sábado, 26 de noviembre de 2022

Singing, dancing, feeling the myth: Monteverdi's L' Orfeo in Madrid, by Sasha Waltz.


Madrid, November 24, 2022.

It isn't the first opera ever composed, but since it consecrated the genre of opera, as we know and appreciate, after years of genesis, in which it tried to revive the ancient greco-roman dramas in the Renaissance Italian court palaces, it is by far the first great opera of the standard repertoire, and the oldest one to be performed regularly. We owe a lot to Claudio Monteverdi's Orfeo, so that is why on February 25, 2007, the world celebrated the genre's 400th Birthday, to conmemorate that event which took place four centuries ago, in 1607 in Mantua. Two decades later, opera was already performed in theatres, and in the next century, the castrati established the operatic stardom.

This is not an strange opera in Madrid: in 2008 took place the premiere at the Teatro Real by William Christie and Les Arts Florissants, staging the Monteverdian trilogy in its stage. In 2017, Paul Agnew brought it to the Teatros del Canal, and last February it was performed at the Auditorio Nacional with Ian Bostridge and L'Europa Galante. Now this masterpiece in history of music returns to the Teatro Real, for a four-performances run.

Sasha Waltz is one of the world leading choreographers, and like her legend colleague Pina Bausch, she has directed stagings in which singing and dancing were merged. For her new, immersive production of L'Orfeo, she even goes beyond: singers and dancers sometimes interchange their performances, as they sing and dance at the same time. Hers is a version of visual, aesthetical beauty. Her dancing company, Sasha Waltz and Guests is an accomplished group of dancers, with skilled, amazing dancing movements. This choreography reinforces music and dance. 


There is no curtain, and a wooden scenic platform in the middle of the stage splits the orchestra in two parts. In this scenic structure the action takes place, and as mentioned before not always clear who is dancing and who is singing. Costumes are white during the feast in Act 1 and dark during the Underworld scenes, as well as the dances are more cheerful, classic in the happiness of the beginning and more visceral, powerful in the dark Acts 3 and 4. A forest is seen in the first half in the bottom, to give way to a grey, rocky, empty landscape, representing the Hades. This is the greatest achievement of the staging, conveying the despair, horror, anxiety and sadness of the place. Act 4 begins with a long, silent dance, with no musical accompaniment and the hall completely dark, shortly before the Pluto and Proserpina scenes. At the end, all choristers, singers, excepting Orfeo and Apollo dance the cheerful final Moresca, joined by the conductor and the orchestra. 

The world-famed Freiburger Barockorchester, conducted by Leonardo García-Alarcón, has given a devoted rendition, commited to the stage and the choreography, with agile, rapid tempi. Waltz doesn't go too far from the original ambiance in which this work was premiered, by joining singing and dancing. In addition, the audience is somewhat involved, as in the Toccata, the trumpets enter into the parterre and play it amidst the audience. The percussionist Peter Kuhnsch has a prominent participation in the score. The violin, harp, and cornetto had their most shining moments in the outstanding, long aria "Possente Spirto", in which every section responds Orfeo's lament. As the work was going by, the performance became more and more breathtaking, as well as intimist, dark and vivid.


The Vocalconsort Berlin was the chorus, having quite a challenging task, dancing and singing at the same time, but they succeeded as they were very commited to the choreography. They did chilling versions of the Act One chorus, as well as deep, stark rendition of the final male chorus in Act 4. As actors they conveyed the emotions, as one could see them similing very happy at the beginning and very serious and wild during the Underworld scenes.




Georg Nigl was Orfeo. His voice is not very dark, so he is in an intermediate stage between the high voice of a tenor and the dark register of a baritone, which fits in the early 17th Century recitative singing. His volume sometimes is not big, but this is convenient for conveying the different moods of the character, specially when he says in a thin voice "Rendetemi il mio ben", almost in a crying begging to the spirits of Hell to give Eurydice back.

Two singers were by far the revelation of these performances. The bass Alex Rosen was a great surprise with his dark, deep tone, and powerful voice as Caronte. Luciana Mancini's Proserpina was really unforgettable. This Swedish mezzo-soprano is able to sing, with her powerful, dark-toned, well projected voice, and at the same time to dance the choreography as well as the skilled dancers. 

Charlotte Hellekant took the double role of the messenger and Hope (La Speranza), in the latter role, her rendition of Ecco l'altra palude was one of the best moments in the show. Her elegant profile, gave an ethereal touch to her performances. Konstantin Wolff as Pluto had a voice sounding a bit gutural. Julie Roset is a young soprano with a sweet, charming tone, in her double role as Music and Eurydice. The rest of the cast sang at the same devoted level as the dancers did their part, as well as interchanging roles.


The four-performances run has been very well received by critics and audience, and at least two performance were sold out. Sasha Waltz has won over Madrid audiences with her dreamlike, cheerful and at the same tame dark choreography, recreating a successful modern vision of the myth of Orfeo. Definitely, one of the big events in the current Madrid operatic season, in a Baroque opera night of the highest level.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.
Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.
Any reproduction of my text requires my permission.

viernes, 25 de noviembre de 2022

Un Orfeo cantado y bailado en la mágica visión de Sasha Waltz: L'Orfeo de Monteverdi, en el Teatro Real.


Madrid, 24 de noviembre de 2022.

No fue la primera stricto sensu, pero cuando Monteverdi estrenó su Orfeo el 25 de febrero 1607 en la corte del Duque de Mantua, sucedió algo grandioso: un género tímido que aunaba música y teatro, cuyos temas mitológicos trataban de resucitar el esplendor de los dramas de la Antigüedad grecorromana, acababa de nacer. Se trata ni más ni menos que de la ópera. En las cortes palaciegas renacentistas, sin saberlo, se gestaba un nuevo género musical que siglos más tarde influiría hasta más allá de la música. Si bien a finales del siglo XVI se compusieron las primeras óperas, con la Eurídice de Jacopo Peri siendo la primera conservada, la primera gran ópera, la que asentó el género, la que inició el camino que hoy sigue imparable, y desde luego la primera del repertorio tradicional, fue "La Favola d'Orfeo" o La Fábula de Orfeo en español, de Claudio Monteverdi. Dos décadas más tarde, la ópera ya se representaba en teatros, como la Poppea del mismo autor. Y un siglo más tarde los castrati asentarían el estrellato musical. Mucho, pues, le debemos a este Orfeo.

