Juliet and her Romeo: Nadine Sierra and Javier Camarena delight the Madrid audience with the Gounod's opera.

Madrid, May 30, 2026.

This season dedicated to William Shakespeare at the Teatro Real is reaching its conclusion, having offered, among other things, a delightful version of Benjamin Britten's A Midsummer Night's Dream last March, and Verdi's Otello in September. Now it's the turn of a classic opera, highly regarded by audiences and finely presented: Roméo et Juliette, by Charles Gounod, is coming to Madrid until mid-June. French opera has also provided examples of the fascination Shakespeare exerted: the main examples being this Gounod opera and Ambroise Thomas's Hamlet. The last time this opera was seen in the capital was in 2014 in a concert version with the legendary Roberto Alagna and his wife Aleksandra Kurzak, conducted by the legendary Michel Plasson. I almost went, but the opportunity didn't arise in the end, missing a unique chance to see the great French tenor in my city. However, I did have the opportunity to see this opera live once: in the spring of 2010, the much-missed Ópera Moncloa company performed it in the auditorium of the Complutense University's Faculty of Medicine, and later at the Moncloa Cultural Center. I don't recall being particularly impressed, except for the most famous aria, "Je veux vivre dans ce rêve," but I recognize that it is a charming work. And I have seen the great Juan Diego Flórez, a remarkable performer of this opera, singing the tenor aria "Ah, lève-toi soleil!" in several of his concerts. However, the Teatro Real didn't stage completely this opera since the 1910s!

Now it returns to the Teatro Real in a spectacular staging from the Paris Opera, directed by Thomas Jolly, dominated by an enormous and ever-present staircase, a replica of the one in the palatial Opéra Garnier in the French capital. It is also accompanied by a light show by Antoine Travert , which was booed on opening night because the flashing lights reflected off the upper levels of the theater for an extended period. It is claimed that this has been fixed. Another novelty is the choreography by Josepha Madoki , which employs the urban dance style known as waacking, creating a modern contrast to this classic story. The enormous, baroque staircase, crowned by a big gate at its top, is decorated with chandeliers. It is a revolving stage, and as mentioned before, it is present in every scene of the opera. The most intimate scenes, such as the wedding in Act III, the lovers' duet at the beginning of Act IV, and the tragic ending where Juliet lies and then the lovers fall to their deaths, take place in a boat located beneath the platform's pillars. The production has a classic feel, reinforced by Sylvette Dequest's costumes , for the first act. It then becomes more modern, but in no way jarring. As for the lighting, it becomes problematic in the festive first act, as the light show involves the entire auditorium. The lights in the third-tier boxes cast a swirling glow that circled the entire hall, and then the ball lights did the same. It wasn't exactly comfortable, despite its visual impact.

The beautiful music was conducted by Carlo Rizzi, leading the Orchestra of the Teatro Real . The maestro's conducting began a bit too loud, but gradually balanced out, achieving some beautiful orchestral introductions in Acts Two through Five. Even so, at times it overpowered the singers. The  Teatro Real Choir, under the direction of José Luis Basso, once again demonstrated its excellent level. This chorus is capable of transitioning from powerful vigor to soft, breathtaking pianissimos, as its male members successfully did (something they are known for). 

Two casts, including two Romeos and three Juliets, have been called for these performances. The first is the most anticipated, featuring two highly acclaimed artists, favorites both in the capital and aworldwide: American soprano Nadine Sierra and Mexican tenor Javier Camarena. Both singers have delighted Madrid audiences for years. Camarena, with performances in La Fille du Régiment, L'Elisir d'Amore, Lucia di Lammermoor, La Favorite, and I Puritani, has brought Madrid audiences to a state of ecstasy, requesting encores for the first three. Sierra enchanted Madrid with her successful 2022 production of La Sonnambula, and again in 2025 with a Traviata in which she sang an unforgettable third act, on both occasions alongside Xabier Anduaga. 

In this performance, Sierra once again stole the show, displaying her full vocal prowess from the very beginning. Her breathtaking high notes, her dazzling coloratura, her ability to sustain notes, and her capacity to be heard throughout the theater were already present in the famous aria "Je veux vivre dans ce rêve," but these qualities not only remained but improved as the opera progressed. The highlight of the performance was undoubtedly the great poison scene and aria in Act IV, where she was absolutely magnificent, and the ovation afterwards was so outstanding that I even thought they would ask for an encore. 

Camarena, for his part, improved throughout the performance. His rendition of the aria "Ah, lève-toi soleil" from the second act was gentle and very sensitive. From the third act onward, and specifically from the wedding scene, his voice reached its full potential, and the vigor he displayed from then on remained until the end of the performance. In the scene that closes the third act and ends with Tebaldo's death, his performance stood out for its dramatic intensity. He even finished with a powerful high note, which was unfortunately drowned out by the orchestra and chorus, but still perceivable. Another of the virtues of this voice is his ability to sing softly and exquisitely, as he did at the end of the second act. The chemistry with Sierra is evident, and thus in the duet of the fourth act, both acting and vocally, they conveyed a sweetly enamored couple. I would even say that in their scenes together, thanks to Sierra, Camarena shone.

As always, Roberto Tagliavini, the bass, is impressive as Frère Laurent, with his dark, fleshy and powerful voice, which conveys authority on stage.

In the rest of the large cast, we find the veteran Laurent Naouri as Capulet, Juliet's father, whose voice is quite worn, but still audible, and whose stage presence remains undiminished. The equally veteran Sonia Ganassi played the nurse Gertrude, also with a rather mature voice, though her lower register helps to portray the matronly nature of the character. Heloïse Mas stole the show in her brief scene thanks to her delightful rendition of Stephano's aria, sung with a deliciously rich voice. David Lagares also stood out with his imposing bass voice in his brief scenes as the Duke. Benjamin Appl and Maciej Kwaśnikowski were notable as Mercutio and Tybalt, respectively.

When an opera is well served, even with its flaws, enjoyment is always guaranteed. That was the feeling of the audience at the Teatro Real, which almost filled the hall, and confirmed Nadine Sierra as one of its favorite divas, rewarding her with a thunderous ovation. Performances continue until June 13, the last of which is to be telecasted to cultural centers, and on the MyOperaPlayer platform. I don't want to conclude my review without considering myself fortunate to have had the opportunity to see two stars, Camarena and Sierra, perform live at the height of their careers. This isn't the case with all major singers: Netrebko and Kaufmann have visited us in their later years. And we still await a full opera with Lise Davidsen, Jonathan Tetelman, or Benjamin Bernheim. So let's celebrate our fortune, then.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

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Julieta y su Romeo: Nadine Sierra y Javier Camarena deleitan a Madrid con Gounod.

Madrid, 30 de mayo de 2026.

