martes, 13 de octubre de 2020

Maria Callas' digital comeback from beyond: Callas, the Hologram tour in Madrid.

In Spain, Maria Callas sang relatively few. Just concert tours, but not relevant in her career, unlike her famous Lisbon Traviata. She came here three times, though: in 1958, 1959 and 1973. In all those cases, she sang at least in Madrid (in 1959 she sang too in Barcelona and Bilbao).

But what her Spanish fans (many ignoring the fact that she did sing here) couldn't imagine is that in 2020, a technological device would make her to be seen on stage again. In 2018 the company Base Hologram announced the revolutionary, controversial and even macabre for many people, return of Maria Callas to world theatres, now as a hologram recreating her, 41 years after her death. Despite the suspicion of the opera fans and goers, this show has been touring successfully for the last two years. To create the hologram, they tried to recreate her face and her body movements were made by a stuntwoman, trying to imitate them as close as possible as in her videos. The voice wasn't less problematic, because in her time orchestra and voice were recorded together, unlike today, so when listened "live" sometimes it sounded old or the mono sound is recognisable. When I noticed, I vowed, as curious I am about novelties and as fan of Callas, that I would attend if it came once to Spain.

In my opinion, hologram concerts would be better being occasional and accessory, because life continues and the glory of dead artists shouldn't replace the time of alive ones, who are still here to give us their talent and artistry. The Bankia theatre has seemed to have found the time machine, because next month, Whitney Houston's hologram will perform in its stage. On the other hand, I cannot help being open minded enough to take advantages of opportunities like this to see a recreation of a performance of such an opera legend, as I am always eager of new events.

In the past, she sang in the Spanish capital in renowned venues as Teatro Monumental (then Monumental cinema) in 1958 or the Teatro de la Zarzuela in 1959. Now her hologram does in the new Gran Teatro Bankia Príncipe Pío, a private theatre named after a known bank in Madrid, in part of the former railway North station; now  part of it being a theatre and the other part being the current metro station. It started a run of performances on March but due to the Coronavirus pandemic it had to cancel after the second week and now it returns for every weekend until November 1. I had myself one ticket in March but I finally got my opportunity yesterday. This venue is different from an operatic one: with tables in the parterre, so the customers could take some drink before the concert, and some pop music replaces the instrument tunning of opera houses, since the orchestra is still behind the closed curtain.

Before the concert began, an introduction video on her life and career was projected on a screen, and I have to say that I was really moved to see how decisive she was to the opera world, as well as her tragic private life. During the show, some excerpts of the successful documentary Maria, by Callas: in her own words, by Tom Volf, were shown after some arias. In those clips we see Callas talking about herself, her perfectionism, her status of legend, with such a moving melancholy, and also a letter to Aristotle Onassis, her fatal love. The hologram tries to reproduce as faithful as possible her movements, and we see this Callas greeting the conductor, the first violin, even laughing: we could hear her known laugh before the concert begins.

For the occasion, the recordings used for this show, for the best sound possible, were the most modern ones, in which her voice is still amazing, but when her vocal maturity came, also did  the limitations she had in the last stage of her career. The program was made of her most celebrated repertoire. It started with a brilliant version of Je veux vivre from Gounod's Roméo et Juliette, in which despite her artistry, the coloratura appears already troubled. It was great to listen her two great scenes from Macbeth, one of her signature roles, of which she gave a classic rendition: the voice still sounding dramatic in Vieni t'afretta, agile, passionate, portraying the energy and evil of the role in Or tutti sorgete. Before the music of this scene begins, she took the letter from the gown. Another of her most known recordings is her 1964 Carmen, from which she (hologram) sang the Habanera, sung preciously and in a mezzo-like color, and her voice fitting with the gipsy. The other excerpt from Carmen was the Card scene: the orchestra started the music but the diva "stopped" it and a stony silence was made... even as a hologram the diva commands respect. Then, the orchestra reprised the music, and the aria began, sung in a dark tone, quite dramatic, as well as the low notes which were amazing. In this point the hologram threw the cards and they were suspended on the air. Sadly, the audience started to laugh because they ignored it was actually a tragic scene. Since after the aria Carmen is replied by her friends, the recording had to be cut abruptly and the orchestra started with the Lady Macbeth sleepwalking aria, Una macchia è qui tuttora, one of her great performances, in which the dramatism mentiones in the previous scene of the same opera reaches here its peak, with Callas singing splendidly the aria, with an ethereal, unforgettable final high  note.

After the tragic Macbeth-Carmen scene, the next piece was Ebben, ne andrò lontana from La Wally. As I am not familiar with the aria, it was a revelation for me to meet its beauty, one of the best examples of Verismo music, of which I am a great fan. Callas' version is referential, such is the beauty of the singing, the pianissimo register and the high notes in this aria. The concert oficially ended with the Hamlet aria Pâle et Blonde, in which we could hear her dazzling coloratura and high notes even in her final stage years. The encores were two of her greatest creations: the Vissi d'arte from Tosca and the Casta Diva from Norma, really two beautiful, moving moments in the concert.

The accompaniment came from the Orquesta Sinfónica de Bankia (Bankia Symphony Orchestra), conducted by José Sanchís. A reduced 20-musician orchestra, sometimes the sound was sort of weak  in the strings, specially in the Carmen prelude. However, in the orchestral introduction to the sleepwalking Macbeth scene, they really did a good job, with the tempi and the sound of the instruments conveying the elegy and darkness of the score, as a dramatic prelude to a magnificent aria. The aria from La Wally was another highlight of the orchestra, with a brilliant, beautiful rendition.

At the end of the concert, she (the hologram) took a rose from the maestro and gave her final bow before disappearing. While the musicians leave, a final video made with images from her performances and career is shown while Schubert's Ave Maria sounds, sung by another singer and ending with the words: "Thank you Maria, your art will live forever". 

The audience, most of them not usual operagoers, really enjoyed and applauded this event and even though they are aware of Callas is not alive, by hearing them while leaving the hall, they seemed to have felt her in any way. Despite the initial suspicion, it was a beautiful concert: if you feel Maria Callas' voice in a show, you will always be excited. 

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.
Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

lunes, 12 de octubre de 2020

Callas en concierto en Madrid: la tecnología "resucita" a La Divina y la devuelve a los escenarios.