No es esta una ópera infrecuente en Madrid. Desde su estreno en el Teatro Real en 2008, con un ciclo que bajo la dirección de William Christie y Les Arts Florissants trajo la trilogía Monteverdiana a la capital, esta obra maestra se ha visto varias veces en la capital: en 2017 la trajo Paul Agnew, y más recientemente la trajo Universo Barroco en versión concierto al Auditorio Nacional, con Ian Bostridge. Ahora vuelve al regio coliseo en una tanda de solo cuatro representaciones.



Sasha Waltz es una de las más destacadas coreógrafas del mundo de la danza. En muchas ocasiones, y como haría su colega, la legendaria Pina Bausch, Waltz ha unido danza y canto, dirigiendo montajes de óperas donde estas dos artes se unen.  Y en esta ocasión ha ido incluso más allá. Porque en su idea de hacer un espectáculo total, Waltz hace que los cantantes bailen y los bailarines canten. En su visión del mundo de Orfeo, la inmersión de los artistas es definitiva. Lo hace además en un espectáculo de gran belleza visual. Hay que destacar la enorme calidad de su compañía Sasha Waltz and Guests, cuyos bailarines poseen la agilidad suficiente para marcarse danzas increíbles, como la inicial en el momento del monólogo de la Música. La coreografía refuerza la música y viceversa. 

No hay telón, y una plataforma enorme de madera divide en dos a la orquesta que está en el escenario.  Es la estructura escénica donde se moverán cantantes y bailarines, en un montaje donde no siempre está claro quién tiene tal y cual función.  El vestuario es de blanco en el mundo de los vivos y negro en el Hades. En el fondo del escenario, primero una imagen de un bosque, que luego da lugar a paisajes oscuros y tétricos para representar el Hades. Precisamente es esta la parte mejor lograda de la puesta en escena, con Orfeo siendo seducido por la Esperanza, y luego las escenas de Caronte, acompañadas de una danza más visceral.  De hecho, el acto cuarto se inicia con una larga y prolongada danza sin ningún acompañamiento musical, tras la cual se introduce a Proserpina y Plutón, los reyes del Inframundo. Todo esto acompañado por un fondo gris sugerido por la iluminación y la imagen al fondo de un suelo rocoso ante el que se abre el vacío de un cielo grisáceo, que ya no abandonará a Orfeo, haciendo que entre por los ojos del espectador la soledad, lo tenebroso del Hades. Al final, la obra se cierra con una danza del coro, bailarines  y músicos de la orquesta, el director incluido,  aunque sin Orfeo ni Apolo. 

De esta manera, Waltz con su espectáculo inmersivo, no se aleja mucho de como pudo ser en el estreno de la obra en el siglo XVII, una unión de danza y canto, que también consigue ser inmersiva con el público, ya que durante la Toccata, o el dúo de Orfeo y Apolo, las trompetas hacen su entrada desde el patio de butacas. 

La prestigiosa Freiburger Barockorchester, dirigida en esta ocasión por Leonardo García-Alarcón, es una de las orquestas barrocas más prestigiosas del mundo, y no es desconocida para el público de Madrid. La agrupación barroca, con una veintena de músicos, ha dirigido una versión esmerada de la obra. Una veintena de músicos se ha puesto al servicio de la danza y el canto, en una versión ágil, de tempi más bien rápidos. Excelentes el primer violín y el arpa, sobre todo en el Possente Spirto, donde varios instrumentos Dan réplica a Orfeo en su estremecedora y larga súplica a Caronte. También una mención de honor al percusionista y al metal, quienes interpretaron la Toccata y varios de los interludios musicales del tercer acto. 

El Vocalconsort Berlin hizo las veces de coro, el cual dio una versión estupenda de los coros más tristes como los del segundo acto, o el del final del acto cuarto. 

El reparto vocal, en consonancia con las indicaciones de Waltz, tuvo por delante un duro trabajo. Nada puede negar su dedicación a la puesta en escena, pero no puede negarse que el nivel no ha sido uniforme en la excelencia. 




El barítono Georg Nigl interpretó a Orfeo. Su voz no es tan grave, lo cual se sitúa en una situación intermedia, cuando se elige si es un tenor o un barítono quien interpreta al protagonista. La voz se deja oír, aunque no siempre tiene el mismo volumen. Aunque eso lo puede usar a su favor al recrear los distintos estados de ánimo por los que pasa el pobre Orfeo, especialmente cuando recita en piano, con un hilo de voz "Rendetemi il mio ben" en el tercer acto. Su interpretación del momento más impactante de la ópera, el largo "Possente Spirto" sí lo abordó con gran dramatismo, transmitiendo el conmovedor lamento del protagonista, y con un canto sensible, frágil, que se unía a la tiorba, al arpa y al violín. A medida que iba avanzando la obra su interpretación se volvía más desgarradora. 

Alex Rosen como Caronte fue una de las dos grandes sorpresas de la noche, con su poderosa y gravísima voz. Sus dos breves intervenciones eclipsaron a Orfeo. La otra gran sorpresa fue la Proserpina de Luciana Mancini. Esta mezzosoprano sueca es una rara avis en los teatros. No solo por su bella, generosa en volumen y bien proyectada voz de timbre oscuro e imponente, sino porque también es capaz de ajustarse a la coreografía, merced a su espectacular físico, como cualquier otro de los bailarines. 

La veterana Charlotte Hellekant tiene una bella voz aún, y es una gran actriz, además de tener un porte elegante. No obstante, la voz no siempre se deja oír. Con todo, su interpretación de la Esperanza fue uno de los mejores momentos de la noche. Konstantin Wolff como Plutón tiene una voz con un timbre un tanto gutural. La joven Julie Roset tiene una voz dulce y encantadora, en su doble papel como la Música y Eurídice.

El resto del elenco se mantiene en un nivel vocal entre aceptable y bastante bueno, pero sin quitarles mérito al compenetrarse con los bailarines, al alternar canto y danza. 


Las cuatro funciones se han saldado con un enorme éxito de crítica y público, algo raro y que le costó mucho más conseguir a la Aida del mes pasado. Orfeo es una obra maravillosa, y aunque el teatro no estaba lleno, no cabe duda de que Sasha Waltz ha conquistado Madrid con su onírico, alegre y al mismo tiempo tenebroso mundo de danza, música y mitología.