Esta temporada dedicada a William Shakespeare en el Teatro Real se acerca a su final, tras haber ofrecido, entre otras cosas, una encantadora versión de El Sueño de una Noche de Verano de Benjamin Britten el pasado marzo, y Otello en septiembre. Ahora es el turno de una ópera clásica, valorada por el público y presentada con los mejores mimbres: Romeo y Julieta, en la versión operística de Charles Gounod, viene a Madrid hasta mediados de junio. En la ópera francesa también se dieron ejemplos de la fascinación ejercida por Shakespeare: siendo los principales ejemplos esta ópera de Gounod, y el Hamlet de Ambroise Thomas. La última vez que esta ópera se vio en la capital, fue en 2014 en una versión en concierto con el mítico Roberto Alagna y su esposa Aleksandra Kurzak, dirigidos por el mítico Michel Plasson. Un servidor a punto estuvo de ir, pero no se dio la oportunidad al final, dejando pasar una única oportunidad de ver al gran tenor francés en el regio escenario. Sin embargo, sí tuve oportunidad de ver esta ópera en vivo una vez: en la primavera de 2010, la añorada compañía Ópera Moncloa la interpretó en el auditorio de la Facultad de Medicina de la Universidad Complutense, y posteriormente en el Centro Cultural Moncloa. No recuerdo que salvo el aria más famosa "Je veux vivre dans ce reve", me impresionara demasiado, pero reconozco que es una obra encantadora. Y he visto al gran Juan Diego Flórez, notable intérprete de esta obra, interpretar el aria Ah, lève-toi soleil! de tenor en varios de sus conciertos.

Ahora viene al Teatro Real en una espectacular producción procedente de la Ópera de París, dirigida por Thomas Jolly, presidida por una enorme y omnipresente escalera que es una réplica de la que hay en la palaciega Ópera Garnier, en la capital francesa. Además viene acompañada de un espectáculo de luces a cargo de Antoine Travert, la cual el día del estreno ha sido abucheada debido a que las luces destellantes impactaban en las zonas altas del teatro durante largo tiempo. Se asegura que se ha arreglado. Otra de las novedades es la coreografía de Josépha Madoki, que emplea la danza urbana llamada waacking, en un contraste moderno para esta historia clásica. La enorme y barroca escalinata, presidida por un portón en su nivel superior, está decorada con candelabros. Es un escenario giratorio, y como se ha mencionado antes, está presente en todas las escenas de la obra. Las escenas más íntimas, como la boda en el tercer acto, el dúo de los amantes en el inicio del cuarto, o el trágico final donde Julieta yace y luego los amantes caen muertos, tienen lugar en una barca situada debajo de los pilares de la plataforma. La producción tiene un regusto clásico, reforzado por el vestuario de Sylvette Dequest, para el primer acto. Luego se vuelve más moderno, pero en ningún caso resulta chocante. En cuanto a la iluminación, en el festivo primer acto se torna problemática, ya que el juego de luces involucra a la sala. Las luces de los palcos de la tercera planta emitieron un brillo que giraba por toda la sala, y luego las luces de bolas hicieron lo propio. No fue muy cómodo que digamos, pese a su impacto visual.

La bella música fue dirigida por Carlo Rizzi, al frente de la Orquesta del Teatro Real. La dirección del maestro empezó un poco subida de decibelios, pero se fue equilibrando hasta lograr unas bellas intervenciones en las introducciones orquestales de los actos segundo a quinto. Aun así, a veces llegó a sobrepasar a los cantantes. El Coro del Teatro Real, a cargo de José Luis Basso, volvió a mostrar su excelente nivel. Este coro es capaz de pasar del más potente vigor, a apianar logrando un efecto sobrecogedor, como lograron con éxito (algo habitual en ellos), sus integrantes masculinos. 

Dos repartos, incluyendo a dos Romeos y tres Julietas, han sido convocados para estas funciones. El primero de todos es el más esperado, pues cuenta con dos aclamadísimos artistas, favoritos en la capital y en el resto del mundo: la soprano estadounidense Nadine Sierra, y el tenor mexicano Javier Camarena. Ambos cantantes llevan años extasiando al público madrileño. Camarena con La Fille du  Régiment, L'Elisir d'Amore, Lucia di Lammermoor, La Favorite e I Puritani, ha llevado a los madrileños a tocar el cielo, bisando en las tres primeras. Y Sierra embrujó a los madrileños con aquella exitosa Sonnambula de 2022, y en 2025 con una Traviata en la que cantó un tercer acto de antología, en ambas ocasiones junto a Xabier Anduaga. 

En esta función, fue Sierra quien se llevó todo el protagonismo una vez más, mostrándose en plenitud de medios desde el inicio de la función. Sus agudos impresionantes, su pirotécnica coloratura, su facilidad para mantener notas, de hacerse oír en todo el teatro, estaban ya presentes en la famosa aria ""Je veux vivre dans ce rêve", pero que no solo se mantuvieron, sino que mejoraron aún más a medida que avanzaba la obra. El momento estrella de la función fue sin duda la gran escena y aria del veneno en el acto cuarto, donde estuvo pletórica, y la ovación tras acabarla fue tan grande que incluso pensé que pedirían un bis. 

Camarena, por su parte, fue de menos a más a lo largo de la función. Su interpretación del aria "Ah, lève-toi soleil" del segundo acto fue suave, muy sensible. A partir del tercer acto, y desde la escena de la boda, la voz alcanzó su plenitud, y el vigor que mostró desde entonces se mantendría hasta el final de la función. En la escena que cierra el tercer acto y que termina con la muerte de Tebaldo, la interpretación destacó por su dramatismo. Incluso terminó con un potente agudo, que desgraciadamente fue tapado por la orquesta y el coro. Otra de las virtudes que tiene esta voz es su capacidad de cantar en piano, de forma exquisita, como hizo al final del segundo acto. La química con Sierra es evidente, y así en el dúo del acto cuarto, a nivel actoral como vocal, ambos transmitieron a una pareja dulcemente enamorada. Incluso diría que gracias a Sierra, Camarena también brilló.

Impresionante como siempre el bajo Roberto Tagliavini como Frère Laurent, el sacerdote, con su oscura, carnosa y potente voz, que transmite autoridad en escena.

En el resto del largo elenco, podemos encontrar al veterano Laurent Naouri como Capulet, el padre de Julieta, quien tiene la voz ya muy gastada, pero aún se deja oír, y su entrega escénica sigue intacta. La también veterana Sonia Ganassi interpretó a la nodriza Gertrude, también con la voz ya bastante madura, aunque sus graves ayudan a retratar lo matronil del personaje. Heloïse Mas se robó la breve escena en la que aparece gracias a la divertida aria de Stephano, su personaje, interpretado con una voz deliciosamente carnosa. David Lagares también destacó con su imponente voz de bajo en sus breves escenas como el Duque. Notables Benjamin Appl y Maciej Kwaśnikowski como Mercucio y Tebaldo.