Hace cuarenta y tres años que Maria Callas, llamada La Divina, la soprano más famosa de todos los tiempos, falleció en París a la edad de 53 años. Y su leyenda no deja de crecer incluso cuando ha pasado casi medio siglo desde sus últimas actuaciones, y a través de recopilaciones de sus grabaciones más famosas, tanto de arias como de óperas completas, las sucesivas generaciones han seguido rendidos a su magistral arte, a un nivel de adoración que muy pocas o ninguna otra gloria del canto haya logrado.

Durante la década pasada, la introducción de hologramas de cantantes desaparecidos se ha introducido tímidamente en actuaciones importantes. Y en el año 2018 la empresa Base Hologram parecía lograr lo impensable: Maria Callas volvería a los escenarios en forma de holograma. La tecnología ha sido capaz de devolver, a través de una proyección de una imagen que recreaba el rostro y cuerpo a tamaño real, así como de sus movimientos, a la legendaria soprano griega a los escenarios cuarenta y un años después de su muerte, acompañada de una orquesta en directo. Desde entonces, varias ciudades en todo el mundo han acogido este espectáculo, incluidas ciudades que la escucharon en vida como Nueva York, México D.F., Londres o París. La comunidad operística ha recibido esta noticia entre el interés y el rechazo, ya que a muchos les parece macabro lucrarse con el arte de una artista ya fallecida, pero para otros supone una oportunidad que por edad no tuvieron.  Cuando me enteré de esta noticia, yo que siempre estoy pendiente y abierto a las novedades musicales, me dije que lo vería si llegaba a España, tenía curiosidad como curioso y como callasiano. Finalmente llegó en marzo, pero entonces el coronavirus y el estado de alarma suspendieron las funciones previstas a la segunda semana, justo cuando tenía una entrada, cuyo importe me fue devuelto. Ahora vuelve a Madrid durante todo el mes de octubre.


En España, la Callas cantó muy poco, y ninguna actuación significativa como su legendaria Traviata - posiblemente la mejor de la historia- en el vecino Portugal, si bien nos visitó tres veces: en 1958, 1959 y 1973. En todas esas giras pasó por Madrid. En el 58 cantó en el Teatro Monumental, en el 59 en el Teatro de la Zarzuela, y en el 73 en el Palacio de Congresos de la Castellana, en su gira de despedida. Ahora su holograma canta en un teatro privado, más modesto pero no menos icónico: el Gran Teatro Bankia Príncipe Pío, situado en parte de la antigua estación de tren Madrid Norte, ahora reconvertida en una sala de espectáculos. Claro que está alejado del habitual círculo lírico: las gradas tienen mesas donde los espectadores consumen antes del espectáculo, y solo atrás hay filas de butacas. 

Cuando empieza el espectáculo, una pantalla al fondo del escenario muestra un primer vídeo promocional de las actividades humanísticas de Bankia, luego un vídeo introductorio sobre la vida de la artista y después entre pieza y pieza musical proyecta fragmentos del magnífico y exitoso documental Maria, by Callas de Tom Volf que se vio en los cines hace dos años, y donde la propia artista a través de entrevistas nos cuenta cuánto se debe a su público, cuán perfeccionista era y cuánto le suponía su leyenda en su vida personal, así como una desgarradora carta a Aristóteles Onassis, el gran amor de su vida que la destruyó.

Para poder escucharla junto a la orquesta, la voz de la gran soprano ha tenido que ser aislada lo mejor posible de sus grabaciones, en una época donde se grababa junto a la orquesta y no era separable como ahora, donde voz y orquesta se pueden grabar separadamente. Además se ha recurrido las grabaciones lo más modernas posibles, que captan a una Callas vocalmente ya madura, aunque todavía impresionante pese a las limitaciones especialmente en la coloratura. A veces, la voz llegaba con algunos desajustes de volumen o un sonido llamativamente antiguo, lo que a un oído exigente le devolvía a la realidad de que no era una voz en vivo stricto sensu. Esta Callas se ríe (de hecho antes de cantar se esuchó su característica risa), saluda al director, al primer violín, y hasta se cambia dos veces de chal, aunque a veces si se la ve de lejos se puede ver que transparenta un poco, por eso creo que los que la ven desde las primeras filas tienen una mayor sensación de realidad que las últimas. Para la ocasión se ha elegido lo mejor y más conocido de su repertorio.

Empezó con el aria Je veux vivre de Romeo y Julieta de Gounod, en la que exhibió sus habituales grandes agudos, pero con una coloratura ya tocada. La primera gran pieza del espectáculo fue la primera gran escena de Macbeth: la lectura de la carta, que se saca del bolsillo para sorpresa de todos, el Vieni t'afretta y la cabaletta Or tutti sorgete. Callas fue la más grande Lady Macbeth de todos los tiempos, y su voz augusta se ajusta a la majestad del personaje: una interpretación dramática, con unos graves tremendos y unos agudos aún impresionantes, pero sobretodo la capacidad de retratar lo visceral y endemoniado del personaje, así como la agilidad en la cabaletta.  Tras una interpretación de su famoso preludio, llegó el turno de Carmen, una de sus más conocidas creaciones aunque realmente no la cantó demasiado. La Habanera es una de sus mejores grabaciones de su época final, porque su voz madura conviene al personaje, especialmente en el registro más grave, pero la sensualidad de su voz en esta grabación deslumbran pese a las limitaciones que ya tenía en el agudo. Después vino una "gran escena trágica" y uno de los momentos más destacados del espectáculo. La orquesta empieza pero la diva la detiene: hasta en holograma la Callas impone respeto. Luego procedió con la escena de las cartas, un momento oscuro, donde de nuevo brilla la voz en esta etapa crepuscular: su magnífico grave sale a relucir en esta escena donde la gitana descubre que le espera la muerte. Como al terminar el aria es contestada por sus amigas Frasquita y Mercedes, la música se detiene abruptamente, y ella tira las cartas al aire, donde se quedan suspendidas. De repente, el público se echó a reír, lo que me aturdió ya que parecían no entender que se trataba de un momento trágico. A continuación acometieron la escena del sonambulismo de Lady Macbeth: Una macchia è qui tuttora, otro de sus caballos de batalla, donde en la grabación elegida sigue estando espléndida, con ese agudo final en el Andiam, Macbetto que aún suena etéreo, toda una obra de arte.