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso

lunes, 14 de noviembre de 2022

Waltraud Meier se despide de España: concierto en Barcelona junto a Irene Theorin y Lise Davidsen.


Barcelona, 13 de noviembre de 2022.

Arte, belleza, temperamento, sentido teatral, inteligencia, musicalidad, racionalidad germánica, potente voz ... todas estas cualidades, aumentadas superlativamente, han formado parte de la carrera de Waltraud Meier, una de las más grandes intérpretes wagnerianas de las últimas décadas. En cuarenta y seis años de carrera, la legendaria mezzosoprano alemana ha cautivado a públicos de todo el mundo con su innegable magnetismo en escena. Además, desde su debut en el Festival de Bayreuth en 1983, con tan solo veintisiete años, en el rol de Kundry, en el Parsifal de Richard Wagner, se convirtió en un referente internacional en las óperas del maestro. España es un país en el que la Meier ha cantado en varias ocasiones, pero quizá menos de las que muchos aficionados hubiéramos querido, especialmente en los últimos años. Valencia, Madrid y Barcelona han sido las principales plazas líricas, aunque ha habido otras más (Sevilla, Alicante, Canarias, entre otras), donde la diva de Wurzburgo ha impresionado, emocionado a los españoles con sus grandes interpretaciones de Wagner, Richard Strauss, Beethoven, Wolf o Mahler.

Quien esto escribe ha tenido el privilegio de verla hasta cinco veces, todas en Madrid. Cuando era adolescente, ver a una mujer tan radiante y bella en las fotos de los libretos de ópera (especialmente en el Parsifal dirigido por Barenboim en Berlín en 1990, cuando estaba en la cima de su carrera y su belleza), me hacía imaginarla como la más idónea para el rol. No pude verla en su rol insignia, Kundry, pero tuve la fortuna de verla en 2003, en La Valquiria, como Sieglinde, en 2005 como Ortrud en Lohengrin, en 2008 en Tristán e Isolda, con una Isolda memorable en Madrid, y como cantante de concierto, en 2006 con la Novena de Beethoven dirigida por Barenboim en la Plaza Mayor, y en 2016, en su triunfal regreso a la capital, en una crepuscular pero aún hechizante interpretación en La Canción de la Tierra de Mahler en el Auditorio Nacional. En Barcelona también ha dejado interpretaciones memorables: en 2008, una Valquiria junto a Plácido Domingo, o en 2016 como Clitemnestra en la Elektra de Strauss.


No pude verla en esa Elektra de 2016. Por otro lado, siempre soñé con la idea de despedirla cuando se acercara el final de su carrera. Ese momento está cerca: en octubre de 2023, Meier de despedirá de los escenarios en Berlín, por lo que el concierto que ha dado esta noche en el Gran Teatre del Liceu, junto a la diva de la siguiente generación, Irene Theorin, y la diva de la generación presente, la joven promesa Lise Davidsen; supone su despedida de los escenarios españoles. En una de esas ocasiones en que raramente la vida lo complace a uno, el programa de su concierto final en nuestro país reune escenas de Wagner y Strauss. Junto a ellas, la Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu estuvo dirigida por el maestro Josep Pons.

Primera parte

Richard Wagner (1813 – 1883)

Tannhäuser

"Dich, teure Halle"

"Allmächt'ge Jungfrau, hör mein Flehen!"

Lise Davidsen

Götterdämmerung

“Höre mit Sinn” (Escena de Waltraute)

Waltraud Meier

Tristan und Isolde

Preludio y "Mild und leise" (Muerte de Isolda)

Iréne Theorin


Segunda parte

Richard Strauss (1864 – 1949)

Escenas de Elektra

“Allein! Weh, ganz allein” (Escena inicial)

"Die Tausende, die Fackeln tragen" (Escena final)

Iréne Theorin, Elektra

Lise Davidsen, Chrysothemis

Waltraud Meier, Klytämnestra

Poco antes de iniciarse el concierto, se confirmó que este sería el concierto de despedida de Waltraud Meier de los escenarios españoles.


El concierto inició con Lise Davidsen interpretando las dos arias de Elisabeth, de Tannhäuser. Es sorprendente encontrar hoy en día una voz así. Esta joven soprano noruega es una de las grandes promesas del canto wagneriano, y no es para menos: su voz es potente, llena el auditorio, tiene ese sonido contundente y oscuro de gran soprano dramática, y que en algunos momentos recuerda a las grandes glorias del pasado. Las dos primeras arias las abordó maravillosamente, con un canto en piano estupendo a mitad del Dich Teure Halle, transmitiendo la melancolía de su personaje, y en la oración del tercer acto sonando conmovedora.


Siguió la velada con la esperada aparición de Waltraud Meier, quien recibió una fuerte ovación. Cantó el monólogo de Waltraute de El Ocaso de los Dioses, la única ópera wagneriana que canta actualmente. La voz de Meier ya ha pasado sus días de gloria, pero sigue teniendo ese timbre bello, aterciopelado, aunque ya más agudo que antes, que la caracteriza. El propio esfuerzo de la cantante en dar lo mejor de sí y no mostrar demasiados signos de debilidad, hacen que suene tan bien como siempre. Como actriz, la forma de decir, de transmitir a Wagner sigue incólume, la serenidad para describir el Walhalla que hace Waltraute sigue sonando tan enigmático como autoritario en la voz de Meier.


Siguió la primera parte con el Preludio y la Muerte de amor de Isolda. La orquesta dirigida por el maestro Pons sonó con unos tempi más bien lentos, a los que la acústica no ayudó en algunas zonas del teatro. No obstante, los violonchelo tuvieron un momento de gloria, especialmente con violonchelista principal quien estuvo muy inspirado. Poco antes de que terminase el preludio, apareció Iréne Theorin, para cantar una versión potente del Liebestod, aunque el agudo ya no le acompañase en esta obra.


La segunda parte constó de una amplia selección de la Elektra de Richard Strauss, en la que cantantes y orquesta estuvieron más inspirados, resultando en una interpretación inolvidable. La selección constó de dos partes: desde el monólogo de Elektra hasta el final del dúo de Elektra y Clitemnestra, y el final de la obra.

Theorin estuvo mucho mejor, demostrando que aún puede ser una excelente Elektra. La voz sonaba más segura, con excelentes e imponentes agudos, además de un timbre dramático, con una voz que parecía de repente no tener demasiados apuros aunque es evidente que Theorin ya no está en su mejor momento. Además sus expresiones transmitían la ironía y autoridad que desprende el personaje. Tanto en el monólogo, como en el aria Was Blutem Muss, como en el final, soltó unos agudos impresionantes. 