Cuando una ópera está bien presentada, aun con sus más y sus menos, el disfrute está siempre garantizado. Esa fue la sensación del público del Real, que llenó prácticamente la sala, y que confirmó a Nadine Sierra como una de sus divas favoritas, premiándola con una fortísima ovación. Hasta el 13 de junio hay funciones, siendo la última de ellas televisada a centros culturales y por MyOperaPlayer. No quiero cerrar mi crónica sin considerarme afortunado al tener la oportunidad de ver actuar en vivo a dos estrellas Camarena y Sierra, en la plenitud de sus carreras. No ocurre con todos los cantantes: Netrebko y Kaufmann nos han visitado en su madurez. Y aún esperamos una ópera completa con Lise Davidsen, Jonathan Tetelman o Benjamin Bernheim. Una suerte, pues.

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

Las fotografías escénicas son propiedad del Teatro Real.

ESP/ENG: La valquiria schubertiana. Lise Davidsen en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

 

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Madrid, 24 de mayo de 2026.

El Círculo de Bellas Artes cumple cien años, y esta temporada lo ha celebrado con un concierto excepcional (fuera de abono), y el más esperado de su Ciclo de Cámara. La gran soprano wagneriana de nuestros días, la noruega Lise Davidsen, y el pianista James Baillieu, han interpretado un recital compuesto exclusivamente por lieder de Franz Schubert; en el bello Teatro Fernando de Rojas, el cual se encuentra dentro del edificio del CBA. A sus treinta y nueve años, tras haber debutado con éxito el rol de Isolda en Barcelona y Nueva York, Davidsen se encuentra de gira con estos recitales dedicados a Schubert. Antes de venir a la capital, actuó en Gerona. Y llevará este programa a Londres y Nueva York, próximamente. Tan esperado era este concierto que consiguió agotar todas las localidades hace unas pocas semanas. En el entreacto, además, se ofreció una copa a los espectadores con motivo de esta celebración.

El programa fue el siguiente:

PARTE I 

Am Bach im Frühling, D 361 (Junto al arroyo en primavera) 

Ganymed, D 544 (Ganímedes) Der Zwerg, D 771 (El enano) 

Gretchen am Spinnrade, D 118 (Margarita en la rueca) 

Mignon-Lieder. Kennst du das Land, D 321 (Canciones de Mignon. Conoces la tierra) 

Gesänge aus Wilhelm Meister, D 877 (Cantos de Wilhelm Meister): Heiss mich nicht reden, n.º 2 (Nome hagas hablar) So lasst mich scheinen, n.º 3 (Dejadme lucir) Nur wer die Sehnsucht kennt, n.º 4 (Sólo quien conoce el anhelo) 

Der Tod und das Mädchen, D 531 (La Muerte y la doncella) 

PARTE II 

Der Musensohn, D 764 (El hijo de las Musas) 

Lachen und Weinen, D 777 (Reír y llorar) 

Suleika I, op. 14, n.º 1, D 720 (Suleika I) 

Auf dem See, op. 92, n.º 2, D 543 (En el lago) 

Der Blinde Knabe, op. 101, n.º 2, D 833 (El muchacho ciego) 

Du bist die Ruh, D 776 (Tú eres la paz) 

Die Allmacht, op. 79, n.º 2, D 852 (Omnipotencia) 

Die junge Nonne, D 828 (La joven monja) 

Erlkönig, D 328 (El rey de los Alisos) 

Litanei Auf das Fest aller Seelen, D 343 (Letanía en el Día de Difuntos)

BISES: 

An die Musik

An Die Natur.

Davidsen tiene unos medios vocales poderosos, que la han elevado a los altares wagnerianos. Su poderosa e imponente voz, que barre todo a su alrededor, cuenta con un volumen que recorría toda la sala, unos agudos impactantes y un timbre oscuro, dramático, ideal para las obras del genio de Bayreuth. Verla cantar en vivo hace pensar a veces en que uno está no solo ante una continuadora de la escuela escandinava wagneriana que Flagstad y Nilsson llevaron a lo más alto, sino también que lo más parecido que estamos a vivir lo que debió de ser escucharlas a ellas, es escuchar la voz de Davidsen. En un principio, uno podría pensar que para algo tan íntimo como el lied, esta sobrenatural presencia (tanto en lo vocal como en lo físico, pues esta mujer mide casi un metro noventa de altura) podría ser demasiado. Sin embargo, esta estrella wagneriana ha demostrado que con esos recursos, existen otras formas de cantar y transmitir el por otra parte heterogéneo mundo de los lieder schubertianos; que son igualmente válidas. Que canciones con una fuerte carga narrativa o que representan diálogos, se pueden interpretar como si de óperas se tratasen, ya que de alguna fuente Wagner tuvo que formarse para poder crear la vocalidad de sus dramas musicales. Y que Davidsen es capaz también de adaptarse y encontrar el modo de transmitir con éxito las intenciones del variado repertorio que ofreció anoche. Del mismo, la primera parte tuvo buenos momentos, pero la segunda fue para el recuerdo. 

De este modo, Davidsen pudo transmitir ternura cuando describía el país que describe Mignon en el evocador Mignon-lied, o con su excelente grave y su desgarradora declamación, reflejar la desesperación de la joven que huye de la muerte en Der Tod un das Mädchen, en la primera parte. Además, cada dos o tres canciones, tanto ella como el pianista se dirigían al público para introducirles en las piezas que estaban a punto de interpretar.

En la apoteósica segunda parte (para la que Davidsen se cambió de vestido), se convirtió en la genuina voz del amor en Suleika, dio una memorable interpretación de Du bist die Ruh, atacando la frase "von deinem glanz allein erhellt", primero con un poderoso agudo y luego en su repetición con un bello pianissimo. En Die Allmacht, cantó con todas sus fuerzas, como si fuera una mensajera de Dios, en un canto que traspasaba toda la sala, con solemnidad wagneriana. Erlkönig es una pieza cuya intensidad se presta a ser interpretada como una escena operística, algo que Davidsen logró, dando la sensación de que estuviera interpretando los grandes roles wagnerianos en los que es especialista. El programa se cerró oficialmente con la bellísima Litanei “Auf das Fest aller Seelen”, una preciosa e íntima pieza, que interpretó con una dulzura y una calma que, en contrapunto a Die Allmacht, eran totalmente angelicales. El concierto concluyó con dos bises, An die Musik y An die Natur, que interpretó bellamente.

Baillieu demostró su alto nivel como pianista, con unas interpretaciones memorables del Mignon-lied y Auf dem See, de gran belleza. Al final de la primera parte, además, interpretó de seguido las dos últimas piezas de la misma, sin descanso.