El concierto continuó con el aria Ebben, ne andrò lontana de La Wally. Personalmente, no he oído casi nunca esta aria, por eso en esta ocasión me supuso un doble descubrimiento: por un lado la belleza de la partitura verista de Catalani y por otro la magistral, insuperable interpretación de Callas de esta bellísima aria. El concierto terminó oficialmente con el aria de la ópera Hamlet, Pâle et blonde, una sorpresa porque no está en el disco oficial de esta gira. Aquí la voz parecía sonar un poco baja de volumen, aún así en esta versión podemos escuchar la asombrosa coloratura de la soprano griega en esta gran escena. Los bises fueron dos de sus creaciones más emblemáticas, donde no ha sido superada, y con las que se despidió de los escenarios en 1965. Tras un vídeo donde se lee una triste carta de amor dirigida a Onassis, la diva interpreta el Vissi d'arte, de Tosca, un momento de verdadera emoción del concierto. Finalmente, la velada musical terminó con el Casta Diva de Norma, con una bella interpretación, plena musicalmente. 

El acompañamiento musical corrió a cargo de la Orquesta Sinfónica de Bankia, dirigida por José Sanchís. La orquesta está formada por una veintena de músicos. El reducido número de músicos hacía que las piezas orquestales a veces se quedaran un poco deslucidas. El mejor momento de la orquesta vino con la introducción orquestal a la escena del sonambulismo, cuando logró recrear el ambiente lúgubre, oscuro, elegíaco que rodea a la enloquecida protagonista. Otro de sus grandes momentos fue en el aria de La Wally, donde logró transmitir el encanto y dramatismo del aria junto a la voz de la Callas.

Al terminar de cantar, la diva se despidió del público, hasta recibiendo una rosa del director de orquesta, para luego retirarse y desaparecer. El espectáculo terminó con un vídeo con momentos de la Callas dentro y fuera de escena, con el Ave Maria de Schubert de fondo, aunque no cantado por ella. Dicho vídeo terminó con una frase que decía "Your art will live forever". El público, que dio muestras de haber disfrutado la tarde, quedó encantado y fascinado a juzgar por las reacciones a la salida.

La fama y el arte de Maria Callas han trascendido a escala planetaria, por eso creo que este concierto está dirigido a un público más diverso y más profano que al habitual de los teatros de ópera, aunque si sirve para enganchar a algún espectador al género, posiblemente nunca esté de más. Otro debate es si los músicos desaparecidos son franquiciables vía holograma. No sé qué pensar: creo que la mejor forma de disfrutar de la música en vivo es precisamente, con artistas vivos. Un holograma puede ser un negocio, una curiosidad técnica, pero no puede ser la norma: la vida sigue y hay mucha más gente talentosa que puede seguir emocionando a las nuevas generaciones sin necesidad de recurrir siempre al pasado. 

Por eso me inclino a pensar que esta experiencia puede ser puntualmente interesante, un bonito homenaje, para quien quiera disfrutar del arte en -artificial- vivo de la mujer que cambió para siempre el mundo de la ópera... aunque este peculiar juego sea la única alternativa posible para hacerlo.

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente.

lunes, 5 de octubre de 2020

La Vida Breve en el Teatro de la Zarzuela: vuelve la lírica al teatro de Jovellanos.

Empieza, tras un largo cierre desde marzo debido al Covid-19 y sus devastadores efectos, una nueva temporada lírica en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. La última vez que bajó el telón fue con la juvenil versión de Agua, Azucarillos y Aguardiente por el Proyecto Zarza, aún en la antigua normalidad. En ese momento, cuando la histeria y el encierro por el Coronavirus estaban a punto de abrirse paso en la capital en la semana siguiente después de esa última función, nadie se podía imaginar que el Teatro de la Zarzuela tardaría tantos meses en volver a abrirse al público. Por eso este inicio de temporada está siendo tan especial, como la histórica reapertura del Teatro Real en julio con La Traviata. Y el joven y castizo Madrid de Zarza en marzo ha cedido el paso a la Granada representada por el programa doble que abre esta temporada con representaciones de La Tempranica y La Vida Breve. Debido a la nueva situación de segunda ola de la pandemia en la que nos encontramos, y que todo Madrid está ya  confinado, el teatro ha decidido no representar juntas estas obras sino cada una individualmente, de forma que un día hay funciones de un título y al día siguiente, del otro. 

Desde el inicio de la función nos encontramos con un protocolo de seguridad que se cumple, aunque no tan estricto como en el Real, aunque con separación de los asientos cada dos aproximadamente, y cubiertos con cintas los no disponibles. No obstante, y sumado al confinamiento de la ciudad, la sala se encontraba ocupada prácticamente a menos de la mitad. Al final de la función se sale escalonadamente para evitar aglomeraciones.

Así las cosas, la función del día 4 correspondía a La Vida Breve, del gran Manuel de Falla. Con esta obra cuya duración hace honor a su título, el maestro retrata bajo una atmósfera de orquestación colorida, opulenta, wagneriana, verista y granadina al mismo tiempo, la historia de una joven gitana cuyo desengaño amoroso le cuesta la vida. En poco más de una hora, pasamos del folclorismo y la rusticidad del primer acto, al colorido y la opulencia del segundo. Heredera de Cavalleria Rusticana en el tema de una mujer engañada por su amado, y con gran presencia del coro en sus inicios, también muestra influencias de Tristán e Isolda: la voz de tenor de la fragua recuerda al marinero del primer acto. 


En una producción de Giancarlo Del Monaco, procedente del Palau de Les Arts, y adaptada a la nueva situación, vuelve al escenario madrileño esta genial obra después de ocho años. Esta minimalista producción reduce la obra a la tragedia de la pobre Salud, cuya fragilidad se derrumba cuando su único amor, que se ha llevado su honra (algo tan importante en su entorno) y sus ganas de vivir, la abandona. De hecho, la muerte es algo que está presente en toda la obra, y Del Monaco lo manifiesta en un escenario único de intenso color rojo, que destaca este aspecto. Sentimos la muerte, el destino de salud desde que se levanta el telón. Este escenario se ampliará y reducirá de acuerdo a lo que pide la obra, aumentando la intensidad de las escenas.