Davidsen siguió en su excelente nivel, ahora como una Chrysothemis con una voz potente, firme, con su peculiar tono dramático y oscuro, aunque esta vez parecía demasiado para este personaje que tiende a ser más lírico, pero aún parece pronto para Elektra. Impresionante al agudo que dio al final del dúo con Elektra. Hay esperanza con esta joven soprano, si cuida su voz.

Meier cantó todo el rol de Clitemnestra, por lo que puedo decir con orgullo que le he visto en vivo este rol completo, junto a sus grandes roles wagnerianos en el pasado.  Su Clitemnestra no es tan terrorífica como la de su grabación en disco con Barenboim en 1995, pero está cantada bellamente. Comparada con las gigantescas voces de sus compañeras, podría aparecer más debilitada, pero quizá esta limitación pudo jugar en su favor, porque gracias a su temperamento dramático pudo usarlo para recrear un retrato de una villana frágil, perdida, confundida y atormentada por sus crímenes. Durante la primera mitad de su intervención, no se notaron signos de decadencia, con su habitual nivel, especialmente en la escena "Ich will nichts hören". Durante la segunda mitad, con la terrorífica "Ich habe keine guten nächte", los graves de Meier, cercanos al parlato, transmitieron el terror de Clitemnestra al describir su enfermedad. Cerró su intervención con dos grandes agudos en "so bald das rechte blut" y en "damit ich wieder schlafe".


Un teatro puesto en pie ovacionó a las tres grandes divas, con unos aplausos tan prolongados que se seguían escuchando incluso al dejar la sala. Naturalmente, las mayores ovaciones eran para Meier.

Es triste ver a nuestros ídolos retirarse. Pero tienen todo el derecho del mundo a descansar. Waltraud Meier siempre será recordada por sus excelentes interpretaciones y por su inteligencia como artista. Mi, nuestra generación ha sido muy afortunada de poder disfrutar del arte de una gran intérprete wagneriano, un tipo de artista que suele escasear. He sido privilegiado de poder verla hasta seis veces en estos veinte años, desde que era un adolescente en aquella Valquiria de 2003 en Madrid, hasta este concierto, ya en mi treintena. Siempre la admiraremos y recordaremos.


A la señora Meier solo podemos darle las gracias por tanto arte, y por tantas inolvidables noches de ópera.

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

domingo, 13 de noviembre de 2022

Waltraud Meier's farewell to Spain: unforgettable concert in Barcelona with Iréne Theorin and Lise Davidsen.


Barcelona, 13 de noviembre de 2022.

Artistry, beauty, talent, sense of drama, intelligence, German rationality, intelligence, a gifted singing, a powerful and enraptuting singing... all those qualities, in a superlative level, can define Waltraud Meier's career and explain her status as the leading Wagner female singer in the last three decades. In her 46-year career, this legendary German mezzo-soprano has impressed, amazed and delighted audiences worldwide, specially since she made her debut in the 1983 Bayreuth Festival as Kundry, the beginning of her international stardom.

In Spain, Meier has been seen many times, but maybe to some of her fans, not as many as they would have wanted. Valencia, Madrid and Barcelona were the most visited cities by her, but also she sang in Alicante, Canarias, or Sevilla. To me, she was one of my divas from my teenage days, when I saw a radiant, beautiful woman in the libretto of Barenboim's Teldec CD of Wagner's Parsifal. I saw her live several times in Madrid: Sieglinde, Ortrud, Isolde, in Beethoven's 9th and Das Lied von der Erde. All of them dazzling nights, as well as I remember an amazing singer and actress. 



In the Wagner Spanish capital, Barcelona, she has also sung unforgettable nights such as a Walküre with Plácido Domingo, or Chéreau's Elektra in 2016.  As she has planned to retire in 2023, last night's concert has been her farewell performance to Spanish operatic scene, as it was announced shortly before the concert began. The concert was a Wagner and Strauss gala, accompanied by other two leading Wagner singers, Iréne Theorin, loved by the Barcelona audiences, and the rising star Lise Davidsen. The Gran Teatre del Liceu Symphony Orchestra was conducted by Josep Pons, the Catalan maestro for this repertoire at the Liceu.

Here is the program, as it was a promising night:

Part One

Richard Wagner (1813 – 1883)

Tannhäuser

"Dich, teure Halle"

"Allmächt'ge Jungfrau, hör mein Flehen!"

Lise Davidsen

Götterdämmerung

“Höre mit Sinn” (Waltraute's monologue)

Waltraud Meier

Tristan und Isolde

Prelude and Liebestod 

Iréne Theorin

Part Two

Richard Strauss (1864 – 1949)

Scenes from Elektra

-Allein! Weh, ganz allein ... Was willst du ... Ich habe keine guten nächte

-Die Tausende, die Fackeln tragen" (Finale)

Iréne Theorin, Elektra

Lise Davidsen, Chrysothemis

Waltraud Meier, Klytämnestra

The first part began with Davidsen singing the Elisabeth's arias from Tannhäuser. In all of them, she was really amazing. Her tone sometimes reminds the sound of the great legendary singers of German repertoire, as dark, big-volumed, and outsanding high notes, so it makes us to hope that in the future she would assume Isolde or Brünnhilde. Amazing her piano singing in Da er aus dir geschieden, wie öd' erschienst du mir , conveying Elisabeth's melancholy. The prayer from Act 3 was  a true lesson of dramatic singing. 

Then, Waltraud Meier appeared to sing her last remaining active Wagner role: Waltraute in Götterdämmerung. She sang the long monologue "Höre mit sinn". Meier is clearly past her past her vocal prime, but still the elegant, beautiful tone remains, even when she has lost some of her former amazing volume. Voice seems to be higher-toned, but the artistry, the fraseggio, the way of conveying dramatism and her own effort to sound as great as usual, trying successfully not to show many signs of vocal decay.

First part concluded with the Prelude and Liebestod from Tristan und Isolde. Josep Pons took the baton to conduct the Liceu Orchestra, in a rendition with slow tempi, in which the cellos had a good moment, specially the amazing leading cello. The parterre balconies have a bit affected acoustics, but it seemed they had few time to rehearse. Few instants prior to its conclusion, Iréne Theorin appeared to sing the Liebestod, in which she had a good performance, but with the high register now having difficulties for singing Isolde.