El concierto se cerró con fuertes ovaciones a la soprano, e incluso no se pudieron contener después de algunas piezas, como ocurrió tras Die Allmacht, algo normal después de una exposición vocal tan abrumadora. Davidsen con su sola presencia hizo que esta velada musical fuera inolvidable y que, sin haber nada wagneriano en el concierto, supliese la ausencia de este compositor esta temporada en la capital debido a su estilo. 

ENGLISH: The Schubertian walkyrie: Lise Davidsen in a Schubert-gala in Madrid.

Madrid, May 24, 2026.

The Círculo de Bellas Artes turns one hundred years old, and celebrates it with an exceptional concert (non-subscription), and the most anticipated of its Chamber season. The great Wagnerian soprano of our days, the Norwegian Lise Davidsen, and the pianist James Baillieu, have rendered a beautiful Schubert recital last night, performing some of his most beautiful lieder; at the beautiful Fernando de Rojas Theater, which is located inside the CBA building. At thirty-nine years old, after having successfully debuted the role of Isolde in Barcelona and New York, Davidsen is on tour with these recitals dedicated to Schubert. Before coming to the capital, she performed in Gerona. And she will take this program to London and New York soon. This concert was so anticipated that it managed to sell out all the seats a few weeks ago. During the intermission, a drink was also offered to the spectators on the occasion of this celebration.

This was the last night's program:

PART ONE

Am Bach im Frühling, D 361 

Ganymed, D 544

Der Zwerg, D 771  

Gretchen am Spinnrade, D 118 

Mignon-Lieder. Kennst du das Land, D 321 

Gesänge aus Wilhelm Meister, D 877 : Heiss mich nicht reden, n.º 2  So lasst mich scheinen, n.º 3 Nur wer die Sehnsucht kennt, n.º 4 

Der Tod und das Mädchen, D 531  

PART TWO

Der Musensohn, D 764  

Lachen und Weinen, D 777 

Suleika I, op. 14, n.º 1, D 720 

Auf dem See, op. 92, n.º 2, D 543

Der Blinde Knabe, op. 101, n.º 2, D 833 

Du bist die Ruh, D 776 

Die Allmacht, op. 79, n.º 2, D 852 

Die junge Nonne, D 828 

Erlkönig, D 328 

Litanei Auf das Fest aller Seelen, D 343 

ENCORES: 

An die Musik.

An Die Natur.

Davidsen has powerful vocal resources, which have elevated her to the throne of Wagner sopranos today. Her powerful and imposing voice, has a volume that runs through the entire hall, impressive high notes and a dark, dramatic timbre, ideal for wagnerian operas. Seeing her singing live, sometimes makes one wonder that she is not only a continuator of the Scandinavian Wagnerian school that Flagstad and Nilsson took to the top, but also that the closest thing we get to experiencing twhat it must have been like to listen to those legend voices, is to hear Davidsen's voice. At first, one might think that for something as intimate as lied, this supernatural presence (both vocally and physically, since this woman is almost six feet tall) might be too much. However, this Wagnerian star has shown that with these vocal resources, there are other ways of singing and conveying the otherwise heterogeneous world of Schubertian lieder; which are equally valid. That songs with a strong narrative load or that represent dialogues can be interpreted as if they were operas (one supposes that Wagner had to train from some source to be able to create the vocality of his musical dramas). And that Davidsen is also capable of adapting and finding a way to successfully convey the intentions of the varied repertoire he offered last night. The first part had good moments, but the second was unforgettable.

In this way, Davidsen was able to convey tenderness when describing the country that Mignon describes in the evocative Mignon-lied, or with her excellent low notes and heartbreaking declamation, reflect the desperation of the young woman fleeing death in Der Tod und das Mädchen, in the first part. Furthermore, after performing two or three songs, both she and the pianist addressed the audience to introduce them to the next pieces they were about to perform.

In the apotheotic second part (for which Davidsen changed her dress), she became the genuine voice of love in Suleika, giving a memorable interpretation of Du bist die Ruh, attacking the phrase "von deinem glanz allein erhellt", first with a powerful high pitch and then in its repetition with a beautiful pianissimo. In Die Allmacht, she sang with all her might, as if she were a messenger from God, in a song that pierced the entire room, with Wagnerian solemnity. Erlkönig is a piece whose intensity lends itself to being interpreted as an operatic scene, something that Davidsen achieved, giving the sensation that she was performing the great Wagnerian roles in which she is a specialist. The program officially closed with the beautiful Litanei “Auf das Fest aller Seelen”, a beautiful and intimate piece, which she performed with a sweetness and calmness that, in counterpoint to Die Allmacht, was totally angelic. The concert concluded with two encores, An die Musik and An die Natur, which he performed beautifully.

Baillieu demonstrated his high level as a pianist, with memorable performances of Mignon-lied and Auf dem See, of great beauty. At the end of the first part, he also performed the last two pieces of the same piece, without a break.

The concert closed with loud ovations for the soprano, and they could not even contain themselves after some pieces, as happened after Die Allmacht, something normal after such an overwhelming vocal exhibition. Davidsen with her mere presence made this musical evening unforgettable and, without there being anything Wagnerian in the concert, made up for the absence of this composer this season in the capital due to her style.

Las fotografías escénicas y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. 

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Wagner with a superb Hunding and a charming Sieglinde: Die Walküre's Act One in concert in Madrid.

 

Madrid, May 17, 2026.

The end of the current Spanish National Orchestra and Choir season is approaching, the last under David Afkham's baton. He has led the orchestra to a glorious era, making it the finest available in the Spanish capital for major symphonic works. The living legend Kent Nagano will succeed him from next season onwards, and it is hoped he can guide the orchestra into a new successful era. In its final stretch, one of the most anticipated events for local opera lovers, and of course for Wagnerians, has been scheduled: the first act of Die Walküre, the first journey of Richard Wagner's Ring, and its most popular opera, will be performed in three concert performances. With no complete Wagnerian operas staged in the capital since 2024, and awaiting the new Tannhäuser in 2027, this is the highlight of the year for Madrid's Wagner enthusiasts. 

As noted above, Die Walküre is the most popular opera of the entire Ring cycle. Its lyricism, overflowing in the first act, the portrayal of the emotions and inner conflicts of its heroic and divine characters, alongside its beautiful music; with celebrated moments such as the entire first act, the famous Ride of the Valkyries, and the grand finale, are enough reasons to explain why this opera has often been performed independently of the complete cycle. Within this independent context, the first act is regularly performed separately in concert, given its immense popularity. Numerous outstanding recordings and radio broadcasts of this act have been available for decades, both studio and live, always performed by the greatest singers of each generation. 

