme la bienvenida y por su simpatía para conmigo.

Fotogtafía de portada: El Coro Titular del Teatro Real durante un concierto wagneriano. Autor: Javier del Real.

Las demás fotografías y vídeos han sido publicados con permiso de Intermezzo Promusic. Aun así, si hay algún desacuerdo con las imágenes ruego se me notifique. 

Purcell's brief, intense epic: Sonya Yoncheva leads a superb Dido and Aeneas in Madrid.

Madrid, October 24, 2024.

The Bulgarian soprano Sonya Yoncheva is trending topic these days in Spain due to the interview that she gave to the famous presenter David Broncano in his program "La Revuelta" on the Spanish Television last Monday. But for opera-goers, she is a fairly well-known figure. Here in Madrid, she has performed very frequently, she sang Imogene in Bellini's Il Pirata with Javier Camarena at the Teatro Reañ,  she made her debut in zarzuela with a great concert, in the same name theatre in 2021,  she sang Giordano's opera Siberia in 2023, and she participated in Plácido Domingo's return to the Teatro Real, among others. Now she returns with Henry Purcell's masterpiece "Dido and Aeneas" at the Auditorio Nacional de Música.

Alongside the German-born Handel, Purcell, is the most famous baroque composer in England, and one of the most important in British musical history. If we narrow the field to opera, he is even more relevant, since after his death, we have to wait until Benjamin Britten, two and a half centuries later, to find an English opera composer of his level. Premiered in 1687, with a libretto by the playwright Nahum Tate, based on one of his works and on Virgil's Aeneid, "Dido and Aeneas" is Purcell's only opera, but his stage music extends to the famous semi-operas  such as King Arthur, The Fairy Queen or The Indian Queen, which was seen in Madrid eleven years ago in an unforgettable staging by Teodor Currentzis and Peter Sellars. Due to its short duration, just over an hour, and its popularity, Dido and Aeneas is performed frequently, and in the Spanish capital it is usually offered by prestigious touring baroque orchestras, and in the last eight years, it has been staged twice, in 2016 and 2019 at the Teatro Real, and the last time in January 2023 with William Christie and choreography by Blanca Li. Now it returns to Madrid, in a concert version, on tour with the Versailles  Royal Opera ensemble, with a cast led by Yoncheva, after having performed it last week in the French palace city, in a staged version.

The cast at Versailles, in the production staged there last week. Photo courtesy of Olyrix.

The Orchestra and Chorus of the Versailles Royal Opera sounded splendid under Stefan Plewniak's conducting. The orchestra quickly improved. It was a pity that the electrifying and intense prelude did not suit the acoustics, as the strings, very agile, seemed to have a rather thin sound. But from the end of the first act, and in all the added orchestral interludes, all of them composed by Purcell, except a piece by his brother Daniel, the ensemble's sound finally took over the room and was splendid. Plewniak gave an energetic rendition. The theorbos before Aeneas' entrance were very beautiful, as was the viola da gamba at the beginning of the final aria, as the full orchestra in the interludes of the second act, in which every section had their shining moment. The Choir sounded formidable in all its interventions, especially in the finale, after Dido's aria, with an almost religious touch, which the choir approached in a sensitive, exciting way, even more so at the end, when little by little they positioned themselves at the edge of the stage, joined by the rest of the cast (except Yoncheva), concluding the concert in a moving way.

In the role of Dido, Sonya Yoncheva has a dark and big voice for what is usually found today in this kind of repertoire. Although she has already sung this opera at least once, in Moscow in 2010 with Christie, she not only made herself heard above everyone else in front of the small orchestra and her vocal style, but at the beginning, sometimes it seemed as if the performance was designed to be suitable for her. Her entrance in "Ah, Belinda" was truly beautiful, with her most dramatic tone, singing the piece with an elegiac sensitivity, in an exquisite way. Then in the second act she sang with a dramatic coloratura in her brief intervention "The skies are clouded, Hark!" In the third act, she approached her big scene with great dramatism, and thus the famous final aria "When I am laid in Earth" she sang with dedication and drama, although sounding sometimes a bit nasal, but nothing that could tarnish a magical moment like that. 