The second part was a big selection from Richard Strauss' Elektra, in which Meier sang all the part of Klytämnestra, so I could say that I saw her in this complete role live. It had two sections: a big one from the monologue until the complete duet between Elektra and Klytämnestra. And the other one, the finale. And this part was by far better than the previous one, as orchestra and singers were truly inspired, and the singers even acted their parts.

Photo from Spanish press.

Theorin was better as Elektra than in the Liebestod, as she commanded the role with her singing, more adequate, showing amazing high notes, and more clear than in the Wagner piece, a truly dramatic, velvet-like tone, and her acting full of irony and authority. Her monologue was breathtaking, and she improved her performance in the duets with Chrysothemis and Klytämnestra, as well as in the "Was blutem muss" aria. Her low voice was grave and dramatic. An unforgettable rendition.

Davidsen's Chrysothemis was even better sung than Theorin's Elektra, with the notes well fixed, projected and her dramatic, round, beautiful and dark tone resulting too big for this more lyrical role, but maybe is soon for singing Elektra. She gave amazing an amazing high note in "Ich muß bei meinem Bruder stehn!"

Meier sang the complete Klytämnestra, as said before. Her voice, compared to her colleagues' massive ones, could seem weakened, but in this role she showed her dramatic skills, showing a fragile, lost, confused and tormented Klytämnestra, as a result of her crimes. Her rendition of this role is always beautifully sung, not as scary as her referential 1995 recording, in her vocal peak. The first half of her performance was at her usual great level and recognisable tone, specially in the monologue "Ich will nichts hören". For the second half, the terryfing, almost atonalistic "Ich habe keine guten nächte", she used her low voice, close to parlato, to convey how scary her character was of the nightmares. Despite she was twice surpassed by the orchestra, she concluded her scene with two amazing high notes, in "so bald das rechte blut" and in "damit ich wieder schlafe".

The orchestra was better too, and Pons could extract a beautiful sound, specially in the strings, and the percussion. The slow tempi created some ambiance of the pathos of these tormented women. The final scene was well conducted, and as breathtaking it should be in Elektra.

The audience responded with an oustanding, tribute ovation to the singers, as they are very admired in Barcelona. As expected, Meier received the biggest applause, which was still heard as several people were still leaving the opera house. 

It is so sad to see our idols to retire, but they have the right to rest and to leave the stage when still they can hold the biggest level. Meier will always be remembered for her magnetic perforemances, her powerful voice in her prime, and her elegant, intelligent way of singing and telling the stories she performed. My, our generation is privileged to have seen a Wagner legend on stage, in a time when they are not very likely to find. I have been so privileged to have seen several times such a fine performer of my favourite music, since I was a 14 year-old little man, to now in my thirties. We will always remember, admire and miss her! 

Thank you very much, Frau Meier, for your artistry the your unforgettable operatic nights you gave us!

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.
Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.
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martes, 1 de noviembre de 2022

A suffering, tragic love triangle: Anna Netrebko sings Aida in Madrid.


Madrid, October 30, 2022.

Aida is one of the most popular operas worldwide. Because of its wonderful music, popularized thanks to the Triumphal March repeated endlessly in football stadiums. Also because of the "spectacular" label put by all the people who associate this work with lavish, peplum-styled stagings, with lots of singers, dancers on stage. In several cases, performed in  historical sites or big stadiums. Its story is also as fascinating since it was born because of the will of the Ismail Pachá, the Egypt Khedive, who actually brought opera to África for the first time. After a long time of reflexion and also reluctance, Verdi accepted. Other candidates for the project were Gounod or Wagner. With a story by Temistocle Solera, after a 18th Century Opera, Nitteti, and a staging by the renowned egyptologist  Auguste Mariette, since its premiere in 1871 in Cairo it started a successful performance history until today: from major opera houses to stadiums. 

However, behind these luxurious, lavish, glittering ambiance and decoration, there is a love triangle: three people who love intensely, passionately, and suffer a lot for it. A love in which there are involved the war between two nations, and the power of Egyptian clergy, whose criticism is always present in Verdian works. Aida, a woman divided between her loyalty to her defeated nation, an the love for the most brave general of the invading army. Amneris, a powerful, jealous, woman tormented by the unrequitted love to Radames, the courageous general who loves Aida, the princess of the enemy kingdom. This story lies on a beautiful music, as well as spectacular, descriptive, suggesting the psychology of the characters as well as the background, as Act 3 opens with a flute solo suggesting the Nile at night, or its finale not with the typical tutti of the grand opèra whose some conventions it takes (like Don Carlo), but with a tender, ethereal final notes merging the strings and the chorus.

The Teatro Real witnessed the Spanish premiere of Aida on December 12, 1874, and in its old history until 1925, it became one of the most performed operas. However, it has been different in the modern Teatro Real: since its re-opening in 1997, it was only revived three times: 1998, 2018 and now in 2022. In 1998, a new, lavish production was staged to show the technical capacities of the then renewed opera house. Aida was, inexplicably, not seen again until 2018. Maybe to compensate this long absence, it returns four years later, with three casts of the highest level. 

Hugo de Ana's staging appears renewed in each revival. The original 1998 production had an omnipresent pyramid. Now, several projections, holograms recreate the Ancient Egypt, and now a big obelisk dominate the stage. During the complete performance, 3D projections of Egyptian temples and statues, as well as images of people dancing or fighting are seen. Despite of helping to introduce into the Egyptian ambiance, these projections can overburden the sight, specially in the upper zones, where they cover much of the stage. For example, the Ptah temple, in which only the obelisk and the sandy floor are visible, but several projections are seen, some of them of people dancing which difficult the vision of the Radames consecration. Leda Lojodice's coreography is a bit strange to me in this scene, with the priestesses' dances now turned into a unbounding mummies one. Act 2 begins with a richly decorated stele, which represents Amneris' chamber. Here, the dances are better developed. The big moment is, obviously, the scene 2, with the grand march, the dances and big chorus. Big stairs, which are presumed to be part of the pyramid, now dominate the scene. Here, we can see the chorus wearing rich, colourful costumes, as well as a big procession of archs, statues, and of course the big dance, here with an interesting result, with the soldiers dancing during the march, and the female slaves seducting the soldiers in the ballet music. Act 3 is one of the best achievements here, now the pyramid, the obelisk and the dark blue lightning representing the night. The final scene is represented with a richly decorated wall, as well as projections of Egyptian gods.