The music of this first act is passionate, theatrical, wild, and at the same time lyrical and beautiful; thanks to Wagner's genius for creating atmosphere and emotion, in a work overflowing with theatricality and musicality. Its harrowing prelude stirs the strings, revealing the tension of Siegmund's escape on a stormy night. The strings gradually lower their intensity, but not their harshness, until, just before Siegmund opens his mouth, they are silenced not sweetly, but with sharp, staccato blows. Wagner conveys his weariness to us. After the encounter with Sieglinde, empathy takes over; it is here that the strings convey tenderness and sensitivity, with a beautiful cello solo, an instrument that shines in this act. Hunding's brutality is reinforced by the brass. The third part of the act is the most famous and the most lyrical, moving from Siegmund's whirlwind of emotions upon finding the sword and calling out to his father, Wälse, followed by the solemnity of Sieglinde recounting her story, and then to the delight of the arias "Winterstürme" and "Du bist der lenz," followed by the lovers' duet that closes the opera. In this duet, the music reveals Wagner's genius for conveying to the audience the overflowing passion, the exquisite spring night that contrasts sharply with the  heavy storm that opened the act, and the joy of two young siblings and lovers reuniting after so many years apart.

Siegmund is a vigorous, courageous man, tormented by the misfortune that haunts him. On this occasion, the Scottish tenor Nicky Spence portrayed him. However, the performance was lackluster, dragging the orchestra down with it. At the beginning of the act, his voice didn't sound particularly grand or heroic, but it suited the scene of a weary Siegmund. Even when he recounted his story to Hunding, even when he was already showing signs of weakness, he remained at a decent level. However, the real test came from the grand finale onwards. In the powerful "Ein Schwert verhiess mir der vater," his voice struggled to be heard, and in fact, in the two "Wälse" he was supposed to sing, there was no impact whatsoever; even his timbre didn't sound too much heroic. It seemed a Siegmund who was mainly muttering. In the celebrated "Winterstürme," the first half suited his rather lyrical voice, but in the second half he again struggled to be heard at several points. Lines that should have been sung with vigor, or at least conveying it, sounded like delicate whispers. It is no wonder that Sieglinde and Hunding overwhelmed him on stage.

Vida Miknevičiūte is one of the most acclaimed Wagnerian interpreters today, especially in the role of Sieglinde. This Lithuanian soprano has a delightful voice, more lyrical than dramatic, which lends a freshness to the character, but when she has to tackle dramatic moments, she does her best to convey them to the audience with her lyrical voice. Thus, her high notes, while not overwhelming, have sufficient volume and sound perfectly appropriate in the most intense moments. She was remarkably successful in the beautiful "Der Männer Sippe," where she conveyed the solemnity and melancholy of that moment, and in the final duet, her singing was youthful and committed, complemented by her captivating stage presence.

The best performer was undoubtedly Jongmin Park as Hunding. This South Korean singer is one of the world's leading dark basses. His performances in Wagnerian operas have taken him to top opera houses such as Milan, Berlin, Bayreuth, and soon, New York. In Madrid, he sings regularly in the Teatro Real seasons, where he has given unforgettable performances in roles such as Fafner, Ramfis, and Pogner. Here, he displayed his powerful resources: a powerful voice that resonated throughout the auditorium, and a dark timbre ideal for this brutal character. Any lethargy that some audience members might have been experiencing was shattered when he vigorously sang the line, "Heilig ist mein Herd: heilig sei dir mein Haus!" (Holy is my House: holy be your house!). Throughout his entire performance, he maintained his powerful voice. Although I didn't particularly like that when he tells Siegmund to beware because they will face each other the next day, the last word of the threatening phrase was "hüte dich wohl!" (Hold yourself safe!) It couldn't be heard because the brass covered it. Even so, nothing detracts from an outstanding performance.

The Spanish National Orchestra, under the baton of David Afkham, has an amazing level for this repertoire. However, as I mentioned before, it was somewhat marred by the timbre and volume of the tenor. After a prelude that, despite the vigor of the strings, hadn't quite warmed up, the orchestra began to show its true potential, and the cello sounded wonderful. The brass provided a fitting complement to Hunding's powerful vocals. However, it gives the impression that the orchestra lowered its volume so as not to overpower the tenor. Even so, it managed to shine in moments such as when, after the "Wälse" that Siegmund exclaims to summon his father, the trumpet shone when the hero sees the sword in the tree. During the final duet, there were moments of beauty, such as in the "Winterstürme," but also some quieter moments, also to avoid drowning out the tenor. However, the orchestra ignored this when Siegmund proclaimed "so blühe denn, Wälsungen-Blut (may the blood of the Wälsungs flourish)", as the orchestra closed the concert with a spectacular tutti at the height of the work's ecstasy. 

It should be added that before this first act, "Inferno," a part of the symphonic poem The Divine Comedy by Conrado del Campo, a talented Spanish musician whose Straussian inspiration is evident—some have even called him the Spanish Strauss—was performed. The piece of beautiful music was very well played.

Despite the popularity of Wagner's work, there were plenty of tickets available for the three concerts this past weekend, although some people assured me that quite a few were sold on Friday and Saturday. Those who attended the concert, enthusiastically applauded the performers, especially Miknevičiūte, Park, and Afkham. The artists even had to take an extra bow because of the audience's enthusiastic applause. Outside, there was quite a crowd at the artists' entrance, and Spence signed many autographs. I waited for the great Park, who took photos with all the music lovers who were there. This concert series has seen the female members of the orchestra dressed in street clothes, in protest against the formal attire provided by the orchestra, which they apparently found uncomfortable and even hindered their work.

The 2026-2027 season of the Spanish National Orchestra has been announced, the first with Nagano as leading conductor, and no operas will be performed. A real shame, so we must thank Mr. Afkham not only for his great labour but also for including great operas and lyrical excerpts in these seasons, because this orchestra has proven its worth in the genre. 

Until June 17, it can be heard at the Radio Clásica Podcast.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

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La ONE se despide de la ópera por una temporada: Primer Acto de la Valquiria con Park y Miknevičiūte.

 

Madrid, 17 de mayo de 2026.

Se acerca el final de esta temporada de la Orquesta y Coro Nacionales de España, la última de David Afkham al frente de esta orquesta a la que ha llevado a una época gloriosa, hasta convertirla en la mejor disponible en la capital para grandes obras sinfónicas. El mito viviente Kent Nagano, le sustituirá a partir la siguiente temporada, esperando que pueda llevarla hacia una nueva y exitosa época. En su recta final, se ha programado una de las citas más esperadas por los operófilos locales, y por supuesto para los wagnerianos: el primer acto de La Valquiria, primera jornada de El Anillo del Nibelungo, de Richard Wagner, y su ópera más popular, se interpreta en tres funciones en concierto. Sin óperas wagnerianas completas representadas en la capital desde 2024, y esperando el nuevo Tannhäuser en 2027, esta es la gran cita del año para los wagnerianos madrileños. 