The baritone Halidou Nombre sung Aeneas, with a powerful voice, with a noticeable deep, although somewhat guttural tone, but after Yoncheva he had the biggest voice. Ana Vieira Leite was a remarkable Belinda. The tenor Attila Varga-Tóth sung an Irregular Sorceress and Sailor,  not having a very brilliant second act, but noticeably improved in the third one. Much better were  Pauline Gaillard and Yara Kasti as the other witches, especially Gaillard with his light voice, with a funny and grotesque intonation that suits the character. The countertenor Arnaud Gluck as the spirit and Lili Aymonino, who had a brief and well-sung added intervention in the second act, fulfilled their roles.

The hall probably occupied at its half, in fact there were large gaps in the higher areas and in the stands, which shows the event  (organized by Impacta, a private company; if it had been in the Universo Barroco cycle, the tickets would have been sold out long ago) wasn't too much publicized until few days ago, and the prices of the seats (which could be noticed in how well-dressed the people were in the stalls). But when it finished, the audience applauded enthusiastically, in an outstanding ovation. But it did not stop there. There were two encores: the first, the entire cast, including Yoncheva, performed "Tendre Amour" from Rameau's opera Les Indes Galantes, accompanied by the chorus. Afterwards, the entire cast danced, inviting the audience to clap,with Yoncheva dancing with the tambourine, they performedthe cheerful "Forêts Plausibles", from the same ópera, closing a glorious baroque opera night.

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Épica breve pero intensa: Sonya Yoncheva arrasa con Dido y Eneas en el Auditorio Nacional.

 

Madrid, 24 de octubre de 2024.

La soprano búlgara Sonya Yoncheva está estos días de moda en España debido a la entevista que le hizo el famoso presentador David Broncano en su programa "La Revuelta" en La 1 de Televisión Española. Pero para los habituales de los teatros de ópera es una cara bastante conocida. Aquí en Madrid ha actuado bastante, cantó El Pirata de Bellini con Javier Camarena, debutó en la zarzuela con un gran concierto, en el teatro homónimo, cantó la ópera Siberia, de Giordano, y participó en el regreso de Plácido Domingo al Teatro Real, entre otros. Ahora nos visita con la obra maestra de Henry Purcell "Dido y Eneas" en el Auditorio Nacional.

Purcell es, junto al alemán Händel, el compositor barroco más famoso de Inglaterra, y uno de los más importantes de la historia del país. Si acotamos el campo hacia la ópera, es aún más importante, ya que tras su muerte, hubo que esperar hasta Benjamin Britten, dos siglos y medio después, para encontrar un operista inglés de su calibre. Estrenada en 1687, con libreto del dramaturgo Nahum Tate, basado en una obra suya y en la Eneida de Virgilio, "Dido y Eneas" es la única ópera de Purcell, pero su música escénica se extiende con las famosas semióperas (música cantada que acompañaba a obras de teatro) como King Arthur, The Fairy Queen o The Indian Queen, que se vio en Madrid hace once años en unas representaciones memorables. Por su corta duración, de poco más de una hora, y su popularidad, Dido y Eneas es bastante frecuente, y en la capital se ha visto con muchísima frecuencia por prestigiosas orquestas barrocas, y en los últimos cinco años, ha sido escenificada dos veces, la última en enero de 2023 con William Christie y coreografía de Blanca Li. Ahora viene a Madrid, en versión de concierto, de gira con la compañía de la Ópera Real de Versalles, con un reparto liderado por Yoncheva, tras haberlo representado la semana pasada en la ciudad palaciega francesa.

El elenco, en Versalles, en la producción allí escenificada la semana pasada. Foto propiedad de Olyrix.

La Orquesta y Coro de la Ópera Real de Versalles sonaron espléndidos bajo la dirección de Stefan Plewniak. La orquesta fue de menos a más muy rápidamente. Una pena que el electrizante e intenso preludio no se acomodó a la acústica, ya que las cuerdas, muy ágiles, parecían tener un sonido más bien delgado. Pero eso se solucionó muy pronto. A partir del final del primer acto, y en todos los interludios orquestales añadidos, la agrupación por fin se hizo con la sala y sonó espléndida. Plewniak da una dirección enérgica. Muy bellas las tiorbas antes de la entrada de Eneas, la viola da gamba al comienzo del aria final, y en general en los interludios del segundo acto, de lucimiento para todas y cada una de las secciones. El Coro sí sonó formidable en todas sus intervenciones, especialmente en el final, tras el aria de Dido, con un toque casi religioso, que el coro abordó de forma sensible, emocionante, más aún cuando al final, poco a poco se situaron al borde del escenario, sumándosele el resto del elenco (menos Yoncheva), concluyendo de forma conmovedora el concierto.

En el rol de Dido, Sonya Yoncheva tiene una voz oscura y voluminosa para lo que suele ser este tipo de repertorio. Si bien ya cantó esta ópera al menos una vez, en Moscú en 2010 con Christie. Ante la pequeña orquesta, y su estilo vocal, no solo se hacía oír por encima de todos, sino que al principio, a veces daba la impresión de que la producción estaba hecha para mayor gloria suya. Su entrada en "Ah, Belinda" fue realmente hermosa, con su timbre más dramático, cantando la pieza con una sensibilidad elegíaca, de forma exquisita. Luego en el segundo acto cantó con una dramática coloratura en su breve intervención "The skies are clouded, Hark!" En el tercer acto, abordó su gran escena con enjundia dramática, y así la famosa aria final "When I am laid in Earth" la cantó con entrega y dramatismo, aunque a veces un poco nasal, pero nada que pueda empañar un momento mágico como aquel. 

El barítono Halidou Nombre interpretó a Eneas, con una voz potente, con un apreciable grave, aunque el timbre algo gutural, pero después de Yoncheva tenía la voz más grande. Ana Vieira Leite fue una notable Belinda. Irregular la Bruja y el Marinero del tenor Attila Varga-Tóth, quien no tuvo un segundo acto muy brillante, pero en el tercero mejoró notablemente. Mucho mejores  Pauline Gaillard y Yara Kasti como las otras brujas, especialmente Gaillard con su voz ligera, con una divertida y grotesca entonación que conviene al personaje. El contratenor Arnaud Gluck como el espíritu y Lili Aymonino, quien tuvo una breve y bien interpretada intervención añadida en el segundo acto, cumplieron con sus personajes.

La sala estaba no estaba llena, de hecho había grandes vacíos en las zonas más altas y en la tribuna, lo que da cuenta de lo poco publicitado que estaba el evento (organizado por Impacta, una empresa privada, si hubiese estado en Universo Barroco las entradas ya se habrían agotado hacía tiempo) y de los precios de las localidades (lo que se notaba en lo muy arreglada que iba la gente en el patio de butacas). Pero al terminar el público aplaudió entusiasmado, estábamos los que teníamos que estar. Pero no se quedó en eso. Hubo dos propinas: la primera, todo el elenco, con Yoncheva incluida, interpretó junto al coro "Tendre Amour", de la ópera Les Indes Galantes, de Rameau. Después, todo el elenco bailando, invitando al público a dar palmas, y con Yoncheva bailando con la pandereta, interpretaron Forêts Plausibles, de la misma ópera. De esta forma se cerró una magnífica velada de ópera barroca. 

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Belcanto made in Spain: entregada y exitosa Marina en el Teatro de la Zarzuela.

 

Madrid, 18 de octubre de 2024.

"¿Aún no has visto Marina? Pues deberías." 

Fue lo que me dijo un amigo en el año 2013n cuando el Teatro de la Zarzuela programó Marina en una nueva producción de Ignacio García, con tres repartos de lujo, el primero con Mariola Cantarero, Celso Albelo y Juan Jesús Rodríguez, que fue filmada y emitida en televisión. Le hice caso, y la vi en "la noche de los teatros" de ese año, que coincidía con el miércoles santo.