The Teatro Real Orchestra, conducted by Nicola Luisotti, went in a slower tempi than in the Preview. Again, instruments sounded well, with a beautiful rendition of strings in the prelude, the flute in the dances, or the trumpets in Grand March or Radamés' trial. However, one could conclude that the orchestra was more accompaigning than creating. The oboe in O patria mia has to be mentioned by its accomplished performance. The Teatro Real Chorus, as usual, had a glorious night, not only during the Gloria all' Egitto in Act 2, but in breathtaking moments like in the Trial scene, or the Guerra, Guerra in Act One, in which the male choristers sang those lines with such vigorous entonation and projection, sounding amazing as well as menacing.

Anna Netrebko sings again in Madrid a complete staged opera, after her big success as Tosca last year. However, the world is completely different now. There is a war between her country, Russia, and Ukraine. Netrebko, in a very difficult situation, took her time to condemn war. Doing so, she could restart her career in the West, but still the Metropolitan Opera doesn't seem to reprise her contract. On the other hand, as a reprisal, the Siberian Opera in Novosibirsk vetoed her for not being "enough patriotic". Thanks to this, her Madrid contracts didn't need to be cancelled, as she gave her concert last July and now, she sings not only her two scheduled performance but three more, due to the cancellation of Maria Agresta, so the Madrid audience is privileged to have her in five performances. Like in her first one, outside the theatre there are some Ukrainian protesters against her former status in Putin's Russia, even showing her unfortunate picture with an East Ukrainian separatist pro-Russian leader. 

Netrebko has returned to delight the Madrid audience with her rendition of Aida, one of her most remarkable roles today. Her voice, now in a maturity stage, has a nice, beautiful tone, still with amazing high notes and filling the hall with her magnetism on stage. In the Numi, Pietà, she showed her amazing high register. Her voice could sound a bit worn because of the repertoire she has sung throughout her career, more recently the extremely difficult part of Turandot. In Act 3, she really reached her peak, starting with an unforgettable, exquisitely sung O Patria Mia, sung with tenderness, melancholy, and commanding the legato, the style, the high notes, all of them making the audience to go wild with an outstanding ovation she had at the end. During the rest of the act, she maintained that level, now with her dramatic portray of Aida's anguish in the duets with Amonasro and Radames. In the final duet, she sang again with her amazing high register, and beautiful pianissimi from Vedi? di morte l'angelo, and concluding with a delicious singing of O Terra Addio.

Her Aida is a suffering woman, but with strong temper, and energical, contrasting with the more frail portrait of Krassimira Stoyanova in the first cast. She was by far not only the most ovationed singer, but also the star, the leading singer in the cast.

Jorge de León sings Radames, a role he has sung in many theatres worldwide. The voice is powerful as usual, but also in a mature stage. Tone is heroic as usual, but sometimes it sounds a bit gutural, as a result of the beavy repertoire he has sung in the past decade. The Celeste Aida was really vigorous, sung at a full voice. However, he got some boo from the mezzanine. During the rest of the show he maintained that  level. He regained vocal strenght and stamina for Act 3, specially in the breathtaking final line "Sacerdote, io resto a te". He sang also a convincing, sorrowful as well as heroic rendition of La Fatal pietra.

Ketevan Kemoklidze was an Amneris with a big, dark, seducting mezzo-soprano tone, as well as with a dramatic intonation, which made her final scene in Act 4 really successful.

Simón Orfila was a well sung Ramfis, with a good rendition of the trial scene.

Gevorg Hakobyan was a great surprise with his powerful, well-sung Amonasro, which emanated authority and was impressive, maybe because of his somewhat rough tone, which is convenient for this role.

As the Pharaoh, Deyan Vatchkov had the low register, but lacked volume. Jacquelina Liveri was a good Priestess, as well as Fabián Lara sang well the small role of the Messenger.

The current season couldn't have had a better start, with one of the most beloved titles of the audience, in a well received performance. Anna Netrebko showed why she is one of the best Aidas available in the present-day operatic world.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.
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lunes, 31 de octubre de 2022

El sufrimiento de tres personas que aman: Aida en el Teatro Real con Anna Netrebko.

 


Madrid, 30 de octubre de 2022.

Aida es una de las óperas más populares de todos los tiempos. Lo es por la belleza de su música, popularizada gracias a su Marcha Triunfal, y lo es por el sambenito de espectacular, ya que tiene las convenciones de la grand opèra que triunfaba todavía cuando se compuso, y que están tan presentes en su obra Don Carlo. Su historia es fascinante desde el inicio, pues nació como voluntad del Jedive de Egipto, Ismail Pachá, un bon vivant quien llevó la ópera al país africano, y que decidió encargarle a un compositor europeo de renombre, una obra para inaugurar la ópera jedival, el primer teatro del género en el continente. Verdi, tras muchas reticencias, aceptó. Y a punto estuvieron Gounod y Wagner de recibir el encargo. El resultado, fue una historia en la que intervinieron Temistocle Solera, libretista habitual de Verdi, y el egiptólogo Auguste Mariette, quien diseñó la costosa y fiel (para la época) puesta en escena. Desde entonces, esta obra siguió un camino de éxito hasta el día de hoy: representada en muchos grandes teatros líricos del mundo, en estadios, incluso por compañías de ópera con mucho despliegue tecnológico que no siempre va a la par con lo musical. Muchos, al pensar en Aida, piensan en grandes coros, pirámides como decorados, elefantes, bailarines, cientos de figurantes. Y ciertamente, eso es parte de esta ópera, pero no la única ni la más importante. 

Detrás de esos oropeles hay un triángulo amoroso: tres personas que sufren intensamente por amor. Un amor en el que están involucrados la guerra entre dos naciones antagónicas, y el poder clerical, cuya crítica es recurrente en la obra verdiana. Una, Aida, dividida entre el amor a su patria y el amor por el general que pelea contra ésta. Otra, Amneris, suspicaz, cauta, y atormentada por la certeza de que el hombre que ama no siente lo mismo hacia ella. Y el hombre, Radamés, fiel guerrero de su patria, dividido por el amor que siente hacia la princesa esclava del reino enemigo. Un amor que al menos en vida, no tiene nada de éxito. Y todo ello con una música no solamente bella y espectacular, sino también descriptiva, que en el tercer acto comienza evocando la noche egipcia y hasta su calidez, y con el drama en vena, que lejos de empezar y acabar con los zambombazos de una grand opèra de su tiempo; empieza con un bello preludio de cuerdas y acaba con unas notas finales tranquilas, que unen paz y dolor, en esa unión de coro, y orquesta.