La obra empieza con un montón de sillas apiñado a un lado del escenario. Salud, sentada en una de ellas, sufre, jadea, se angustia desde el inicio mismo de la música, con esas canciones desde la fragua que sarcásticamente cantan la situación de pobreza del pueblo. Este amor apasionado, letal (hoy en día se le llamaría relación tóxica) que tiene a la pobre Salud en un estado de psicosis y ansiedad que solo se calman cuando su amado Paco llega; deja claro que solo cabe un desenlace trágico. Ya desde la primera aria, cuando se habla de la fragilidad de un pajarillo y de una flor, es una declaración de intenciones. Por eso vemos a la protagonista estremecerse con los cantos del coro hasta que llega su amado. El dúo con Paco es el momento más estremecedor e importante del montaje:  llega vestido deterrateniente, pero no vemos a un joven de falsa apariencia elegante, sino a un libidinoso seductor cuya intención es aprovecharse de Salud para luego dejarla tirada.  Es evidente que ha habido una relación sexual entre los amantes, algo decisivo para el vínculo insano que establece Salud, pero este montaje lo eleva hacia lo gráfico, lo que resulta potente y revelador, porque asistimos a la pérdida de su virginidad. Mientras el dúo tiene lugar, la joven se acaricia absolutamente todo el cuerpo, sensualmente, mientras él lo mira todo, para luego sacar de su entrepierna un pañuelo ensangrentado, el símbolo de prueba de virginidad para los gitanos. Aunque no termina ahí, ya que Paco se lleva ese pañuelo hacia el fondo del escenario, mientras ella intenta alcanzarlo. 

El segundo acto, la fiesta de bodas de Paco y Carmela, muestra a los invitados, bailarines y coro, en esta ocasión ha sido reducido el número de artistas por las razones sanitarias que conocemos. El cantaor aparece en una cruz, con un guitarrista y un nazareno. Los bailarines son solo tres parejas. Salud está presente, y cuando canta su segundo y desgarrador monólogo lo hace mientras están detenidos los demás. En la escena final, Salud se suicida clavándose un cuchillo que pone en las manos de Paco. 

La orquesta también ha sufrido las consecuencias de esta situación, ya que la opulenta orquesta que la partitura requiere se ha reducido a una veintena de músicos, separados por distancia de seguridad y con mamparas. Pese a que el maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, quien consiguió el permiso de los herederos de Falla para la ocasión, dirigió maravillosamente, la obra se quedaba deslucida con esta necesaria reducción. Es cierto que las escenas más íntimas o profundas quedaron bien resueltas, como en el primer acto, pero no así en la riqueza del segundo, aquí falto de esa energía que le da la orquesta al completo a las danzas y las escenas de desesperación de Salud. El Coro estuvo a un excelente nivel, pese a estar reducido en escena, pero dejándonos un potente interludio.


Ainhoa Arteta interpretó a Salud, siendo el principal reclamo de la función, y cumpliendo las expectativas. La voz atraviesa una madurez conveniente a esta obra, que la dota de un timbre dramático ideal. En el acto segundo alcanzó sin duda su plenitud, con una memorable interpretación del aria "Allí está, riyendo junto a esa mujer", haciendo gala de unos estupendos agudos, pero también de unos pianísimos en todo el acto, así como de unos graves desgarradores. Y esos pianísimos volvió a usarlos en su escena final. A nivel interpretativo, dentro de un montaje extremo para su personaje, también estremeció con su actuación, sufriente, siempre al límite. Aún siendo esta una obra para lucimiento de la soprano, Arteta hizo suya la representación de forma incontestable.

Jorge de León, quien aparece en el vídeo de esta producción en Valencia, aparece con la voz cada vez más abaritonada, pero aún con el impresionante agudo que le caracteriza. Su Paco es realmente varonil, al que se le ven las intenciones nada más verle, representando una versión cruda del personaje. Incluso al final, cuando se ve acorralado, no trasmite que sea una total derrota. Gran caracterización la del tenor canario.

Ciertamente, el resto del reparto ha estado también a un nivel supremo, con las impresionantes voces del bajo Rubén Amoretti como el tío Sarvaor y del barítono Gerardo Bullón como Manuel, ambas con un volumen, una dicción y una presencia escénica imponentes. María Luisa Corbacho tiene una voz enorme en el rol de la abuela, si bien evolucionó desde un inicio un tanto nasal hasta llegar a un convincente segundo acto, con un interesante timbre. Jesús Méndez como el cantaor estuvo correcto, digno, y también hay que mencionar a Gustavo Peña, con una bella, heroica interpretación de la voz de la fragua.

Ha sido emocionante ver de nuevo ópera escenificada en el Teatro de la Zarzuela. Nuestro género, que está en decadencia, no ha podido tener mejor regreso que con una zarzuela recuperada y con la que es posiblemente la más representada y popular de las óperas españolas. Teniendo en cuenta la que está cayendo, es un regalo sentir la magia de la música de Falla en vivo en este momento.

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lunes, 28 de septiembre de 2020

Watching the great Kna on video: Hans Knappertsbusch conducts Wagner in Vienna.

Few of the great Wagner conductors of the past have left some videos of their wagnerian performances: Sawallisch, Böhm, Karajan left some filmed complete performances. The master of Bayreuth and one of the doyens of Wagner conducting, Hans Knappertsbusch, left only three filmed concert performances, all of them filmed during the Wiener Festwochen, in 1962 and 1963, conducting the Vienna Philharmonic Orchestra. The pieces filmed were Prelude and Liebestod from Tristan und Isolde, the Siegfried-Idyll and the Act I from Die Walküre. A scarce legacy comparing all his audio recordings at Bayreuth of the complete operas by Wagner, most of them unsurpassable references.

Knappertsbusch was able to do wonders with the orchestra. His old-school style, with his particular slow tempi,  was so opulent, majestic, with all musicians in full performance; was able to make feel the  beauty of the wagnerian drama, without being boring or annoying. With the VPO he stablished a prodigious collaboration, as gifted as his one with Bayreuth Festival. In these videos he appears old, somehow sturdy but also a bit tired. Nevertheless, he is still able to give unsurpassable and unforgettable performances.

His slow tempi came from the famous "Bayreuth style", what he learned from conductors like Hans Richter, who worked with Wagner himself. Listening to the old recordings by Muck and Von Hoesslin, it could sound old-fashioned, though wonderful, to a modern listener. This doesn't happen with Kna: in his case, that slowness means Wagner's grandeur at his best: every detail, every instrument has the chance to shine magnificently. Every individual musician is part, of the inmense score, and Kna's tempi and style makes them to sound always epic.