La Valquiria es la ópera más popular de todo el Anillo. Su lirismo, desbordante en el primer acto, la presencia de las emociones y conflictos internos de sus heroicos y divinos personajes, y su bella música, con momentos célebres como el primer acto al completo y especialmente su dúo final, la famosa cabalgata de las valquirias o el gran final del tercer acto, son razones por las que esta ópera muchas veces se ha llegado a representar independientemente del ciclo completo. Dentro de esta independencia, el primer acto regularmente se interpreta suelto en concierto, dada su gran popularidad. Múltiples grandes interpretaciones discográficas y transmisiones de radio de este acto se han nos han llegado desde hace décadas, tanto en estudio como en vivo, siempre por los más grandes cantantes. 

La música de este primer acto es pasional, teatral, salvaje y al mismo tiempo lírica y hermosa; gracias al genio de Wagner para crear ambientes y emociones, en una obra que desborda teatralidad y musicalidad. Su estremecedor preludio agita las cuerdas, mostrando la tensión de la huida de Siegmund en una noche de tormenta, las cuerdas van bajando la intensidad, pero no la tosquedad, hasta que antes de que Siegmund abra la boca, se apagan no dulcemente, sino a golpes secos. Wagner nos transmite su cansancio. Tras el encuentro con Sieglinde, se da paso a la empatía, es aquí cuando las cuerdas transmiten ternura, sensibilidad, con un precioso solo de violonchelo, instrumento que se luce en este acto. La brutalidad de Hunding viene reforzada por el metal. La tercera parte del acto es la más conocida y la más lírica, pasando del torbellino de emociones de Siegmund cuando encuentra la espada y clama a su padre Wälse, seguido de la solemnidad cuando Sieglinde cuenta su historia, pasando a la delicia tras las arias "Winterstürme" y "Du bist der lenz", seguidas del dúo de los amantes que cierra la obra. En ese dúo la música da cuenta del genio de Wagner para transmitir al público la pasión desbordante, la deliciosa noche primaveral que contrasta con el frenesí de la tormenta que abría el acto,  y el entusiasmo de dos jovenes hermanos y amantes al conocerse después de tantos años separados.

Siegmund es un hombre vigoroso, valiente, atormentado por la desgracia que le acecha. En esta ocasión, el tenor escocés Nicky Spence ha sido el encargado de interpretarlo. Sin embargo, la interpretación ha sido descafeinada, arrastrando a la orquesta con ella. Al inicio del acto, la voz no es que sonara ni muy grande ni muy heróica, pero se adecuaba a la escena de un Siegmund cansado. Incluso cuando contaba su historia ante Hunding, ante la que ya daba señales de debilidad, se mantuvo en un nivel correcto. Sin embargo la prueba de fuego vino a partir de la gran escena final. En la poderosa "Ein Schwert verhiess mir der vater", la voz luchaba por hacerse oír, y de hecho en los dos "Wälse" que debía cantar no hubo impacto alguno, ni volumen, incluso el timbre se reveló poco heroico. Era un Siegmund que musitaba. En la célebre "Winterstürme", la primera mitad se ajustó a su voz más bien lírica, pero en la otra mitad volvió a mostrar con problemas para hacerse oír en varios momentos. Frases que deberían ser cantadas con vigor, o al menos transmitirlo, parecían delicados susurros. No es de sorprender que Sieglinde y Hunding lo aniquilaran en escena.

Vida Miknevičiūte es una de las intérpretes wagnerianas más aclamadas en la actualidad, y especialmente en el rol de Sieglinde. La soprano lituana tiene una voz deliciosa, más lírica que dramática, lo que le da frescura al personaje, pero cuando tiene que afrontar momentos dramáticos hace lo posible por transmitirlos al público con su lírica voz. Así, los agudos sin sonar impactantes, tienen el volumen suficiente y suenan lo suficientemente correctos en los momentos más intensos. Cumplió notablemente en la bella "Der Männer Sippe", donde transmitió la solemnidad y melancolía de ese momento, y en el dúo final su canto fue juvenil, entregado, además de completarlo con su presencia escénica.

El mejor intérprete fue sin duda Jongmin Park como Hunding. Este bajo surcoreano es uno de los más importantes exponentes de la cuerda de bajo profundo en el mundo. Además sus interpretaciones en óperas wagnerianas le han llevado a los más grandes teatros líricos: Milán, Berlín, Bayreuth y próximamente Nueva York. En Madrid es habitual en las temporadas del Teatro Real, donde ha dejado inolvidables interpretaciones de roles como Fafner, Ramfis y Pogner. Aquí mostró sus poderosos medios: una potente voz que corría por todo el auditorio, y un timbre oscurísimo ideal para este brutal personaje. Cualquier letargo en el que pudiera estar algún espectador, se rompió cuando pronunció "Heilig ist mein Herd: heilig sei dir mein Haus!", frase vigorosamente emitida. Durante toda su intervención mantuvo su poderosa línea vocal. Aunque no me gustó mucho que cuando le dice a Siegmund que se guarde porque se enfrentan al día siguiente, la última palabra de la amenazante frase "hüte dich wohl!" no se pudiera oír porque el metal le tapó. Aun así, nada empaña una interpretación sobresaliente.

La Orquesta Nacional de España bajo la batuta de David Afkham tiene un excelente nivel. Sin embargo, y como he dicho antes, se vio empañado por el volumen del tenor. Tras un preludio en el que aún no se entraba del todo en calor pese al vigor de las cuerdas, la orquesta empezó a mostrar su verdadero nivel, y el violonchelo sonó maravilloso. Los metales fueron un complemento que acompañó bien a la brutalidad de Hunding. Sin embargo, da la impresión de que la orquesta ha bajado su volumen para no tapar al tenor. Aun así pudo brillar en momentos como cuando tras los Wälse que Siegmund exclama para invocar a su padre, la trompeta brilló cuando el héroe ve la espada en el árbol. Durante el dúo final hubo momentos de belleza como en el "Winterstürme", pero también otros momentos más bajos para no tapar al tenor. Sin embargo, la orquesta pareció mandar al traste todo cuando Siegmund proclama "so blühe denn, Wälsungen-Blut (florezca así la sangre de los welsungos)", pues la orquesta cerró el concierto con un tutti espectacular y a la altura del éxtasis de la obra. 

Hay que añadir que antes de este primer acto, se interpretó, "Infierno", una parte del poema sinfónico La Divina Comedia, de Conrado del Campo, un talentoso músico español cuya inspiración straussiana es evidente, incluso algunos le han llamado el Strauss español. La pieza de bellísima música estuvo muy bien interpretada.

Pese a lo popular de la obra wagneriana,  para los tres conciertos de este fin de semana que ha pasado, había muchas entradas disponibles, pese a que algunos me han asegurado que se vendieron bastantes durante el viernes y el sábado. Los que estaban ahí, aplaudieron con entusiasmo a los intérpretes, especialmente a Miknevičiūte, Park y Afkham. Incluso los artistas tuvieron que hacer una salida más debido a que el público aplaudió bastante. A la salida, hubo bastante gente en la puerta de artistas, y Spence firmó bastantes autógrafos. Yo esperé al gran Park, quien se hizo fotos con todos los melómanos que allí estábamos. Esta serie de conciertos ha visto a los miembros femeninos de la orquesta vestir de calle, en protesta por el vestuario de gala proporcionado por la orquesta, que al parecer les resulta incómodo e incluso obstaculizaba su trabajo.