El Teatro Real fue testigo del estreno español de Aida, en diciembre de 1874. En el antiguo Real, se representó muchas veces. No así en el Real moderno: en 1998 se abrió con la producción que ahora está en cartel, con todos los fastos posibles, que demostraban la nueva capacidad técnica del nuevo y reinaugurado teatro. Sin embargo, tuvieron que pasar veinte años, para que volviese al regio coliseo, en 2018, y con la misma producción ya renovada. Quizá para compensar tal ausencia, regresa ahora cuatro años después en su tercera reposición, y como entonces, con tres repartos del más alto nivel musical.

La puesta en escena de Hugo de Ana aparece renovada. En lugar de la famosa pirámide de 1998, ahora se ven proyecciones del Antiguo Egipto, y un enorme obelisco en medio. La ambientación ahora viene sugerida por la iluminación y la animación virtual. Aunque parezca que la animación ayude a recrear el ambiente, el exceso de la misma termina en toda la obra termina por sobrecargar, como en el primer acto o en el cuarto, con tanta proyección de monumentos, incluso de guerreros y de momias danzantes. La famosa escena del templo de Ptah en el primer acto es ejemplo de ello: solo están el obelisco y el suelo arenoso. Todo lo demás son proyecciones que desde arriba dificultan la visión del escenario. La coreografía de Leda Lojodice en esta escena me resulta extraña, con esa danza de momias desprendiéndose de sus vendas. El primer cuadro del segundo acto, es en la primera escena un enorme monolito ricamente decorado, como habitación de Amneris, lo que sumado a las danzas mejor resueltas, le da un toque de lujo exótico bastante convincente. El segundo cuadro  es la ya famosa escalinata, que se intuye parte de una pirámide, siendo la parte más espectacular, con una marcha triunfal y un ballet convencionales, cerrándose el cuadro con un desfile de enormes estatuas. El tercer acto es quizá el más logrado, ahora con la pirámide por fin visible, con la noche muy bien recreada, y el obelisco presente. La escena final también está muy bien lograda, con esa rica decoración de jeroglíficos y dioses egipcios en la que será la tumba de la pareja protagonista.

La Orquesta del Teatro Real volvió a estar bajo las órdenes de Nicola Luisotti, quien realizó una dirección quizá más lenta, que el día del estreno. De nuevo los intstrumentos volvieron a sonar bien, especialmente la cuerda en el preludio y en el final, así como la flauta en las danzas y las trompetas en la marcha triunfal, así como en los tutti orquestales del final de los actos segundo, tercero y la escena del juicio. No obstante, en esta ocasión la orquesta acompañaba más que creaba. Un momento inspirado, sin embargo fue el oboe en el O Patria mia. El Coro del Teatro Real volvió a tener una de sus gloriosas noches, tanto en el primer acto con sus tremendos "Guerra, Guerra", como en la marcha triunfal y desde luego el coro masculino en su tétrica escena del juicio del acto cuarto, donde el coro sonó tan estremecedor como amenazante.


Anna Netrebko vuelve a cantar una ópera entera en el Teatro Real desde su gloriosa Tosca el año pasado. Sin embargo, el mundo es hoy diferente. Hay una guerra entre Rusia, su país, cuyo presidente la condecoró, y Ucrania. Netrebko tardó en condenar la guerra, tras una pausa de unos meses, dada su complicada situación como artista favorita del género. Aun así, no le salvó del veto que el Metropolitan Opera de Nueva York sigue teniendo sobre ella, pero volvió a retomar su carrera en Occidente, con tan solo la protesta de la relevante Ópera de Siberia, que en venganza, la vetó por "poco patriótica". Por eso mismo, Madrid es una de las plazas importantes en volver a proyectarla internacionalmente, como con esta Aida de la que de dos previstas ha pasado a cantar cinco funciones. No obstante, en cada una de sus funciones madrileñas, hay ucranianos protestando por sus actuaciones, mostrando una fotografía de su muy poco afortunada aparición junto a un líder separatista de la zona prorrusa de Ucrania. 

Como fuere, Netrebko vuelve para deleitar al público de Madrid con uno de sus roles más destacados actualmente, la Aida verdiana. Su voz, ya madura, posee un timbre bello, que se hace notar, aún con impresionantes agudos, y llenando la escena con su dramático temperamento. Ya en el Ritorna Vincitor demostró un canto bellísimo, con un agudo espléndido en el Numi, Pietà, cargado de dramatismo. La voz está ya madura, incluso algo ajada tras cantar roles pesados como Turandot, lo que hace que el vibrato a veces sea un poco incómodo. Sin embargo, su Aida lideró al reparto y estuvo a varios niveles por encima. En el tercer acto estuvo simplemente memorable, primero con un O Patria Mia para el recuerdo, en el que cantó con un timbre bello, potente, melancólico, bien proyectado y con unos agudos, unas notas filadas que llevaron al público al delirio, premiándola con una fortísima ovación al final del aria. En los dúos con Amonasro y Radamés siguió con ese nivel, especialmente en el último, donde su voz sonó con increíble ternura en el dúo con el amado. De nuevo en el final, la soprano rusa volvió a deleitarnos con unos pianissimi, un legato exquisitos desde la etérea frase "Vedi? di morte l'angelo", y luego marcarse un O terra addio igualmente bello y conmovedor. 

Su enorme talla artística, que hace que voz y temperamento se unan para perfilar una Aida sufriente, pero de carácter, frente al enfoque más frágil de una Stoyanova en el primer reparto, hizo que al final fuese la más ovacionada, y con justicia, del elenco. Es una suerte que Netrebko cante en Madrid sus grandes roles.

Jorge De León interpreta a Radamés, un rol que ha cantado en los principales escenarios del mundo. La voz sigue siendo potente, pero ya en un estado de evidente madurez. El timbre suena heroico como siempre, pero a veces tiene también algún toque gutural y vociferante, especialmente en los agudos, fruto del desgaste por el repertorio tan potente que ha abarcado. El Celeste Aida fue sin duda vigoroso y cantado a plena voz, aunque no se libró de algún que otro abucheo. Durante el resto de la función se mantuvo así. Tuvo su mejor momento en el tercer acto, cerrándolo con la frase "Sacerdote, io resto a te", cantado de forma espectacular. Luego retomó su buen hacer en el final, con una versión doliente, y convincente, en La Fatal pietra.

Ketevan Kemoklidze fue una Amneris con bastante volumen y un timbre oscuro, seductor y una entonación bastante dramática, lo que añadió potencia a su gran escena del acto cuarto. 

Simón Orfila fue un Ramfis bien cantado, aunque quizá le faltase algo más de enjundia para este rol. No obstante, resolvió muy bien la escena del juicio del acto cuarto. 

Gevorg Hakobyan fue una agradable sorpresa como Amonasro. Una voz estupenda, bien cantada, que se dejaba oír por toda la sala y que emanaba autoridad, en parte debido a su timbre más bien rudo. 

Los demás intérpretes estuvieron al mismo nivel que los días anteriores. En esta ocasión la sacerdotisa estuvo interpretada por Jacquelina Liveri, quien estuvo igual de bien que Bauzá en el preestreno. Deyan Vatchkov igualmente carente de volumen pese a tener los graves, en el rol del Faraón y muy bien Fabián Lara como el mensajero. 

No podía empezar mejor la temporada, que con uno de los títulos más queridos por el público, en una representación bien acogida. En ella, Anna Netrebko demostró por qué es una de las grandes Aidas de hoy. 



Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

martes, 25 de octubre de 2022

A youthful, operatic big time for opening Madrid's season! Aida's Preview Under 35 at the Teatro Real.


Madrid, October 25, 2022.

Despite the 2022-2023  Teatro Real operatic season began with Glass' Orphée at the Teatros del Canal, the season starts officially in its majestic building with Verdi's Aida, in a lavish, peplum-styled staging, revived for a third time after its comeback in 2018, now in a collaboration with the Abu Dhabi Festival. The opening performance of the current season has been attended by Their Majesties, the King and Queen of Spain, alongside the Madrid jet-set, in a gala with an exorbitant cost per seat, rivalising with few major operatic houses in Europe.

However, the young people Under 35 could attend the Preview of the first cast four days before, on October 21, in a successful event in order to introduce youth into opera, to renew the audiences. In many cases, they have studied music before, in others, they just have fun, but every effort is welcome for this purpose. I could never forget that thanks to the Teatro Real's Youth policies, the best in the operatic world, I built myself as opera-goer for 21 years....



Hugo de Ana's staging, is really spectacular, very fit for conservative tastes, and merges technology and lavish sets, costumes and props to recreate Ancient Egypt on stage. Despite its bad reviews, the madrileño audience could consider themselves as fortunate, comparing this production with the deconstructive, decolonisating one by Lotte de Beer in Paris, or the recent one in London, setting it in  modern and totalitarian state. I spoke about this staging in my 2018 review, which happened to be my first one in English language, but I will speak again about it after I see the performance with Anna Netrebko next Sunday.

Nicola Luisotti conducted the Teatro Real Orchestra in a full of grace state. Luisotti's baton made the orchestra sound magic, powerful, with an enrapturing performance of the strings during the prelude. During the rest of the show it maintained a dramatic, dynamic tension, agile, vivid tempi, delving into Verdi's sense of theatre. Woodwind and Brass had a glorious night with flute shining during the Priestesses' dance in Act 1 or the Act 3 opening, as well as the brass in the final tutti in Act 2, the best orchestral moment in the night. The Chorus was at its usual great level, with the male section in a powerful, impressive singing and projection, so enthusiastic they sound in Act 1, Guerra, Guerra, Guerra, as well in their famous Act 2 scene.




As Aida, Krassimira Stoyanova makes at last her debut in the Teatro Real (she was to sing Desdemona in 2016, but she cancelled and was replaced by Ermonela Jaho), aged 60. Stoyanova is an exquisite singer (hints of her musicality are still very present), and as actress she is histrionic, with dramatic gestures in some scenes. Her low notes are beautiful, and one can taste her musicality in the piano voice, but in some parts, the singing seems a bit tired and nasal. Very remarkable her piano singing in Ritorna Vincitor, as well as an unforgettable rendition in Act 3, as well as her beautiful pianissimi in the final duet.

Piotr Beczała returns to Teatro Real after his 2018 Faust. A heroic Radamès, he has sung it in Salzburg last summer. The Polish tenor has a powerful voice, making his voice to be heard throughout the hall, in a vigorous singing despite his nerves during the Celeste Aida, like every tenor. In the rest of the show he sang comfortably and heroically. An elecrifying moment was the final line in Act 3, "Sacerdote, io resto a te", and he, alongside Stoyanova, was splendid in the final duet.


Jamie Barton was a great Amneris. With a tone, which sometimes reminds Marilyn Horne, this American soprano has an amazing low register and a grave, velvet-like singing, despite the voice sometimes lacked volume, being more suitable to belcantist repertoire than this role. As actress she is very skilled, and her final scene was simply unforgettable for conveying Amneris' despair very convincingly and did really amazed the audience with her passionate singing.

Alexander Vinogradov was a fine Ramfis, despite I liked him better in Nabucco last summer. Carlos Álvarez was an Amonasro depicted as noble, aristocratic despite his miserable state, with a fine, elegant singing. 

Deyan Vatchkov as the King of Egypt had a correct low voice, but he lacked volume. Marta Bauzá as the Priestess had a nice singing and Fabián Lara as the Messenger was excellent.


During the Intermission, four trumpeters disguised as Egyptians, suprisingly performed the Triumphal March in the lobby, which was a true surprise. After the show, a party (for which it was necessary to buy a ticket) was given to the young attendees. In the lavish salons, we were given a beer and two small but consistent wraps, before entering to the big restaurant, well-known in the city, in which a DJ played music and most of people dance and had their drinks very cheerfully.


A celebration of opera and youth. The Teatro Real hopes to renew the audience in the future. As I mentioned before, many of the attendees were familiar with opera because of their studies or their familiaity at home. In addition, times are changing. In these performances, I have noticed that the woos and whistles are replacing the bravos from the elder audiences. They showed how ovationed was the performance (despite being the dress rehearsal). Few times before my ears have had such an intense vibration, like at hearing them in this preview.

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