In 1962, the filmed concert was devoted to Beethoven and Wagner, the latter represented by the Tristan's most famous excerpts. Here, the brilliant sound of the orchestra helps Kna's baton to perform an enchanting, intense rendition of the Prelude. The famous chord is performed slow, but energically. The famous Liebestod is sung by Birgit Nilsson, who was at her peak of her voice, with her powerful, thunder-like high notes and big-volumed voice, even when she would still have to reach her plenitude in Böhm's recording.  

The 1963 concert was entirely devoted to Wagner. The first part was the Siegfried-Idyll, whose version sounds more in the style of a big symphony than the original chamber style. This version is more familiar, tender, intimate, despite the bombastic sound of the orchestra.

The second part is the famous Act I from Die Walküre, an usual piece of operatic concerts, such lyrical and quite symphonical at the same time. The prelude begins maybe a bit slow, with the strings reaching the climax little by little, and at the same time reflecting the anxiety of escaping through the forest in the middle of the night. The cello, so important here, shines here when Siegmund takes the drink offered by Sieglinde. And when the hero tells his story, the wind section are elegiac at their best. In the final duet, the orchestra and singers become one, the beauty and theatrical sense of this music raise the listener to a supreme level. At the end, the orchestra plays slowly the final tutti, but in order to lengthen the climax, feeling a supreme joy.

Fritz Uhl, despite his limitations, had a lighter voice than his brilliant contemporaries, indeed his high register seems to be limited, cracking the last note, but despite all he has some beauty in his tone to be still better to many of tenors singing today Siegmund. From his monologue Ein schwert verhiess mir den vater, he gets more and more inspiration.

Claire Watson is the great surprise of this video. She recorded Freia and Gutrune in Solti's Ring, so she was usual in the Viennese stage. Her voice has a proper tone, volume, beauty and she is an accomplished performer. Her Sieglinde is a fragile, but determined and brave woman. Her rendition of Der Männer Sippe is anthological, at the same level of her legendary colleagues. Her delightful voice leaves us wonders as a beautiful pianissimo in mich dünkt, ihre klang, hört ich als Kind. In her day, she had to compete with such contemporaries like Rysanek, Grümmer, Brouwenstijn or Janowitz, but her performance is clearly at their level. Today most of the opera houses would long to listen such a soprano.

Hunding is sung by the legendary bass Josef Greindl, here a veteran, but by far the best singer of the concert. Here is the character as Wagner thought: a very dark basso profondo with perfect tone, diction and volume. His Hunding is brute, fearsome and his expressions are so dramatic that gives a sensation of performance. His last line: "hüte dich wohl!" is really chilling, scary. A true wagnerian, opera legend.

These videos, even in a limited black and white image, are wonderful examples of the artistry of Hans Knappertsbusch, and a must for every fan of Wagner's works to watch, to have both pleasures: to see and hear the greatest wagnerian conductor of all time.

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domingo, 27 de septiembre de 2020

El más grande, en vídeo: Hans Knappertsbusch interpreta a Wagner en Viena.


De los grandísimos directores wagnerianos del pasado, casi no existen grabaciones en vídeo de sus más importantes interpretaciones. Quizá entre los que grabaron alguna ópera completa del maestro estarían Sawallisch , Böhm o Karajan. Del decano de la dirección wagneriana, Hans Knappertsbusch, solo existen registros en vídeo de conciertos junto a la Orquesta Filarmónica de Viena, además del famoso vídeo en Bayreuth dirigiendo un fragmento de Parsifal en el foso. 

Durante las famosas Festwochen vienesas de 1962 y 1963, Knappertsbusch filmó dos conciertos, con obras de Beethoven y Wagner, siendo las últimas las que interesan a esta crítica: Acto primero de La Valquiria, Preludio y Muerte de Isolda y el Idilio de Sigfrido. 

El famosísimo primer acto de La Valquiria, (filmado en 1963) tan habitual de las salas de conciertos, tan lírico, tan psicológico y tan sinfónico a la vez, es lo más parecido a una ópera dirigida por el gran Kna en vídeo, y especialmente del Anillo, del que dejó tres versiones en disco consideradas como las mejores de la discografía. Las limitaciones de filmación en directo, especialmente para la televisión, no favorecían la filmación de óperas completas, por eso muchas de ellas eran películas, y de las mismas un gran número eran versiones reducidas de las obras originales. En este caso los conciertos estaban filmados en el emblemático Theater an der Wien, y todos en blanco y negro y calidad limitada de imagen, comparado con diez o veinte años más tarde. 

Knappertsbusch hacía maravillas con la orquesta. Dentro de su estilo vieja escuela, tan opulento, tan mayestático, con la orquesta al máximo rendimiento, era capaz de hacer sentir la grandeza y la belleza del drama wagneriano, capaz de llegar al espectador (y al oyente en sus grabaciones), sin sobrecargarlo. Con la Filarmónica de Viena estableció un vínculo artístico tan prodigioso como el que tenía con el Festival de Bayreuth, y en este sentido todas sus interpretaciones wagnerianas con los wiener son referenciales. En estas filmaciones aparece, aunque todavía recio, ya anciano y aparentemente fatigado, pero aún es capaz de ofrecernos momentos para el recuerdo y absolutamente difíciles de superar.

Los tempi de Kna eran lentos, en el famoso estilo "Bayreuth" que aprendió de directores como su maestro Hans Richter, que habían trabajado con el compositor. A veces estos tiempos podrían resultar cargantes, si escuchamos las viejas grabaciones de Muck o Von Hoesslin, pero los del director de Elberfeld aguantan y superan el paso del tiempo. Esta lentitud, este estilo de grandeza hace que cada detalle, cada instrumento, sea percibible, disfrutable y eleve al oyente, puesto que da la sensación de que cada músico es parte de la epopeya musical wagneriana. Cada sección brilla majestuosamente. El preludio de este primer acto empieza lento: la tormenta y la sensación de huida de Siegmund se sienten quizá más rústicos que la violencia y sensación de agitación de un Solti, pero las cuerdas y la orquesta que se incorporan progresivamente  tampoco dejan lugar al sosiego. Por otro lado, el sonido tan característico y especial de la orquesta le viene a este estilo como Anillo al dedo. Durante la primera parte, la más teatral, Kna saca momentos mágicos de los detalles más nimios. El cello mientras Siegmund bebe agua brilla con luz propia, el viento es elegíaco a más no poder cuando el héroe cuenta su vida. Durante la segunda parte, la más conocida y la más rica y musical, la orquesta alcanza su cénit, sobrepasando en belleza a los cantantes, y a la vez complementándose con ellos para conformar el drama. La escena de cuando Siegmund descubre la espada es simplemente memorable, y en los momentos finales la apoteosis orquestal quizá se alargue más que con otras batutas, pero nos consigue transmitir la excitación, la victoria de los hermanos y amantes, con esas cuerdas brillantes y el tutti orquestal final a golpe perfecto de bombo, propio de la perfecta percusión de esta orquesta.