Si hay una ópera que defina el "belcanto" español, esa es la Marina de Emilio Arrieta, una de las pocas óperas españolas  célebres, tanto, que muchas veces se etiqueta erróneamente como zarzuela. Aunque como tal se estrenó en 1855. Sin embargo, la Marina tal y como hoy la conocemos se debe una iniciativa del célebre tenor italiano Enrico Tamberlick, que quiso cantarla en el Teatro Real, para lo cual se convirtió en una ópera al estilo belcantista, que fue estrenada en su nueva versión en 1871. Ya para entonces, las óperas de nueva creación habían dejado ese estilo, pero su repertorio seguía siendo el mayoritario en los teatros, especialmente en los españoles. Ciertamente, su música es tan ágil y virtuosa, como los intérpretes que requiere, que uno hace pensar que si esta ópera fuera italiana, posiblemente sería más interpretada en todo el mundo. Al oírla, uno parece que estuviera escuchando un sucedáneo, valioso eso sí, de una ópera de Donizetti o Bellini. La tesitura del rol de Marina recuerda a heroínas de óperas tales como Lucia di Lammermoor, La Sonnambula o I Puritani. La música belcantista, que acompaña a historias ambientadas en cortes medievales o renacentistas, o en idílicos pueblos europeos, aquí lo hace en una comunidad de pescadores en una pequeña ciudad de la Costa Brava catalana. 

Hacía siete años que no se veía la obra del maestro Arrieta en el Teatro de la Zarzuela, después de una reposición en 2017. Ahora regresa en una nueva producción igualmente tradicional, pero de diferente estética, a cargo de Bárbara Lluch, quien adelanta la acción a principios del siglo XX, creando unas imágenes más propias de postales idílicas de una playa de vacaciones sacada de un cuadro de Sorolla, algo que parece reforzar el vestuario diseñado por Clara Peluffo. Si bien Marina es una enérgica joven aldeana, Jorge y Roque parecen sacados de la tripulación del mismísimo Titanic. Por no hablar del vestuario de Jorge y Pascual en la boda de este último, demasiado elegante para un astillero. El hecho de que veamos a los aldeanos con gente elegantemente vestida hace pensar que los turistas van para presenciar una boda de pueblo. O que la posición de los personajes es más elevada que en la historia original. La escenografía de Daniel Bianco es la misma para toda la obra: con el mar y el cielo recreados por animación y proyectados sobre el espejo, con arena en el escenario dando la sensación de estar en una playa real, presidida por un pasillo de madera. La animación y la recreación del cielo es estupenda.  El segundo acto muestra la misma plataforma de madera, pero dentro de la astillería.  La coreografía de Mercé Grané prevé unas danzas y una divertida pelea final. El montaje de Lluch podrá no ser tan fiel en ambientación, pero permite el entendimiento de la obra y su estética tradicional no molesta, incluso llega a agradar al público.

La función de anoche, cantada por el segundo reparto, ha sido una función inspirada en todos los sentidos. La Orquesta del Teatro de la Zarzuela, dirigida por José Miguel Pérez-Sierra, ha sonado todo lo entregada que ha podido, notándose que ya tienen la obra rodada. El segundo acto fue de lucimiento para la cuerda, el arpa y el clarinete, secciones que brillaron. Un poco torpe pero igualmente cargado de patetismo el metal en el preludio del tercer acto, con esa trompa presagiando los conflictos que están por venir.  El Coro del Teatro de la Zarzuela estaba igualmente entregado.

Es curioso cuando la protagonista tiene el mismo nombre que la cantante que lo interpreta. Pero Marina Monzó cumplió las expectativas para el personaje: por su técnica, su habilidad con la coloratura, su voz carnosa y al mismo tiempo con agudos impresionantes. Sacó adelante el rol de principio a fin. Además, es una mujer muy joven y muy bella, lo que hace que sea una Marina completa. 

Celso Albelo, quien cantó Jorge en 2013 en este escenario, repite con el mismo personaje. Once años después, la voz ha madurado, pero sigue impresionando con su juvenil voz y su volumen, que llena la pequeña sala, y sus potentes agudos, especialmente un sobreagudo con el que cerró el acto segundo.

Pietro Spagnoli, a quien hacía tiempo que no veía en un escenario, sigue en plena forma como Roque, especialmente en lo escénico, ya que llenaba el escenario con su presencia. 

Notable el Pascual de Javier Castañeda.

Se nota el cariño del público por Marina. Todas las entradas estaban vendidas, y el público aplaudía con entusiasmo tras cada número. Al finalizar el Rondó que concluía la ópera, el teatro se vino abajo, con atronadoras ovaciones, tras una estupenda noche de ópera. 

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