Se ha anunciado la nueva temporada de la Orquesta Nacional de España, la primera con Nagano al frente, y no habrá ninguna ópera programada. Una pena, así que hay que agradecerle al señor Afkham no solo su gran labor sino también el haber incluido grandes óperas y fragmentos líricos en estas temporadas, porque esta orquesta ha demostrado su valía para el género. 

Aquí puede oírse en la web de Radio Clásica hasta el 17 de junio.

Las fotografías escénicas y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. 

Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

ESP/ENG: Huw Montague Rendall, la nueva sensación del lied, en el Teatro de la Zarzuela.

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Madrid, 27 de abril de 2026.

La primera vez que tuve conocimiento de la existencia del joven barítono inglés Huw Montague Rendall fue a través de su disco "Contemplation", con su nombre de pila en letras grandes en la portada. Llamativo, cuanto menos. Luego supe que era hijo de la veterana mezzo-soprano inglesa Diana Montague y del tenor David Rendall, con lo que podría ser un indicio, sin escucharle previamente, de que el arte corre por sus venas. Cuando se le anunció como parte del Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela de esta temporada, me lo apunté como cita. Ya para entonces sabía que era una de las primesas del lied a nivel mundial.

Y la cita llegó. El Teatro de la Zarzuela, sin embargo, estaba lleno como mucho a la mitad. Un aforo quizá no tan justo para un cantante tan prometedor, sobre el papel. De hecho el ver tan poca gente, y considerando el formato del espectáculo, daba la sensación de que el teatro se había encogido. Por otro lado, el lied siempre ha sido más propicio en espacios más pequeños que grandes coliseos. 

Junto al pianista Hélio Vida, Montague ofreció un recital en torno a cuatro autores: Francis Poulenc, Gabriel Fauré, Arnold Schönberg y Gustav Mahler. Dos idiomas, dos mundos musicales. La primera parte, en la que el barítono fue calentando la voz, comenzó con el Bestiaire de Poulenc, cuyos títulos iba introduciendo el cantante. Siguieron las canciones de Fauré, La Bonne Chanson, bellas, y con el estilo tan encantador que tenía el compositor francés y toda la escuela impresionista. Fue aquí donde Montague empezó a mejorar y dar muestras de su implicación en el universo de cada pieza. La segunda parte fue otra cosa: empezó con las cuatro canciones opus 2, de Schönberg, compuestas en su época tonal. Montague las interpretó bellamente, mostrando su expresividad, y una voz que al menos en un recinto como este, se hacía oír en todas partes, con un timbre bello y cálido. Sin embargo, el momento culminante de la noche llegó con el famoso ciclo de Mahler, los Rückert-lieder, con el lied Um Mitternacht, el cual interpretó con una vigorosa voz, en una desgarradora interpretación, casi operística, que sobrecogió al público. El concierto se completó con tres propinas: Montparnasse, de Poulenc, Silent Noon, de Vaughan Williams, una encantadora canción inglesa que fue el otro gran momento de la noche. Tras esta propina, el dúo no tenía previsto otra, y los aplausos empezaban a amainar cuando unos pocos aplaudieron con tanto entusiasmo que volvieron a reanudarse, haciendo que salieran Montague y Vida. De hecho hizo un gesto como diciendo ¿otro?, y mi compañero de butaca, enérgico, gritó : "¡Sí, otro!", con lo que se lanzaron con una última, la popular Ständchen, de Schubert, la cual fue bien interpretada. La gran expresividad de Montague era también visual: al terminar cada pieza o en momentos relevantes, el barítono sonreía encantadoramente al pianista o al público. Pero en alguna que otra canción también se mostraba sufriente. 

Por su parte, el pianista se reveló también como un excelente intérprete. Primero en las canciones de Fauré, mostrando el hechizo de la música, Después en las obras de Schönberg, en las que supo transmitir ese intimismo introspectivo, tonal pero expresionista, que contesta a la armonía. Y luego en el inicio de Ich atmet’ einen linden Duft y Ich bin der Welt abhanden gekommen de los Rückert-lieder, que mostró la belleza y la serenidad mahlerianos. Con una interpretación así uno entiende por qué Mahler llegó a ser uno de los magos de la música vocal.

Aunque Montague ya había cantado en Madrid (El Murciélago de Strauss en el Real, en concierto), su presentación como liederista en el Teatro de la Zarzuela dio la sensación de un verdadero debut, bien acogido por el público. Esperamos que vuelva pronto.

ENGLISH: Huw Montague Rendall, the new darling of lied, at the Teatro de la Zarzuela.

Madrid, April 27, 2026.

The first time I became aware of the existence of the young British baritone Huw Montague Rendall was through his album "Contemplation", with his first name in large letters on the cover. Striking, to say the least. Later I learned that he was the son of the veteran English mezzo-soprano Diana Montague and the tenor David Rendall, which could be an indication, without hearing him previously, that art runs through his veins. When he was announced as part of the Teatro de la Zarzuela Lied Cycle this season, I appointed it. By then, I already knew that he was one of the most emerging liederists in the world.

The appointment arrived. The Teatro de la Zarzuela, however, was at most half full. A capacity perhaps not so fair for such a promising singer. In fact, seeing so few people, and considering the format of the show, gave the impression that the theater had shrunk. On the other hand, lied has always been more suitable in smaller spaces than large venues.

Together with the pianist Hélio Vida, Montague offered a recital around four authors: Francis Poulenc, Gabriel Fauré, Arnold Schönberg and Gustav Mahler. Two languages, two musical worlds. The first part, in which the baritone warmed up his voice, began with Poulenc's Bestiaire, whose titles the singer introduced. The Fauré cycle, La Bonne Chanson, followed beautifully, with that typical charming style from the French composer and the entire impressionist school. It was here where Montague began to  show signs of his involvement in the universe of each piece. The second part was the real thing, not to devalue the previous one. It began with the Four songs, op.2, by Schönberg, composed in his tonal period. Montague performed them beautifully, showing his expressiveness, and a voice that, at least in a venue like this, could be heard everywhere, with a beautiful and warm timbre. However, the highlight of the night came with Mahler's famous cycle, the Rückert-lieder, with the lied Um Mitternacht, which he performed with a vigorous voice, in a heartbreaking, operatic performance that overwhelmed the audience. The concert was completed with three encores: Montparnasse, by Poulenc, Silent Noon, by Vaughan Williams, a charming English song that was the other great moment of the night. After this piece, the duo had no plans to perform another one. The applause was beginning to die down when a few clapped so enthusiastically that it was revived, bringing out Montague and Vida. In fact, he made a gesture as if saying: "another one?", and my energetic seatmate shouted: "Yes, another one!", so they launched into one last, the popular Ständchen, by Schubert, which was well performed. Mr. Montague's great expressiveness is also visual: at the end of each piece or at relevant moments, the baritone smiled charmingly at the pianist or the audience. But in some other songs he also seemed suffering.