Lejos de la gloriosa pareja protagonista de su disco de 1957, el reparto, cuenta con una leyenda, una soprano solventísima y un tenor que pese a sus limitaciones consigue ser notable. 

Como Siegmund, Fritz Uhl tiene una voz de tenor que parece ligera comparada con sus legendarios contemporáneos. De hecho tiende a abrirse mucho en la zona aguda, mostrando sus carencias y falta de autoridad vocal, pero aún así tiene la suficiente solvencia como parecer mejor que muchas voces actuales, pese a que sus dos compañeros le anulan y del enorme gallo en el agudo final. Con todo, desde la escena final del acto logra estar inspirado, especialmente en su monólogo Ein schwert verhiess mir den vater.

Claire Watson realiza aquí una Sieglinde inolvidable. La voz no solo está en su sitio, tiene una dicción exquisita, y es de gran belleza, sino que como intérprete es sobresaliente. Su interpretación de la protaginista es la de una mujer frágil, tierna, pero decidida. Su interpretación del aria Der Männer Sippe es de antología, a la altura de sus históricas compañeras, con una pronunciación dramática y un bello registro grave, unos agudos bellísimos al final de Du bist der Lenz, que canta con una voz deliciosa, sino que también es capaz de dar una preciosísima nota en casi pianissimo en "mich dünkt, ihre klang, hört ich als Kind". Watson grabó Freia y Gutrune en el Anillo de Solti, además de ser Ellen Orford en el legendario Peter Grimes de Pears y Britten. En su tiempo, tenía que competir con las históricas Rysanek, Crespin, Brouwenstijn o Grümmer, pero lo que se aprecia aquí es de un nivel tan alto que hoy en día todos los teatros se pelearían por una Siglinda así.

El mítico Josef Greindl es Hunding. Y no decepciona, ya que aun siendo aquí veterano, no se aprecia decadencia ninguna: sigue teniendo esa voz tan oscura, potente, rotunda, que atemoriza e impone. Sus miradas y expresiones hacen que el concierto gane en teatralidad. Y su última frase "hüte dich wohl!" la pronuncia como un auténtico villano, muestra de las tablas que este bajo profundo de raza tiene aún.

Del concierto de 1963, también nos ha llegado su versión del Idilio de Sigfrido, del que realiza una interpretación de nuevo opulenta, más sinfónica que camerística, haciéndonos creer que suena la orquesta al completo en lugar de un pequeño grupo de músicos. En esta ocasión el lento estilo Kna nos recrea una atmósfera familiar, tierna, intima, pese a la sensación de abundancia que viene de la perfecta vivisección de la partitura, donde como siempre con él, cada instrumento tiene su monumental momento de gloria.

Un año antes, en 1962, como colofón a un concierto mayoritariamente dedicado a Beethoven, Kna nos deja en este otro vídeo su inolvidable interpretación del Preludio de Tristán e Isolda, así como el no menos famoso Liebestod, aquí interpretado por nada más ni nada menos que Birgit Nilsson.

Aquí la batuta de este genio lleva a la orquesta a realizar una intensa y hechizante interpretación. El famoso acorde es interpretado enérgicamente. En cuanto al final de la obra, Nilsson está aquí en pleno apogeo de sus facultades, y aunque aún no llega al nivel definitivo de su  disco con Böhm, da una pequeña muestra de su imperial Isolda; con esos agudos tan potentes y tan característicos de su gigantesca voz. 

Naturalmente, estos tres videos son solo unos pocos ejemplos de todo ese insuperable legado artístico que nos ha dejado principalmente en sus grabaciones en disco, donde están sus más grandes interpretaciones. Y aún así son imprescindibles para todo wagneriano porque nos dan la oportunidad, el inmenso placer de no solo oír, sino ver dirigir, en toda su grandeza, al director wagneriano más importante de todos los tiempos. 

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente.

lunes, 21 de septiembre de 2020

Big Scandal at Teatro Real: The audience prevent the performance due to lack of social distancing measures in the hall.


Madrid, September 20, 2020.

I was supposed to review yesterday's performance of Verdi's Un Ballo in Maschera. I was supposed to see Ramón Vargas in his return to Teatro Real after many years, and for many people under 35, an unique opportunity. However, all those expectations vanished, just to witness the biggest scandal in the modern history of Teatro Real, a consequence of the awful pandemics we are suffering.

Situation on the mezzanine...

Shortly before the performance could have started, a female voice adressed the audience through the loudspeakers, welcoming them and remembering the safety protocol. And at the mention of safety measures, the people in the mezzanine, the cheapest zones, called Paraíso (an equivalent of the Met's Family Circus) , started to yell and boo strongly. The reason was that in their zone most of spectators were seated together, like before Covid, with no social distancing, unlike the lower zones and the parterre, with huge spaces between seats and the safety distance completely guaranteed. Even the signals of "seat unavailable" were seen in the parterre, unlike the upper zone.

And in the Parterre...
While the people started protesting, the people in the parterre was looking completely dumbfounded up. People yelled "Vergüenza (shame on you)", and even when it wasn't clear at that moment, they cried also "suspensión (cancellation)". The female voice on the loudspeakers then spoke again to say: "Due to location problems at the mezzanine, the performance will be delayed in 15 minutes". While saying "location problems", the upper audience started to laugh loudly and continued with their protest, now clapping. Few minutes before the performance started, the loudspeaker voice said that the spectators not agreeing with the situation could leave and note their names for a refund of their money. At this point, some people started to leave the hall.

Suddenly, lights were shut down, and the maestro Nicola Luisotti came to the orchestra pit to conduct the opera. But then, the protest went wilder: the people not only shouted, but also started to clap the floor with their feet and shaking the lights of their mobile phones. The overture couldn't be heard and before the opening chorus, the violins hit their instruments with their archs and the curtain fell. 