For his part, the pianist also revealed himself to be an excellent performer. First in the songs of Fauré, showing the spell of music, then in the works of Schönberg, in which he knew how to convey that introspective, tonal but expressionist intimacy, which responds to harmony. And then at the beginning of Ich atmet’ einen linden Duft and Ich bin der Welt abhanden gekommen from the Rückert-lieder, which showed Mahlerian beauty and serenity. With performances like these, one understands why Mahler became a magician of vocal music.

Although Montague had already sung in Madrid (Strauss' Fledermaus at the Teatro Real, in concert), his presentation as a liederist at the Teatro de la Zarzuela gave the sensation of a true debut, well received by the audience. We hope he returns soon.

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The delightful Czech first major opera: Smetana's Bartered Bride at the Teatro Real.

Madrid, April 14, 2026. Opening night.

The four main languages ​​of opera are Italian, French, German, and Russian. Perhaps English could be added as the fifth one due to its large output in the 20th and 21st centuries, but if I had to stick to what has become part of the operatic repertoire, I would have to put Czech language in that position. The Czech Republic, when it was Bohemia and Moravia, and part of the Austro-Hungarian Empire, gave birth to its most important classical composers, who have given us many great operas: Antonín Dvořák with his Rusalka; Leoš Janáček with his brilliant theatrical operas such as Jenůfa, Katia Kabanova, The Cunning Little Vixen, From the House of the Dead, and The Makropoulos Affair; Hans Krása with his children's opera Brundibár (although it is usually performed in the vernacular of the country where it is staged); and Bedřich Smetana, considered the father of Czech music and known for the beautiful piece The Moldau, from the symphonic poem My Country, and for The Bartered Bride, the first great opera in this Slavic language. 

The Teatro Real has staged all the aforementioned operas, including Rusalka in recent times with the diva Asmik Grigorian, and during the 2000s, Janáček's operas delighted audiences. However, a classic like The Bartered Bride has only been seen twice in the capital, as the playbill indicates: once in 1924 with the Czechoslovak National Opera at the Teatro Real itself, before its closure due to structure wreck the following year, and again in 1973 by the Belgrade Opera on tour at the Teatro de la Zarzuela. Meanwhile, in much of the Western operatic world, it was known, until the 1970s, by its German translation,  Die verkaufte braut,  although at the Met it was sung in English. This comic opera, with elements of Czech nationalist music, comes to the Teatro Real under the direction of  Laurent Pelly, an expert in comic operas and a regular at this venue.

Pelly hadn't visited us for two years, since his dark production of Die Meistersinger von Nürnberg. This time, his vision of Smetana's opera is quite minimalist, reminiscent of his staging of the aforementioned Wagnerian work, which evolves into the colorful circus. Pelly manages to make the audience laugh, but much of the production is indeed dark and sparsely set, as if he wanted to draw us into the characters' feelings and, at the same time, the difficulties and oppressive social environment that tries to force her to marry a man she doesn't love. But it is still a comedy, and the result is guaranteed fun. The first act shows an empty stage, while above, suspended in the air, are a hodgepodge of chairs and bicycles. The chorus and the characters are dressed as working-class people from any town or neighborhood in a timeless era (the 1950s or 60s), albeit in various colors. Jeník sometimes resembles a kind of John Travolta in Grease, but in a working-class version. In the second act, a huge hut appears, very similar to the one in the same act of the Meistersinger production. Vasek arrives on a bicycle. The third act shows the comedians dancing in their colorful costumes and setting up the circus tent, though it eventually collapses. To the left of the stage is a huge statue of a clown. Above the circus stalls, Marenka laments her fate, while her family tells her she must accept Vasek. At the end, the chorus dances, celebrating Jeník and Marenka's marriage, while Kecal flees in humiliation. 

Gustavo Gimeno leads the Teatro Real Orchestra with a performance that begins with a very forte sound, at the beginning to the overture. Nevertheless, the strings sound wonderful throughout the entire performance. Their tremolo is particularly prominent in the overture. Throughout the rest of the work, the orchestra sounds inspired, especially in the dances and circus numbers of the third act. Although there are moments when the orchestral volume puts the singers at a disadvantage. The Teatro Real Chorus, directed by José Luis Basso, once again demonstrates its full musical and dramatic potential, especially in the second act, where the male section showcases its powerful voices, without diminishing the equally potent female chorus.

As for the cast, the lead pair of Svetlana Aksenova as Mařenka and Pavel Cernoch as Jeník improved as the performance progressed. Aksenova has a dramatic-timbred voice and displays impressive high notes, although some in the first act sounded strained. She was good in the second and third acts. I would like to see her in more dramatic roles. Cernoch was very good in the second act with his lyrical voice, and his portrayal of the charismatic fiancé was convincing, further enhanced by his physical attractiveness. Gunter Groissböck, an athletic bass, is unrecognizable here as the matchmaker Kecal, with glasses, a bald head, and a paunch. Groissböck has a powerful voice with a beautiful timbre, despite lacking a bit of lower voice, but his funny acting carries the performance. His voice is very well suited to the comic role of Kecal. He had not been seen at the Teatro Real since he sang Boris Godunov in 2012, when Gerard Mortier was the artistic director.

However, the best performer of the evening, the most complete, was Mikeldi Atxalandabaso with his portrayal of the stuttering and rather unattractive Vašek. His singing is impeccable, with a beautiful timbre; voice is clearly heard throughout the hall, successfully navigating the difficult challenge of singing while stuttering, and as an actor, he perfectly captures the awkwardness of his character. One of the best spieltenors in the world is Spanish, and we Spanish opera goers can be proud of that. Among the rest of the cast, Rocío Pérez stands out as the dancer, and tenor  Jaroslav Březina as the lead comedian. This Czech tenor sang in the Spanish premiere of Janáček's "Osud" at the Teatro Real back in 2003. 

The gossip press reports that local celebrity and Julio Iglesias ex-wife Isabel Preysler wore a €7,000 outfit for the occasion, and that several promiment local aristocrats and celebrities attended this premiere performance too. But what truly matters is that the beauty of this opera, its excellent staging, and great cast was greatly appreciated by the opening night audience, even though the theater wasn't at full capacity, despite deserving it. The most important numbers were applauded. At the end of the performance, there were standing ovations for everyone: the cast, conductor Gimeno, and director Laurent Pelly and his team. 

I believe that alongside Ariadne et Barbebleue, and I Masnadieri, this Bartered Bride is placed among the best of this current season at the Teatro Real.

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