Lights were turned on and despite most of the upper zone was empty enough to relocate the remaining people, the audience's outburst of rage was unstoppable. The loudspeaker female voice offered again the refund to the disagreeing people and invited them to leave the hall. The police arrived and entered the hall, but only to talk with some accomodators and leave again, finding the social distancing was fulfilled. At this point, among the audience started some voices of disagree, stating that since the refund was offered, the performance should begin, also as a sign of respect towards the artists. But the protesters refused, and even some of them wanted to be relocated on the parterre and its closest empty balconies. Later it was said this was being done, but since my seat  I couldn't see it.

For a second time, lights went down and Luisotti appeared again, now looking at the audience to talk, and despite the pleas to let him talk, the protesters didn't let him, so he started again to conduct. Despite many people have left the hall, there remained enough people to keep on protesting, and they clapped and shouted again. Someone said: "Respect the artists" and a woman said "Respect the people upstairs!" and another man yelled the woman "You're gonna get it (coronavirus) by shouting so much!" The music could be heard better but still with a big noise. And then, Ramón Vargas entered and the protests went louder, so he couldn't sing. Nevertheless, he could go ahead and sang "La rivedrò nell' estasi"in those circumstances. After his aria, he stopped singing and he looked at the orchestra pit in a gesture of asking what could they do. At this point, Luisotti abandoned the orchestra pit and the curtain fell definitively.

Then, people from the parterre confronted the audience from the upper zones, and interchanged shoutings and insults. For the last time, the woman on the loudspeaker intervened to state that only the 51% of the seats were sold, as established by the law, and since performance cannot be held, it had to be cancelled. The people left then the building with a mixture of sadness and outrage. As we were leaving, we could see the accomodators affected and still very nervous for what they had gone through.

Why this did happen? In a release, Teatro Real has said that safety measures have been strictly followed and the protest came from a reduced group. Yesterday, the differences were visible between up and down: the first ones sitting very close and the second ones sitting more separately. At the beginning of the season, Teatro Real started to sell the 65% of the seats for each performance. However, they found themselves with an obstacle: the alarming increasing number of Covid-19 cases in Spain and particulary in Madrid, again the pandemic focus in the country. And with this handicap they first closed the purchase for most dates and the opening Youth gala (finally hosted on September 16th), to be re-opened some days prior the performances began.

At the beginning, everyone upstairs, supported the protest because we couldn't believe our eyes. However the legitimate protest at such organization fail, turned into an unbereable revenge when the reduced remaining group insisted on boycotting the performance and didn't let the artists, technical and other staff to do their job. They were the real damaged. And many of us wanting to see a magnificent performance with Ramón Vargas of this Verdi classic have been deprived of this. The final sensation is of sadness, because it is not easy to repeat at the opera, due to the high prices, final circumstances and now a terrible new reason.

From today, 37 areas both in Madrid City and Region have entered into a regime of restricted movility due to the incrasing cases of Coronavirus, so around 800,000 people will could be able to leave their neighbourhoods just to the essential, and possibly opera is not included among that "essential".

I really hope that situations like this won't be repeated again, for the sake of audience and above all the Teatro Real staff and artists, who doesn't deserve such a thing. Teatro Real in its release has promised to work to prevent future incidents and to communicate better with audience. We hope so, and the remaining performances could run with spectators properly distanced and without any problem. Even when for many people living in the newly lockdown areas, despite their money will be refund, that opportunity has been gone for a while.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.
Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

El público derrota al Teatro Real: se suspende la representación prevista ante protestas por falta de distancia de seguridad.


Hoy tendría que haber comentado la función prevista de Un Ballo in Maschera con la que el Teatro Real abría temporada. Hoy tendría que haber visto, por primera vez, a Ramón Vargas, el legendario tenor mexicano, quien cantaba en la función prevista para este día. Pero nunca, en 19 años de espectador de ópera me podía imaginar que esas expectativas se podrían hundir debido al mayor escándalo que se ha visto en la historia moderna de este teatro, consecuencia de esta pandemia que está afectando nuestras vidas.

Poco antes de que empezara la función, y con las luces de la sala aún encendidas, una voz grabada por megafonía daba la bienvenida al público y mencionaba el cumplimiento de medidas de seguridad, cuando en ese mismo momento desde la zona del Paraíso (la más alta y la más popular del teatro junto a la Tribuna) empezó a abuchear y gritar con fuerza. La razón se debía a que en esta parte del teatro los espectadores estaban ocupando la mayoría de las butacas, todos juntos, sin las separaciones de seguridad que se llevó hace dos meses en las funciones de La Traviata. Mientras tanto, en las zonas más bajas, y por tanto más caras, la distancia de seguridad se cumplía perfectamente, e incluso con las cintas de "No disponible" que separaban los asientos ocupados de los que no se podían llenar, e incluso había palcos enteros vacíos.

Al mismo tiempo que los espectadores del paraíso aplaudían, abucheaban, pitaban y gritaban fuertemente, la gente de Platea miraba estupefacta. La gente gritaba "vergüenza", pero aunque no se oía, algunos ya gritaban "suspensión". Ya se temía que la función no se realizaría. Aún así, por megafonía una voz femenina dijo que por "problemas de colocación en Paraíso (no se entendía bien)", la función se reanudaría en quince minutos". En la zona mencionada la gente se rió a carcajada abierta y siguió protestando. Poco antes de que la función comenzara, la voz de megafonía dijo que los espectadores que no estuvieran satisfechos, podrían pedir la devolución de sus localidades y apuntarse en una lista. La gente empezó a irse, pero no toda. 

De repente se apagaron las luces y el maestro Nicola Luisotti empezó a dirgir a la orquesta. Entonces el público de arriba empezó, además de abuchear más fuerte, a zapatear y mover las luces de los móviles. No podía escucharse la obertura, tras la cual, los músicos empezaron a golpear los instrumentos y se bajó el telón. Hubo aplausos. La situación empeoraba, y de nuevo la voz de megafonía ofrecía la posibilidad de devolver el dinero a quien quisiera irse. En este punto la policía llegó al Teatro Real. Tres policías estuvieron hablando en la zona de Paraíso, pero no estuvieron mucho rato. La prensa, al parecer, dijo que habían visto cumplidas las distancias de seguridad.   

Situación en el paraíso...

Aunque mucha gente se había ido para entonces, y el Paraíso quedaba bastante despejado, no se fueron los artífices de la protesta. En este punto empezaron las diferencias entre el público de arriba: algunos pedían que ya que les habían ofrecido la devolución de la entrada, que dejaran que la función comenzara. Pero les respondieron que no. Incluso algunos exigían que se les reubicara en las zonas de abajo, donde había muchos espacios vacíos. Y la palabra "suspensión", junto a "fuera", sonaba cada vez más clara: mal presagio se cernía sobre la función. De nuevo se apagaron las luces y el director Luisotti volvió a salir al foso, pero esta vez se dirigió al público y movió las manos para intentar hablar. No le dejaron: los abucheadores seguían protestando, incluso algunos pedían que dejaran hablar al maestro, sin éxito. Aunque había menos gente arriba, estaba la suficiente para hacer el ruido necesario para impedir escuchar la música en condiciones, debido a los aplausos y los gritos de fuera durante la obertura. Alguien pidió respeto a los artistas, y una mujer dijo sonoramente: "respeto para la gente de Paraíso", otra persona le respondió: "Te vas a contagiar de tanto chillar". Todo esto mientras sonaba la obertura. En ese momento, tras el coro inicial, el tenor Vargas salió a escena, pero el público empezó a abuchear y no pudo cantar, siéndole entre otras cosas, imposible escuchar a la orquesta. Tras un rato, pudo empezar a cantar su aria "La rivedrò nell'estasi", pero las protestas no cesaron ni tampoco los gritos de suspensión, con lo que escucharle en condiciones no era posible. Con todo, pudo terminarla, pero en ese momento Vargas miró al foso en un gesto que parecía decir "¿Qué hacemos?". Entonces Luisotti abandonó el foso de la orquesta y el telón se bajó, esta vez definitivamente.

... y en el patio de butacas.

Tras iluminarse de nuevo la sala, hubo gritos desaforados, incluso amenazas entre la gente del patio de butacas y el paraíso... Por última vez, la voz de megafonía (en ningún momento salió algún responsable, posiblemente por no estat allí al ser función de domingo) argumentó que las entradas vendidas habían sido un 50% del aforo total, lo que desencadenó una última y sonora protesta. Tras esta afirmación por parte del teatro, la representación se dio por suspendida, una hora después del inicio del alboroto. La gente abandonó la sala con una mezcla de indignación y frustración. En las salidas se podía ver algunas acomodadoras visiblemente afectadas y nerviosas debido a la situación que tuvieron que enfrentar, imposible de lidiar ante unos enérgicos y violentos espectadores que si pudieron suspender la función, habrían podido cómodamente con ellas.

¿De quién fue la culpa? ¿Quién ganó y perdió? A priori, no queda duda de que el único responsable es el Teatro Real con su caótica venta de entradas. A principios de mes, la venta estuvo cerrada para la mayoría de las funciones, dejando las últimas para la venta. Se entiende que pudo ser, ante la subida de contagios de Covid-19 en toda España, que estuvieran esperando a saber qué harían con el aforo vendido y sin vender. De la gala juvenil finalmente celebrada el día 16 no se sabía nada a dos semanas de su anunciado estreno. Finalmente se reabrió la venta, y asegurando el Teatro que lo haría con el 65% de aforo y cumpliendo con las mismas medidas de seguridad que tan bien funcionaron hace dos meses con La Traviata. Nada de eso ha podido verse esta noche en la zona del paraíso: Si bien es cierto que dentro del mismo había zonas libres como las tres filas más altas del final, no habría sido posible reubicar a toda la gente allí concentrada para poder cumplir con la distancia de seguridad. Tampoco habría sido posible realojarlos abajo: desde hace al menos dos temporadas los acomodadores no permiten bajar a las zonas más caras que quedan vacías después del descanso... Aun así, desde mi asiento no pude verlo, parece que sí se intentó reubicar a algunas personas abajo. Y era evidente, que abajo se podían cumplir mejor estas medidas por lo antes mencionado.

 Si el Real busca "conquistar" la normalidad, ¿qué quiere decir con ello? La impresión que ha dado es la de intentar vender como en el pasado y abrir a toda costa, sometiendo al espectador a la incertidumbre ya que las directivas del gobierno son claras: aforos reducidos. Y tampoco acompaña la situación de elevados contagios que España enfrenta de nuevo. Todo el respeto que ganó con la inolvidable Traviata que le plantó cara a la enfermedad hace dos meses, se ha perdido por completo. Y estoy convencido de que el escándalo que esto levante internacionalmente, nos va a convertir en el hazmerreír operístico del orbe por una temporada. En un comunicado oficial, el Real afirma que ha sido un grupo aislado de agitadores en el Paraíso, que se había ocupado el aforo en un 51 %, y que investigará lo sucedido para que no vuelva a ocurrir en un futuro.

Pero pese a que los grandes perdedores han sido el público que no ha visto una función de ópera, así como los artistas que hasta dos veces han intentado simplemente hacer su trabajo y nadie les ha dejado, desde el mismo momento en que los alborotadores se quedaron para exigir la suspensión del espectáculo, como si las fotos, las denuncias, las reclamaciones y las noticias no fueran ya suficientes como para meter al Real en un soberano lío, y boicotear la actuación en marcha, flaco favor han hecho a la inmensa mayoría que ha reclamado legítimamente su derecho a ver ópera con seguridad ante la falta de seriedad de las normas de aforo del Real. Era descorazonador ver a músicos y cantantes no poder hacer su trabajo. Se ofreció la posibilidad de devolver las localidades, pero pese a la, repito, legitimidad de la protesta, mucha gente ha perdido la oportunidad de ver ópera, para lo que habían pagado y puesto sus ilusiones  en ello, también en la zona afectada. Y para muchos será difícil volver a verla: primero por lo caro de las localidades, las circunstancias de cada espectador y segundo por algo mucho más difícil.

A partir del lunes 21 de septiembre, 37 zonas básicas de salud de la Comunidad de Madrid entran en restricción de movilidad, lo que implica que casi un millón de personas no podrán salir de sus barrios salvo para lo imprescindible, entre lo que no está contemplado ir a la ópera o al teatro. Por lo tanto, aunque nos devolvieran el dinero, algunos de los asistentes, como yo, que vivimos en estas zonas; hemos perdido definitivamente la esperanza de ver esta producción o a Ramón Vargas, quien debido su edad, posiblemente no vuelva a cantar una ópera completa en Madrid. 

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente.