Despedir el verano con alegría: La Verbena de la Paloma en el Teatro de la Zarzuela, segundo reparto.

 

Madrid, 30 de septiembre de 2026.

Hace dos años, el Teatro de la Zarzuela estrenó por todo lo alto una nueva producción de "La Verbena de la Paloma", de Tomás Bretón, con gran éxito. No podría ser de otro modo, siendo quizá la más famosa de las zarzuelas, aunque sea de oídas el público de todas las edades conoce el título de la obra o frases míticas como "Hoy las ciencias adelantan que es una barbaridad", "Por ser la virgen de la paloma un mantón de la china-na te voy a regalar" o "Dónde vas con mantón de Manila". En aquel 2024, todas las localidades estaban vendidas. Además se dio la feliz circunstancia que se programó en mayo, coincidiendo con las fiestas de San Isidro. Después de su programación en Madrid, la producción viajó, según mencionan en la revista Bachtrack, a Sevilla, Santander, Oviedo, Málaga y Tenerife. Este mes, la producción de Nuria Castejón vuelve al teatro de la calle Jovellanos, colgando de nuevo el cartel de "no hay billetes". Después de estas funciones irá a Valencia (donde estaba programada para noviembre de 2024, pero las trágicas inundaciones de la DANA obligaron a cancelar todas las funciones) y Valladolid.

La producción de la señora Castejón mantiene el mismo encanto que la hizo triunfar en su estreno. De hecho, se me ocurre que podría (ojalá) seguir el camino de la producción de Mario Gas de La del Manojo de Rosas, y convertirse en un clásico de este teatro, sujeta a muchas reposiciones en el futuro. El tiempo dirá. La Verbena, por sí sola, dura poco más de una hora. Para hacer un espectáculo más largo, se ha recurrido a su propia historia: bien es sabido que esta obra maestra se estrenó en el Teatro Apolo, la "catedral del género chico", en 1895. Pero en 1929 cerró sus puertas y fue demolido, para ser sustituido por la flamante nueva sede del Banco de Vizcaya (actual BBVA). Esta producción toma esa historia como base de un sainete lírico llamado "Adiós Apolo", como prólogo a La Verbena, en la que se narra el último ensayo antes de la última función en dicho teatro: en él no solo aparecen personajes cuyas vivencias y reivindicaciones, feminismo, aumento salarial, situación política, son reconocibles para el público moderno, de ahí que se divierta, sino que los números escogidos muestran algo aún más fascinante, aunque ya se sepa. Que algunos de los números escogidos, como la Polca japonesa de El Pobre Valbuena, o el Tango del Cinematógrafo de La Gente Seria, son muestras de cómo la zarzuela, y especialmente el género chico, han tratado todos los temas y realidades del mundo, a través de su mirada satírica.

Al terminar este prólogo, comienza la zarzuela propiamente dicha: La Verbena de la Paloma. Un deleite para la vista, como ya dije hace dos años, con la realista escenografía de Nicolás Boni que parece uno sentirse en La Latina o Malasaña, el coqueto vestuario años 20-30 de Gabriela Salaverri, o la iluminación de Albert Faura, muy destacada en la escena de la Soleá, iluminando maravillosamente el Café de Melilla. Todo esto contribuye notablemente al disfrute visual, algo que para el público del Teatro de la Zarzuela es cada vez menos frecuente, al parecer.

Tanto tiempo después de su estreno, seguimos disfrutando pero también reconociendo como actuales temas como la escena el Sereno y los guardias hablando de política (buena está la pulítica), o los tóxicos celos de Julián, incapaz de respetar la independencia de Susana, y que ver infidelidades por todas partes: si la joven amada se siente cansada pero al final sucumbe siempre a su dibilidad, y vuelve con él, a pesar de esa seria advertencia que hoy los más jóvenes llaman red flag. Llama la atención lo fuertes e independientes que son las mujeres, en un mundo castizo que aun querido y celebrado, es machista: A Don Hilarión se le tolera su galantería para con las jóvenes, mientras que Susana debe soportar los celos de Julián. Aunque parece que esté estuviera juzgando una obra del siglo XIX bajo el prisma actual, nada más lejos de mi intención: simplemente me parece que estamos ante una obra que despierta varias lecturas, y eso la convierte en actual, que era la intención del género chico: hablar de la realidad. Ni por asomo dejaríamos de disfrutarla.

Para esta reposición se ha contado con los mismos artistas que en 2024, salvo excepciones, y se ha contado con otro elenco, que es el que comentaremos en esta crítica. A nivel general, aun cuando las interpretaciones fueron entregadas, no pude librarme de cierta sensación de rutina.

Carlos Aragón dirige a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, en una interpretación entregada, pero aun así algo rutinaria. A destacar las flautas en el preludio y las coplas de Hilarión, la trompeta de acompañamiento sereno en la famosa soleá, así como contrabajos y violonchelos en la escena de los serenos. El Coro del Teatro de la Zarzuela defendió muy bien sus intervenciones, además de encajar bien con los bailarines en las danzas.

César San Martín fue un Julián muy bien interpretado: un joven castizo carcomido por los celos, rol en el que estuvo convincente, y también en lo vocal con su voz con un bello tono grave. Maria Rey-Joly interpretó a Susana: la voz está ya muy madura, pero arrojo escénico no le falta: tanto en el prólogo como la actriz feminista y empoderada, como en la obra interpretando a una Susana muy castiza, sensual y con personalidad. Siempre me sorprende la versatilidad de Jorge Rodríguez-Norton, quizá porque lo sigo asociando con sus intervenciones wagnerianas en Bayreuth, y si en tierras germanas interpreta a un solemne maestro cantor, a un inocente escudero del Grial, aquí despliega su vis cómica en la polca del fotógrafo en el prólogo, y luego como un rejuvenecido y despreocupado Don Sebastián. Divertido, aunque le falte algo de la decrepitud asociada muchas veces a su personaje, el Hilarión de Antoni Comas, que aquí resulta un playboy maduro, y vocalmente se dejaba oir por la sala. Milagros Martín repitió su entregada Señá Rita de 2024, con la voz madura, pero convincente en el maternal personaje. Rafa Castejón fue un divertido Tabernero (aunque me hace daño tener en la cabeza a Pepe Ruiz en el personaje) y más convincente aún en el prólogo como el incomprendido y vanguardista director de teatro. Gurutze Beitia repite también como una matronil y divertida Tía Antonia, teniendo además la oportunidad de cantar con picardía el tango del cinematógrafo, en una excelente interpretación del rol de la sensible Característica, tan opuesta a la vulgar Antonia. Otra que vuelve a impresionar, e incluso diría que más que la otra vez, es la cantaora Sara Salado en la soleá, que fue recibida con un aplauso largo, que parecía que le iban a pedir un bis, estando, en los saludos finales, entre los más ovacionados del elenco. Bien Ana San Martín como Casta, y el ver otra vez a Mitxel Santamarina en el rol de Sereno, me recuerda cuando le vi en este mismo rol, y en este mismo escenario, en la polémica versión que el Proyecto Zarza hizo de esta obra en 2019, que fue mi primera Verbena, y la que terminó de acercarme al Teatro de la Zarzuela. Aunque fuera solo por nostalgia, verle por tercera vez en esta obra me alegra y me trae buenos recuerdos.

Como no podía ser de otro modo, la función terminó con ovaciones a los artistas, que saludaban mientras la orquesta interpretaba la famosa mazurca. Había varias personas jóvenes entre el público, incluso tres de ellos se interponían entre mi y una señora cuyo móvil hizo sonar "Un velero llamado libertad" de José Luis Perales, mientras en escena estaban los serenos hablando de polítical al son de la bella y serena música del Nocturno. No deja de ponerme de los nervios la manía de la gente para hablar, cuchichear en medio de, no digo ya los números orquestales, sino de algunos números hablados y cantados. Volviendo a los jóvenes, me dan esperanza para el futuro del género.

Y así despedimos el verano con este gran inicio de temporada: ahora nos espera una obra nueva sobre las Trece Rosas, la reposición de Los Gavilanes, y las dos citas más esperadas: La Bruja y El Barberillo de Lavapiés dirigido por Christof Loy. El Teatro de la Zarzuela podrá haber hecho caja, pero también nos ha alegrado a todos los asistentes, porque de una función de esta obra solo se puede salir con una sonrisa... y con ganas de volver a verla.

Las fotografías y vídeos escénicos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

What a weekend! Daniel Barenboim and Kent Nagano conducting in Madrid.

Madrid, September 19 and 20, 2026.

Madrid's operatic and symphonic scene is vibrant. While it may not be at the same level as its counterparts in London, Paris, New York, Vienna, or Berlin, we are often visited by several of the greatest artists. Last  weekend, two eventsrepresentative of what I mentioned earlier, took place. Two living legends of orchestral conducting visited us these last two days: the Argentinian Daniel Barenboim and his West-Eastern Divan Orchestra performed at the Escena Escorial Festival, and the American Kent Nagano made his debut as principal conductor of the Spanish National Orchestra with Gustav Mahler's Second Symphony. Both acclaimed maestros have decades of experience working with the finest orchestras on the most prestigious stages, count with extensive discographies, and visited us on numerous occasions. Barenboim is one of the last great living conductors of the 20th century: his performance of music by Wagner, Beethoven, Bruckner, Mozart, and other German composers have resulted in acclaimed concerts and recordings. Nagano is a maestro with a very varied repertoire: one of the great champions of Olivier Messiaen's music, whose Saint François d'Assise he conducted in Salzburg, and a notable interpreter of Mahler, Wagner (he has conducted a Ring Cycle on period instruments in recent years), several French composers, among others. 

The Escena Escorial Festival has become the successor to the Escorial International Festival, inaugurated in 2005, which, after a triumphant first edition, has consistently offered events of interest. Directed by Alondra de la Parra, principal conductor of the ORCAM (Orquesta de la Comunidad de Madrid), its inaugural season featured, among others, pianist Grigory Sokolov for its opening concert, and concludes with Barenboim and his Divan Orchestra. The Argentinian maestro is one of the most acclaimed conductors in the capital. His tours in Madrid with the Berlin State Opera, as part of the former summer festival at the Teatro Real, are still fondly remembered, featuring soloists, chorus, orchestra, and stage productions between 2000 and 2003, performing operas and concerts. In 2002, he conducted Tannhäuser and Elektra for us, and I, at the tender age of fourteen, attended both performances. Between 2004 and 2011, he switched from the Teatro Real (due to disagreements with the regional government, which refused to program Schoenberg's Moses und Aron that year, deeming it unsuitable for their summer festival because of its difficulty for the audience) to the Plaza Mayor, this time with his Divan Orchestra, conducting free concerts for thousands of people, performing works by Beethoven, Wagner, and Berlioz, among others. Since then, he has occasionally been seen conducting or playing piano at the Auditorio Nacional, but at the extremely expensive prices of Ibermúsica.

The West-Eastern Divan Orchestra, his Divan Orchestra, is his most cherished project. In 1999, Barenboim and the Palestinian writer Edward Said founded this orchestra to bring together Israeli and Palestinian musicians (and later Spanish and other Arab musicians) to foster dialogue for peace through music. The orchestra has become not only a symbol of peace but also a musical ensemble of the highest caliber. In 2026, with a genocidal war between Israel and Hamas ravaging Gaza, and with Israeli politicians boasting of their impunity, the idea behind this orchestra remains essential, especially in a present-day Spanish society more supportive than ever of the Palestinian cause, but also in which some anti-Semitic remarks disguised as legitimate criticism of Israel creep into some discourse. 

The San Lorenzo del Escorial Auditorium Theatre (very close to the famous palace-monastery) was packed to capacity, with tickets sold out months in advance. Before the concert began, Ms. De la Parra gave a lengthy speech about Barenboim, the orchestra, and the Festival. The orchestra then entered to tune, and shortly afterward, to a resounding ovation, the maestro entered, visibly frail due to his health (he suffers from Parkinson's disease and left the Berlin State Opera in 2022 due to neurological problems). Indeed, the maestro's health cast a touch of sadness over the start of the concert: this once robust man, who used to travel the world performing one concert after another, sat slowly in the chair placed for him on the podium, barely moving his baton or left hand, and even glanced at the score somewhat disoriented at the beginning of the first piece. In fact, during the first piece, I got the impression that the orchestra, led by his son Michael Barenboim as first violin, was walking on its own when the maestro couldn't.

But any physical limitations were more than compensated for by the orchestra's exceptionally high level. Barenboim doesn't need to move much to continue leading an ensemble with which, due to the bond he shares, he complements it so completely until becoming a single, superb musical force. From the very first piece, Schubert's famous, unfinished Eighth Symphony, the spectacular sound of each section of the orchestra impressed the audience. The double basses began with a whisper-like beautiful pianissimo, to be soon answered by the rest of the orchestra. Then, the superb strings, the imposing horns, the flutes, clarinets, and oboes, and the spectacular percussion delivered an electrifying performance of the first movement. One was amazed by the ease with which the brass instruments sustained notes. When it concluded, the audience applauded spontaneously, which elicited a few nervous smiles from the musicians. The celestial and final second movement showcased the excellent woodwinds, and once again the orchestra responded with all its power. But the best was yet to come.

Next came a work Barenboim knows by heart and which is a touchstone of his repertoire: Tristan und Isolde by Richard Wagner. An opera he conducted in Bayreuth for 18 years and has recorded many times. The orchestra performed the Prelude and Liebestod (Death of Love). The latter was one of the highlights of the evening: after a spirited rendition of the prelude, the clarinet (replacing the voice) launched into an intimate and beautiful passage, followed by all the other, incredibly inspired instruments, with the strings displaying a spectacular tremolo in both pieces. And here, Barenboim didn't falter.

The second part was supposed to be Beethoven's Third Symphony. But a few days ago, at the maestro's request, it was changed to Robert Schumann's Third Symphony, the famous "Rhenish." And indeed, the spectacular symphony was well performed by the orchestra. In fact, hearing it live and so well performed seemed a far superior experience to when I've listened to it on a recording at home, where it didn't excite me as it did live. However, unfortunately for me, the fact that the event lasted longer than expected due to De la Parra's speech and the maestro's slow tempos forced me to leave after the second movement of this work, since the last bus from El Escorial to Madrid left at 10:00 p.m. sharp, and the difference between taking the last regular bus and the night bus is that with the latter I would have arrived home in the early hours of the morning. That's the bad thing about this theater: it's so far from Madrid by public transport that you feel like you're traveling to Bayreuth, feeling like it was a pilgrimage for the sake of the art, and if the performance ends after ten or eleven at night, the bus and the train don't wait.

Even so, it was well worth the trip to El Escorial to enjoy the artistry that one of the greatest conductors of the second half of the 20th century can still offer, although the visible limitations imposed by his health suggest that this could be the last time Barenboim conducts in Spain. I hope I'm wrong.

The following morning, the last of three concerts took place, a series that ran from Friday to Sunday, featuring American maestro Kent Nagano leading the Spanish National Orchestra and Choir. He performed Gustav Mahler's monumental Second Symphony, a favorite among Madrid audiences (I say this with authority: Alondra de la Parra performed it in El Escorial a few weeks ago, and the Spanish Television Orchestra will soon perform it at the Teatro Monumental). Mahler marked the end of last season and the end of David Afkham's twelve-year tenure at the helm of the institution, and now begins the era of Kent Nagano. Regardless of whether Nagano's performance is better or worse than Afkham's, having one of the world's most renowned conductors leading our National Orchestra is a major event. Nagano is not making his debut with the orchestra; he has conducted them on several occasions. Nor is he a stranger to Madrid: he has also visited the Auditorio Nacional with Ibermúsica.

Due to Mahler's popularity and the anticipation surrounding Nagano, the Auditorio was also packed. The concert, however, did not begin with the monumental work of the Austrian composer, but with a premiere: "Desire Took Delight," by Mikel Urquiza, a Spanish composer. The atonal work, with its use of percussion, sounds, and a choir that recited and sang phrases from Sappho's poems, was not entirely comprehensible to the audience. Even so, I don't want to criticize it: I recognize its merit, although perhaps due to my limited knowledge, I haven't been able to fully appreciate it.

Urquiza's final bar gave way to the opening of the strings, ushering in Mahler's monumental work. Death, spirituality, nature, the search for God, and regeneration after darkness, the emergence of life; these are recurring themes in Mahler's work and in this symphony. The composer creates a world of conflict, of highs and lows, culminating in the total fulfillment offered by resurrection in the apotheosis that concludes the work. The fourth and fifth movements include some of the most beautiful compositions ever created for lyric singing. The first of these, called "Urlicht" or "Primeval Light" in German, is a poem taken from Das Knaben Wunderhorn, a collection of songs Mahler borrowed from poems by Brentano and von Arnim. The contralto addresses the listener, almost whispering "oh, little red rose," beginning a beautiful song that speaks first of sorrow and then of the need to return to God. That return will unfold in the next movement, which sets to music the poem "Resurrection" by Gottlieb Klopstock, in which life triumphs over death and God waits with open arms.

An agile and powerful Nagano took the lead with the orchestra, delivering a performance characterized by its attention to detail, the seamless transition of sounds (achieving effective contrast as instruments moved from one tempo to another), and the alternation of time signatures. I reflected on how different this interpretation might be from Afkham's. This is a work that must be seen live to be fully appreciated. Nagano orchestrated the piece in such a way that each instrument could shine. The bassoon and trumpets, played offstage, had a magical effect. The choir was spectacular, from the very beginning of their entrance in the final movement, with a sacred music sound that created a unique atmosphere. The solo singers, however, were another matter entirely, both performing for the first time in Spain: the German mezzo-soprano Christina Bock and the Canadian soprano Jane Archibald. Bock's Urlicht was rather understated, more restrained than angelic, but she seemed to improve in her second appearance. Archibald has a pleasant, but equally discreet, voice, in a part that, on the other hand, doesn't allow her to stand out much either.

The evening ended with a resounding ovation for Nagano, the choir, and the orchestra, but the audience in the upper tiers added their own touch to the spectacle: during Urquiza's piece, a cell phone rang saying "no signal," which provoked some laughter. The woman sitting next to me and literally fell asleep, only to wake up and stare at her phone until the end of the concert. Something more serious also happened: a gentleman in the audience had a health problem and had to be helped out by several people to the ambulance waiting outside.

And so ends this intense weekend, in which two titans of music offered us some of the finest works of Central European music in two exceptional concerts. Although we are accustomed to grand musical events, we will always remember those two intense days.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Stage photographs belong to the Teatro Real. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

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¡Vaya fin de semana!: Daniel Barenboim y Kent Nagano dirigen en Madrid.

Madrid, 19 y 20 de septiembre de 2026.

La escena lírico-sinfónica de Madrid es vibrante. Aunque no esté al nivel de Londres, París, Nueva York, Viena o Berlín, nos visitan varios de los más grandes artistas. Sin embargo, este fin de semana que acabamos de dejar, podrá haber sido coincidencia, podrá haber sido incluso anecdótico comparado con otros eventos aquí y en otras ciudades; pero es representativo de lo que he dicho antes. Dos leyendas vivas de la dirección orquestal nos han visitado estos dos últimos días: el argentino Daniel Barenboim con su West-Eastern Divan Orchestra han actuado en el Festival Escena Escorial, y el estadounidense Kent Nagano se ha estrenado como titular de la Orquesta Nacional de España con la Segunda Sinfonía de Gustav Mahler. Ambos aclamados maestros acumulan décadas trabajando con las mejores orquestas, en los mejores escenarios, cuentan con un amplísimo legado discográfico y nos han visitado en varias ocasiones. Barenboim es uno de los últimos grandes directores de orquesta vivos del siglo XX: sus interpretaciones de Wagner, Beethoven, Bruckner, Mozart y demás autores germanos se han traducido en aclamados conciertos y grabaciones. Nagano es un maestro con un repertorio muy variado: uno de los grandes adalides de Olivier Messiaen, cuyo San Francisco de Asís dirigió en Salzburgo, y notable intérprete de Mahler, Wagner (ha dirigido un Anillo con instrumentos originales en los últimos años), varios autores franceses, entre otros. 

El Festival Escena Escorial se ha convertido en heredero del Festival Internacional del Escorial, inaugurado en 2005 y que tras una primera edición apoteósica, ha contado siempre con algún evento de interés. Dirigido por Alondra de la Parra, titular de la ORCAM, en su primera temporada ha traído entre otros al pianista Grigory Sokolov para su concierto inaugural, y lo concluye con Barenboim y su orquesta del Diván. El maestro argentino es uno de los más aclamados en la capital. Aún se recuerdan sus giras en Madrid con la Staatsoper de Berlín en el antiguo festival de verano del Teatro Real, con solistas, coro, orquesta y puestas en escena entre 2000 y 2003, interpretando óperas y conciertos. En 2002 nos dirigió Tannhäuser y Elektra, y yo asistí con mis catorce jóvenes años, a ambas funciones. Entre 2004 y 2011 cambió el Real (debido a diferencias con el gobierno regional, ya que este último se negó a programar el Moisés y Aarón de Schönberg ese año, por considerarlo inadecuado para su festival de verano, debido a su dificultad para el público) por la Plaza Mayor, esta vez con su orquesta del Diván, dirigiendo gratuitamente para miles de personas, obras de Beethoven, Wagner y Berlioz, entre otros. Desde entonces, se le ha visto dirigiendo o tocando el piano en el Auditorio Nacional alguna que otra vez, pero a los prohibitivos precios de Ibermúsica.

La West Eastern Divan Orchestra, su orquesta del Diván, es su más querido proyecto. En 1999, Barenboim y el escritor palestino Edward Said fundaron esta orquesta, con el fin de reunir a músicos israelíes y palestinos (y luego españoles y de otros países árabes), con el fin de dialogar por la paz a través de la música. La orquesta se ha convertido no solo en un referente pacífico, sino en una formación musical del más alto nivel. En 2026, con una guerra genocida entre Israel y Hamás que está asolando Gaza, y con unos políticos israelíes alardeando de la mayor impunidad, la idea que creó esta orquesta sigue siendo necesaria, especialmente en una sociedad española más solidaria que nunca con la causa palestina, pero en la que también sue cuelan chascarrillos antijudíos disfrazados de lógico antisionismo, en algunos discursos. 

El Teatro Auditorio de San Lorenzo del Escorial (muy cerca del famoso palacio-monasterio) estaba lleno hasta la bandera, con las entradas vendidas desde hace meses. Antes de iniciarse el concierto, la señora De la Parra dio un largo discurso sobre Barenboim, la orquesta y sobre el Festival. Entonces entró la orquesta a afinar, y poco después, recibiendo una fuerte ovación, entró el maestro, visiblemente frágil debido a su estado de salud (padece de Parkinson y en 2022 dejó la Ópera de Berlín debido a problemas de salud de índole neurológica). Ciertamente, la salud del maestro dio un toque de tristeza al inicio del concierto: ese hombre otrora fuerte que se recorría medio mundo en poco tiempo dando una y otra actuación, se sentó lentamente en la silla que le habían puesto en el podio, movía muy poco la batuta y la mano izquierda, incluso hojeó la partitura un poco desorientado al inicio de la primera pieza. De hecho durante la misma me daba la impresión de que la orquesta, liderada por su hijo Michael Barenboim como primer violín, andaba sola cuando el maestro no podía.

Pero cualquier limitación física se vio compensada de sobra debido al altísimo nivel de la orquesta. Barenboim no necesita moverse mucho para seguir liderando una formación,  con la que, debido al vínculo que mantiene con ella, se complementa hasta convertirse en una sola, y excelente fuerza musical. Porque desde la primera pieza, la famosa Octava Sinfonía de Schubert, la inacabada, el espectacular sonido de cada sección de la orquesta impresionó a los asistentes. Los contrabajos se arrancaron como en un leve susurro, hasta que fueron contestados por el resto de la orquesta. Entonces, las excelentes cuerdas, las imponentes trompas, las flautas, clarinetes y oboes, y la espectacular percusión dieron una interpretación electrizante del primer movimiento. Uno se asombraba con la facilidad para prolongar notas por parte de los metales. Al final del mismo, el público aplaudió espontáneamente, lo que provocó alguna sonrisa nerviosa en los músicos. El celestial segundo movimiento fue de lucimiento para la excelente madera, y de nuevo la orquesta volvió a responder con toda su fuerza. Pero lo mejor estaba por llegar.

Después vino una obra que Barenboim conoce de memoria y que es referente de ella: Tristán e Isolda, de Richard Wagner. Una ópera que durante 18 años dirigió en Bayreuth y que ha grabado muchas veces. La orquesta interpretó el Preludio y la Muerte de Amor. Esta última pieza fue de lo mejor de la velada: tras una interpretación briosa del preludio, el clarinete (sustituyendo a la voz) se arrancó íntimo y bello, para luego ir seguido de todos los demás, e inspiradísimos instrumentos, con unas cuerdas mostrando un espectacular trémolo en ambas piezas. Y aquí, Barenboim no tuvo ningún lapsus.

La segunda parte tendría que haber sido la Tercera Sinfonía de Beethoven. Pero hace unos días, y a petición del maestro, fue cambiada por la Tercera Sinfonía de Robert Schumann, la famosa "renana". Y ciertamente, la espectacular sinfonía estuvo bien servida por la orquesta. De hecho, escuchada en vivo y tan bien servida me pareció una experiencia muy superior a cuando la he escuchado en disco en mi casa, donde no era de mis favoritas. Sin embargo, por desgracia para mí, el que el evento durase más tiempo del previsto debido al discurso de De la Parra y los tiempos lentos del maestro, me obligó a irme después del segundo movimiento de esta obra, ya que a las 22 horas en punto salía el último autobús de El Escorial hacia Madrid, y la diferencia entre tomar el último autobús regular y el nocturno, es que con este último hubiera llegado en la madrugada a mi casa. Es lo malo de este teatro: está tan lejos de Madrid en transporte público que uno se siente como si viajara hasta Bayreuth, por aquello de la peregrinación por el arte, y si la función termina más allá de las diez u once de la noche, el autobús y el tren no esperan.

Aun así, ha merecido la pena desplazarse hasta El Escorial para poder disfrutar el arte que aún puede ofrecer uno de los directores de orquesta más grandes de la segunda mitad del siglo XX, aunque las visibles limitaciones que le impone su estado de salud invitan a pensar que podría ser la última vez que Barenboim dirija en España. Ojalá me equivoque.

Al día siguiente por la mañana, tenía lugar el último de tres conciertos que desde el viernes hasta ayer domingo, ha dado el maestro estadounidense Kent Nagano al frente de la Orquesta y Coro Nacionales de España, para ofrecer la monumental Segunda Sinfonía de Gustav Mahler, una de las favoritas del público madrileño (lo digo con conocimiento de causa: Alondra de la Parra la ha interpretado en el Escorial hace unas semanas, y la orquesta de Televisión Española lo hará pronto en el Teatro Monumental). Con Mahler terminó la temporada pasada y la era de David Akfham al frente de la institución, después de doce gloriosos años, y empieza la de Kent Nagano. Independientemente de lo que vaya a ser el trabajo de Nagano, mejor o peor que el de Afkham, el hecho de tener a uno de los directores de orquesta más renombrados del mundo al frente de nuestra Orquesta Nacional es todo un acontecimiento. Nagano no debuta con la orquesta: ya la ha dirigido en algunas ocasiones. Ni tampoco es un desconocido en Madrid: ha venido también con Ibermúsica.

Debido a la popularidad de Mahler y a la expectación por Nagano, el Auditorio Nacional también estaba lleno. El concierto, sin embargo, no empezó con la monumental obra del compositor austríaco, sino con un estreno: "Deseo tomó delicia", de Mikel Urquiza, un compositor español. La obra, atonal, con su empleo de las percusiones, sonidos, y un coro que recitaba y cantaba frases de poemas de Safo, no resultó del todo comprensible para el público. Aun así, no quiero atacarla: reconozco su valía aunque quizá por mis escasos conocimientos no he podido rencontrarla.

El último compás de Urquiza dio paso al arranque de las cuerdas que daban inicio a la monumental obra de Mahler. La muerte, la espiritualidad, la naturaleza, la búsqueda de Dios, y la regeneración después de la oscuridad, el surgimiento de una vida; son temas recurrentes en la obra de Mahler y en esta sinfonía. El compositor crea un mundo de conflictos, de altibajos, hasta llegar a la plenitud total que la resurrección ofrece en la apoteosis que concluye la obra. El cuarto y el quinto movimiento incluyen algunas de las más bellas composicones jamás creadas para el canto lírico. El primero de ellos, llamado "Urlicht" o "Luz primigenia" en alemán, es un poema sacado de Das Knaben Wunderhorn, una colección de canciones que Mahler tomó de los autores Brentano y von Arnim. La contralto apela al espectador, casi musitando "oh, pequeña rosa roja", comenzando una bella canción que habla primero del dolor y luego de la necesidad de regresar a Dios. Ese regreso se desarrollará en el movimiento siguiente, que pone música al poema "Resurrección", de Gottlieb Klopstock, en el que la vida vence a la muerte y Dios espera con los brazos abiertos.

Un Nagano ágil y fuerte se puso al frente de la orquesta para dar una versión caracterizada por la búsqueda de detalles, la transición de sonoridades (logrando un contraste efectivo en el paso de un tiempo a otro por parte de un instrumento) y la alternancia de tiempos. Pensaba en cuán diferente podría ser esta interpretación de cómo la haría Afkham. Esta es una obra que hay que ver en vivo para apreciarla en toda su magnitud. Nagano hizo trabajar a la orquesta de modo que cada instrumento pudiera brillar. El fagot y las trompetas que sonaron fuera de escena tuvieron un efecto mágico. El coro fue espectacular, desde el inicio de su intervención en el movimiento final, con un sonido religioso, creando un ambiente único. Otra cosa fueron las cantantes solistas, las cuales cantaban por primera vez en España: la mezzosoprano alemana Christina Bock y la soprano canadiense Jane Archibald. Bock hizo un Urlicht más bien discreto, más recogido que angelical, pareció mejorar en su segunda intervención. Archibald tiene una voz agradable, pero igualmente discreta, en una parte que por otro lado, tampoco le permite destacar mucho.

La velada terminó con una fuerte ovación a Nagano, el coro y la orquesta, pero el público de las zonas altas aportó su granito de arena al espectáculo: durante la obra de Urquiza, un móvil sonó diciendo "no hay señal", lo que provocó alguna carcajada. A mi lado se sentó una señora que literalmente se durmió, para luego despertarse y ponerse a mirar el móvil hasta el final del concierto. Algo más serio también sucedió: un señor en el público tuvo algún problema de salud y hubo que sacarlo entre varios, hasta llevarlo a la ambulancia que le esperaba fuera.

Y así termina este intenso fin de semana, en el que dos titanes de la música nos han ofrecido algunas de las mejores obras de la música centroeuropea en sendos conciertos de altísimo nivel. Aunque estemos acostumbrados a grandes eventos musicales, nunca podremos olvidar estos dos días.

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

Walhalla and Wotan in Madrid: Bayreuth Festival Orchestra and Nicholas Brownlee succeed at the Teatro Real.

Madrid, September 3, 2026.

Each year, at the end of the Bayreuth Festival season, its chorus and orchestra disband, so their members can return to their original ensembles (comprising the best orchestras in Germany and the rest of the world). Its productions are also rarely seen in other opera houses. Part of the magic of the Green Hill is that its artistic excellence is confined within the four walls of the theater designed by Richard Wagner, so people from all over the world come year after year to experience it there. Given these circumstances, a tour by the festival's temporary company might seem almost impossible. However, it  happened in some occasions. And of those, two have taken place in Spain. 

In April 1955, the Bayreuth Festival productions of Parsifal, Tristan und Isolde, and Die Walküre, directed by Wagner's grandson, Wieland Wagner, visited the Gran Teatre del Liceu in Barcelona, ​​the Wagnerian capital of Spain. They featured the legendary conductor Joseph Keilberth (who led the Bamberg Symphony Orchestra, as the festival orchestra was not yet formed), the Festival Chorus directed by Wilhelm Pitz, and the cast was formed by legend singers such as Hans Hotter, Ramón Vinay, Martha Mödl, Ludwig Weber, Wolfgang Windgassen, Gustav Neidlinger, Gerhard Stolze, Hermann Uhde, Georgine von Milinkovic, and Gré Brouwenstijn, in addition to the excellent supporting cast. Fifty-seven years later, in September 2012, the orchestra, choir and the full casts of that year's festival returned to the same Barcelona coliseum to perform Der Fliegende Holländer, Tristan und Isolde and Lohengrin in concert version. 

Late 2025: Katharina Wagner, Pablo Heras-Casado and the impresarios posing in the Peralada Castle, announcing the Spanish tour.

If there is one thing to be acknowledged about the festival's artistic director and the composer's great-granddaughter, Katharina Wagner, it's her efforts to bring the institution into the 21st century. Among these reforms is taking the orchestra on tour to other cities more frequently than before. In 2021, the orchestra toured Paris, Cologne, and Riga; and in recent years, in Grafenegg, Austria. Frau Wagner has expressed her admiration for Spain on several occasions: she staged Tannhäuser and Lohengrin here. At the end of 2025, Spanish Wagnerians received suprising news: to mark its 150th anniversary, the Bayreuth Festival Orchestra would tour five Spanish cities—Barcelona, ​​Santander, Seville, Madrid, and Valencia—to perform a selection from The Ring of the Nibelung after the festival's conclusion. A photograph of Ms. Wagner and the artistic directors of those five theaters at Peralada Castle serves as a memento. 

As expected, the Teatro Real hosted the Madrid concert, scheduled for September 3rd. For the first, and hopefully not the only, time, the festival orchestra visited the capital. However, it wasn't the first attempt: in 1899, the theater's then-manager, the legendary Luis París, tried to bring the Festival to the Teatro Real to perform six cycles of the Ring. This would have made Madrid the first city outside of Bayreuth to stage the complete cycle, and moreover, in German—a rarity at a time when all operas in Spain were sung in Italian. Despite the uncertain feasibility of this enterprise, the press reported on the undertaking, and even non-seated suscriptions were sold. Wagner was all the rage in the city's highest intellectual circles, and it was thought that it might be possible. But the Teatro Real's lack of funds and a lack of agreement with German artistic agents ultimately doomed the attempt.

With tickets sold out months ago (they went on sale last November), the event was a must-see for Wagnerians and opera lovers in the city. As previously mentioned, the program consisted of the most celebrated excerpts from the tetralogy. Throughout the tour, the orchestra is under the baton of Pablo Heras-Casado, a regular conductor of the Wagnerian repertoire at the Teatro Real (having conducted the Ring, Der Fliegende Holländer, and Die Meistersinger von Nürnberg), and highly regarded in Bayreuth after his successful debut conducting Parsifal there in 2023, leading it until 2026. In 2028, Heras-Casado will conduct the new Ring production at the festival. Three singers, well-known and highly acclaimed at the Green Hill, performed some of the excerpts: tenor Klaus Florian Vogt, soprano Catherine Foster, and bass-baritone Nicholas Brownlee. The program was as follows: 

Das Rheingold:

Etnrance of the gods to Valhalla, with the aria "Abendlich strahlt der Sonne Auge", sung by Nicholas Brownlee.

Die Walküre:  

"Ein Schwert verhieß mir der Vater", sung by Klaus Florian Vogt.

"Leb' wohl du kühnes herrliches Kind!", sung by Nicholas Brownlee.

Siegfried: 

The Murmurs of the Forest, orchestral.

«Ewig war ich…» and the rest of the final duet, sung by Catherine Foster and Klaus Florian Vogt.

Götterdämmerung:

Dawn and Siegfried's Journey on the Rhine, orchestral

 "Brünnhilde, heilige Braut!", sung by Klaus Florian Vogt, and Funeral March

 "Starke Scheite schichtet mir dort...", sung by Catherine Foster.

Encore: The Ride of the Valkyries, orchestral, from Die Walküre.

After leaving the scorching sun outside, the Teatro Real main hall welcomed the audience with empty music stands and a concert version set illuminated in warm, golden light. As the lights dimmed, an increasingly common practice in concert performances, the orchestra members entered as the audience applauded enthusiastically, and then Heras-Casado began the concert.

Expectations for the concert were high, not only because of the unique nature of the event, but also because this is the best available orchestra for Wagner. Those of us who don't usually travel for opera are accustomed to seeing this composer's operas performed by competent national orchestras, so thanks to this concert, we could finally witness this excellence live without having to travel to Bayreuth. If we only had to judge the quality of the instruments and the musicians' performance alone, then expectations are more than fulfilled. However, in my seat on the seventh floor in the highest zones, the sound didn't reach as far as in the lower sections. In fact, when I had the opportunity to move to the gallery on the fourth floor, the difference was striking.

The orchestra began with the finale of Das Rheingold, the strings opening the piece with a soft piano sound, answered by the powerful brass, which played Donner's invocation. The wind instruments, in general, were spectacular, and so was the percussion. The strings showcased their powerful tremolo in the tenor's first aria. During Wotan's long Farewell scene, the strings sounded melancholic and intimate, while the brass was as spectacular as usual. In addition, in the Magic Fire music that closes the piece, the excellent glockenspiel deserves special mention. I venture to say that the best orchestral moment of the first part was Siegfried's Forest Murmurs. The strings began as a whisper, ideal for such descriptive music. Here, the woodwinds shone; both clarinets and flutes were excellent, and once again the glockenspiel sounded wonderful, as did the French horns.

The second half was the one I enjoyed the most, as the sound reached the area where I had moved much better. And it was then when I could finally appreciate, savor that spectacular sound, so far superior to what we usually hear in Madrid, and exactly as I remembered it from my 2024 Tannhäuser performance at the Festspielhaus. This part was dedicated to Götterdämmerung. The cellos at the beginning of the first piece sounded velvety, and the orchestra gradually swelled, offering a playful interpretation of Siegfried's journey up the Rhine. Orchestrally, the best was yet to come. Because the performance of the Funeral March was perhaps the best moment of the concert, as the orchestra attacked with powerful tutti that resonated deep within the listener. It was a memorable performance due to its impactful percussion, and the powerful brass, preceded by intense strings, which shone during Siegfried's death, the preceding number. Brunhilde's Immolation was also powerful. Even so, the second best moment of the night came with the only encore: the Ride of the Valkyries, with an electrifying performance by each and every one of its members, who received an outstanding ovation at the end of the piece.

As for the three soloists, there was a clear winner: the American bass-baritone Brownlee, for whom this tour is proving to be a personal triumph. His powerful voice, which can be heard throughout the hall due to its generous volume, even overpowered the powerful orchestra. It is a voice at its prime, with a superb lower register, powerful high notes as in "so grüss ich die burg" at the end of Das Rheingold, or in the famous final words of the farewell in Die Walküre, and a dramatic intonation at times, as in "der freier als ich der gott" shortly before in the same piece. Brownlee debuted the role a few years ago, and there is no doubt, he is the Wotan of our time.

Vogt, the indispensable lyric tenor of the Bayreuth Festival, had three pieces. The first one was the powerful aria "Ein schwert verhiess mir der Vater" from Die Walküre, in which he discovers the sword Nothung. This tenor has a somewhat lyric timbre, although quite light for the heldentenor roles he usually sings, as he lacks the necessary vocal range. Live, his voice has a generous volume, and he tries to convey all the nuances he can, within the limitations of his instrument. Even so, in roles like Siegmund or Siegfried, Mr. Vogt's performance is inconsistent, as remarkable moments alternate with others where his voice sounds too weak for the required characterization. This happened in his first appearance, because after the somewhat strenuous "Wälse, Wälse," he delivered a weak "Wo ist dein schwert?", clearly highlighting this contrast. His duet with Brunhilde sounded more youthful and lyrical, especially with some remarkable (though I still find it lacking in intensity) "Sei mein, sei mein." However, his performance of Siegfried's death in the second part was an improvement, with a more dramatic and committed interpretation, a more lyrical approach to this number.

As an aside, the concert versions increasingly feature theatrical gestures from the soloists. For example, in Siegfried and Brünnhilde's love duet, the singers moved around, looked at each other, and embraced as if they were on stage. The same happened in Siegfried's death scene, but it began in a way I found amusing: when the orchestra starts attacking, and since it represents Hagen's attack on Siegfried from behind with his spear, Mr. Vogt performed it as well. But viewed from above, it looked as if the poor guy had suffered a sudden low back pain attack before collapsing to the ground and performing his number.

Between 2013 and 2025, Foster was the principal Brünnhilde at the Bayreuth Festival, with her rather lyrical voice (like her predecessor at Bayreuth, the British soprano Anne Evans, more than thirty years earlier), a deep understanding of the character, and great commitment. However, although she still possesses these qualities, her voice is already showing signs of fatigue. In her famous aria "Ewig war ich" her voice seemed to wobble a bit, and her high notes now sound a bit more shouted. However, in her great moment, Brünnhilde's Immolation, she was much better. Her lyrical timbre and middle register sounded excellent, and she also managed to convey both the solemn and introspective aspects of her character's long monologue. Even the high notes in the final part of it were improved.

The tour is proving to be a resounding success at every stop: the audience's enthusiasm is visible, especially for the orchestra and for Brownlee. This was certainly the case in Barcelona and Santander. The same would have happened in Seville, had it not been for a power outage in the theater area that forced the concert to be suspended halfway through. And in the capital, it was no different from the first two cities for the audience: after each number, and especially after Wotan's farewells, the duet between Brunhilde and Siegfried, and the final encore, the ovations were thunderous. The reviews, however, were mixed: they praised the opportunity to see this glorious orchestra, but found ups and downs in the singing and conducting.

I am still surprised by the fact that, despite the sold-out sign having been up for some time, in the second part of the show, there were numerous empty seats in the stalls and on the first floor, quite a contrast to the stands and the upper balcony, which were packed to capacity. Many local wagnerians and operagoers attended the concert, so just entering the Teatro Real, I met several acquaintances, specially in the intermission wasn't really a pause: I walked all over the theatre meeting people who wanted to comment the show. I am mostly shy, but in that moment I felt like a celebrity.

Only the Valencia concert remains, but all of us who attended these concerts will remember them forever. Even with their ups and downs—because in the first half, at times, I felt like I was witnessing a luxury gig, but the second half was pure ecstasy. I hope they will delight us again, although it won't be anytime soon. Hearing that orchestral level, the best for Wagner, is a true gift; it also confirms Spain's important place on the world Wagnerian map.

Regarding the attempt to bring the Bayreuth Festival to Madrid in 1899, Enrique Mejías' article has been a reference: 

“«Bayreuth en Madrid» (1899): un capítulo del wagnerismo madrileño”, en Javier Marín López, Germán Gan Quesada, Elena Torres Clemente y Pilar Ramos López (eds.): Musicología global, musicología local, España, Sociedad Española de Musicología (SEdeM), 2013, pp. 1421-1442.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Stage photographs belong to the Teatro Real. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Any reproduction of my text requires my permission.

Wagner, por su mejor intérprete, en la capital: la Orquesta del Festival de Bayreuth, de gira en el Teatro Real.

 

Madrid, 3 de septiembre de 2026.

Cada año, al terminar la temporada correspondiente del Festival de Bayreuth, su coro y su orquesta, formados con los mejores músicos de Alemania y Austria, se disuelven para que sus miembros vuelvan a sus formaciones de origen. Sus producciones tampoco suelen verse en otros teatros. Forma parte de la magia de la colina verde, el que su excelencia artística se limite entre las cuatro paredes del teatro ideado por Richard Wagner, y que gente de todo el mundo vaya año tras año a experimentarlo allí. Dadas esas circunstancias, una gira de la temporal compañía del festival podría parecer imposible. Sin embargo, ha habido ocasiones en que ello ha ocurrido. Y de esas ocasiones excepcionales, dos han tenido lugar en España. 

En abril de 1955, las producciones de Parsifal, Tristán e Isolda y La Valquiria del Festival de Bayreuth y dirigidas por el nieto del maestro, Wieland Wagner, visitaron el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la capital wagneriana de nuestro país. Junto a ellas, participaron el mítico director de orquesta Joseph Keilberth (quien dirigió a la Orquesta Sinfónica de Bamberg, al no haber aún orquesta del festival en abril), el Coro del Festival dirigido por Wilhelm Pitz, y los no menos míticos artistas habituales del festival como Hans Hotter, Ramón Vinay, Martha Mödl, Ludwig Weber, Wolfgang Windgassen, Gustav Neidlinger, Gerhard Stolze, Hermann Uhde, Georgine von Milinkovic, y Gré Brouwenstijn, además de los excelentes secundarios. Cincuenta y siete años después, en septiembre de 2012, la orquesta, el coro y los elencos completos del festival de ese año, volvieron al mismo coliseo barcelonés, para interpretar El Holandés Errante, Tristán e Isolda y Lohengrin en versión concierto. 

Si algo se le debe reconocer a la directora artística del festival y bisnieta del compositor, Katharina Wagner, es el intentar que la institución entre en el siglo XXI. Y entre esas reformas está, el sacar a la orquesta de gira a otras ciudades, con más frecuencia que antes. En 2021, la orquesta estuvo de gira en París, Colonia y Riga; y en los últimos años en Grafenegg, Austria. Doña Katharina ha manifestado en alguna ocasión su admiración por España: aquí escenificó Tannhäuser y Lohengrin. A finales de 2025, los wagnerianos españoles nos encontramos con una gran sorpresa: con motivo de su 150 aniversario, la Orquesta del Festival de Bayreuth haría una gira por cinco ciudades españolas: Barcelona, Santander, Sevilla, Madrid y Valencia, para interpretar una selección de El Anillo del Nibelungo una vez terminado el festival. Para el recuerdo, la fotografía de la señora Wagner y los directores artísticos de esos cinco teatros, en el castillo de Peralada. 

Como no podía ser de otro modo, el Teatro Real ha albergado el concierto madrileño, fechado para el 3 de septiembre. Por primera, y esperamos que no única vez, la orquesta del festival visita la capital. Aunque, no fue el primer intento: en 1899, el empresario del teatro de entonces, el mítico Luis París, intentó traer al Festival al Real para interpretar seis ciclos del Anillo, lo que habría convertido a Madrid en la primera ciudad fuera de Bayreuth en representarlo completo y además en lengua alemana, algo raro en una época donde en España todas las óperas se cantaban en italiano. Sin saber si se lograría, la prensa se hizo eco de esta empresa, y hasta abonos sin entrada se vendieron. Wagner estaba de moda en los más refinados círculos intelectuales de la ciudad y se pensó que podría ser posible. Pero la falta de liquidez del Real y la falta de entendimiento con los agentes artísticos alemanes, dieron con el intento al traste.

Con las entradas agotadas desde hace meses (salieron a la venta en noviembre del año pasado), el evento era una cita ineludible, para wagnerianos y operófilos de la ciudad. Como ya se ha dicho antes, el programa ha constado de los fragmentos más célebres de la tetralogía. Para toda la gira, la orquesta cuenta con la dirección orquestal de Pablo Heras-Casado, habitual del repertorio wagneriano en el Real (habiéndonos dirigido el Anillo, el Holandés Errante y Los Maestros Cantores), y muy valorado en Bayreuth desde que dirigiera con éxito la producción de Parsifal que allí se ha visto entre 2023 y 2026. En 2028, Heras-Casado dirigirá la nueva producción del Anillo en el festival. Tres cantantes, muy conocidos y aplaudidos en la colina verde, interpretan algunos de los fragmentos: el tenor Klaus Florian Vogt, la soprano Catherine Foster, y el bajo-barítono Nicholas Brownlee. El programa ha sido el siguiente: 

El Oro del Rin:

Entrada de los dioses al Walhalla, con el aria «Abendlich strahlt der Sonne Auge», cantado por Nicholas Brownlee.

La Valquiria:  

«Ein Schwert verhieß mir der Vater», cantado por Klaus Florian Vogt.

«Leb’ wohl du kühnes herrliches Kind!», cantado por Nicholas Brownlee.

Sigfrido: 

Los Murmullos del Bosque, orquestal.

«Ewig war ich…» y resto del dúo final, cantado por Catherine Foster y Klaus Florian Vogt.

El Ocaso de los dioses:

Amanecer y viaje de Siegfried por el Rin, orquestal

 «Brünnhilde, heilige Braut!», cantado por Klaus Florian Vogt, y Marcha Fúnebre

 «Starke Scheite schichtet mir dort…», cantado por Catherine Foster.

Bis: La Cabalgata de las Valquirias, orquestal, de La Valquiria.

Tras dejar en la calle un sol abrasador, la sala del Teatro Real recibía al espectador con los atriles vacíos, con el decorado de versión concierto iluminado con una luz cálida de tonos dorados. Al apagarse las luces, algo cada vez más común en las versiones de concierto, entraron los músicos de la orquesta, recibidos con un fuerte aplauso, y a continuación, el maestro Heras-Casado dio inicio al concierto.

Las expectativas con el concierto eran altas no solo por la singularidad del evento, sino porque esta es la mejor orquesta posible para Wagner, y acostumbrados los que no solemos viajar por razones líricas, a ver a este compositor interpretado por competentes orquestas nacionales, por fin podíamos ver esta excelencia en vivo, sin tener que viajar a Bayreuth. Ya solo por la calidad de sus instrumentos, y el desempeño de sus músicos, dichas expectativas estaban más que cumplidas. Sin embargo, en mi asiento en la séptima planta, no llega el sonido como en zonas más bajas. De hecho, cuando tuve la oportunidad de cambiar de asiento a la tribuna en la cuarta planta, la diferencia fue brutal.

La orquesta empezó con el final de el Oro del Rin, con las cuerdas iniciando la pieza con un sonido en piano, siendo respondidas por el poderosísimo metal, que interpretaba la invocación de Donner. El viento en general, es espectacular, así como la percusión. Las cuerdas dieron cuenta de su poderoso trémolo en la primera intervención del tenor. Durante los largos adioses de Wotan, las cuerdas sonaron melancólicas, íntimas, y el metal impactante como siempre. Sin embargo, en la música del fuego mágico que cierra la pieza, hay que destacar el excelente glockenspiel. Me arriesgo a decir que el mejor momento orquestal de la primera parte fueron los murmullos del bosque de Sigfrido. Las cuerdas empezaron como un susurro, ideal para esta música tan descriptiva. Aquí el lucimiento fue para la madera, tanto clarinetes como flautas fueron excelentes, y de nuevo el glockenspiel volvió a sonar maravillosamente, así como las cálidas trompas.

La segunda parte fue la que más disfruté debido a que el sonido llegaba mejor a la zona donde me había cambiado. Y fue aquí, donde por fin pude apreciar, saborear esa sonoridad tan espectacular, tan superior a lo que habitualmente escuchamos, y que era tal y como lo recordaba cuando estuve en el Festspielhaus hace dos años, viendo Tannhäuser. Esta parte estaba dedicada a El Ocaso de los Dioses. Los violonchelos en el inicio de la primera pieza sonaron aterciopelados, y la orquesta fue creciendo hasta dar una lectura juguetona, del viaje de Sigfrido por el Rin. A nivel orquestal, lo mejor estaría por llegar. Porque la interpretación de la Marcha Fúnebre fue quizá el mejor momento del concierto, la orquesta atacando con unos tutti que se metían en los huesos del espectador. Fue una interpretación memorable debido a su impactante percusión, junto al poderoso metal, precedido por unas cuerdas intensas, las cuales brillaron intensamente durante la muerte de Sigfrido, el número previo. La Inmolación de Brunilda fue también poderosa. Aun así, el segundo mejor momento de la noche vino con la única propina: la cabalgata de las valquirias, con una interpretación elecrizante de todos y cada uno de sus miembros, ovacionados con fuerza al terminar la pieza.

En cuanto a los tres solistas, hubo un claro vencedor: el bajo-barítono estadounidense Nicholas Brownlee, a quien esta gira le está reportando un triunfo personal. Su poderosa voz, que se deja oír en toda la sala, debido a su generoso volumen, superó incluso a la potente orquesta. Es una voz en su mejor momento, con un grave estupendo, unos agudos poderosos como en "so grüss ich die burg" en el final del Oro del Rin, o en las famosas palabras finales los famosos adioses en La Valquiria, y una entonación por momentos dramática, como en "der freier als ich der gott" poco antes en la misma pieza. Brownlee ha debutado el rol hace unos pocos años, y no queda duda, es el Wotan de nuestros días.

Klaus Florian Vogt, el indispensable lírico tenor del Bayreuth actual, ha tenido tres intervenciones. La primera es la potente aria "Ein schwert verhiess mir der Vater", de La Valquiria, en la que descubre la espada Nothung. Este tenor tiene una voz peculiar, con un bello timbre lírico, aunque ligero para los roles de heldentenor que canta habitualmente, sin tener esa tesitura. En vivo su voz tiene un caudal generoso, y trata de representar todos los matices que puede, dentro de lo que le permite su instrumento. Aun así, en roles como Siegmund o Siegfried, el señor Vogt da una de cal y otra de arena, porque momentos notables se alternan con otros en los que la voz suena floja. En su primera intervención le pasó, porque tras unos esforzados "Wälse, Wälse", le siguió un flojo "Wo ist dein schwert?", que dejó claro este contraste. Más juvenil y más lírico sonó en el dúo con Brunilda, especialmente con unos notables (porque me sigue faltando intensidad) "Sei mein, sei mein". Sin embargo, mejoró su intervención en la muerte de Sigfrido en la segunda parte, con una interpretación más dramática y entregada, en una aproximación más lírica de este número.

Como anécdota, las versiones de concierto muestran cada vez más ademanes de representación por parte de los solistas. Así, en el dúo de amor de Sigfrido y Brunilda, los cantantes se movían, se miraban. se abrazaban como si fuera en una función. En la muerte de Sigfrido, fue lo mismo, pero empezó de una forma que me pareció divertida: cuando la orquesta empieza atacando, y dado que representa el ataque de Hagen con su lanza a Sigfrido por la espalda, el señor Vogt lo interpretó igualmente. Y así, visto desde arriba, parecía que al pobre le había dado un repentino ataque de lumbalgia, antes de caer al suelo y representar su número.

Entre 2013 y 2025, Catherine Foster ha sido la Brunilda principal en el Festival de Bayreuth, con su voz más bien lírica (como su antecesora en Bayreuth, la también británica Anne Evans, hace más de treinta años), con un profundo conocimiento del personaje y una gran entrega. Sin embargo, aunque aún tiene esas cualidades, la voz ya presenta signos de cansancio. En su famosa aria "Ewig war ich" y en el siguiente dúo con Sigfrido, la voz por momentos parecía zozobrar, así como los agudos suenan ahora un poco más gritados. Sin embargo, en su gran momento, la Inmolación de Brunilda, estuvo mucho mejor. Su timbre lírico y su centro sonaron muy bien, y además supo transmitir el lado solemne, así como el  introspectivo, de su largo monólogo. Incluso los agudos en la parte final del mismo fueron mejores.

La gira está siendo un éxito rotundo en todas sus paradas: el entusiasmo del público se une al de las críticas entusiastas de la prensa, de estos ya históricos conciertos; especialmente para la orquesta y para Brownlee. Así ha sido en Barcelona y Santander. En Sevilla habría sucedido lo mismo, de no haber sido porque un apagón en la zona del teatro, obligó a suspender el concierto a la mitad. Y en la capital no ha sido diferente de las dos primeras ciudades: después de cada número, y muy especialmente tras los adioses de Wotan, el dúo de Brunilda y Sigfrido, y la propina final, las ovaciones fueron atronadoras. Aun así, no deja de sorprenderme el hecho de que, aun colgando el cartel de no hay entradas desde hace tiempo, en la segunda mitad podían verse numerosos asientos vacíos en el patio de butacas y en la primera planta, todo un contraste con la tribuna y el paraíso, que estaban a rebosar. 

Ya solo queda el concierto en Valencia, pero todos los que hemos asistido a estos conciertos, los recordaremos para siempre. Aun con sus altibajos, porque en la primera parte por momentos tenía sensación de estar frente a un bolo de lujo, pero en la segunda fue un éxtasis total. Ojalá volvieran a deleitarnos, aunque no será ni a medio plazo. Escuchar ese nivel orquestal, el mejor para Wagner, es todo un regalo; que además confirma a España en un lugar importante en el mapa wagneriano mundial.

Sobre el el intento de traer al Festival de Bayreuth a Madrid, en 1899, el artículo de Enrique Mejías ha sido una referencia: 

Mejías García, Enrique. «Bayreuth en Madrid» (1899): un capítulo del wagnerismo madrileño”, en Javier Marín López, Germán Gan Quesada, Elena Torres Clemente y Pilar Ramos López (eds.): Musicología global, musicología local, España, Sociedad Española de Musicología (SEdeM), 2013, pp. 1421-1442

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

Las fotografías escénicas son propiedad del Teatro Real.

Die KI in der Musik: Thielemann conducts successfully the booed AI-Ring at Bayreuth.

I would have loved to be there, but I can't afford going every year. Besides, despite Thielemann's presence in the pit, my reservations about the production, or rather the lack thereof, made it less interesting to me than the fabulous Rienzi we've seen and heard via streaming. Therefore, I've limited myself to listening to this Ring cycle on the radio.

When Wagner wrote "children, create something new" in a letter to his father-in-law Liszt, he could hardly have imagined how future members of his family would end up interpreting his words. More recently, his great-granddaughter Katharina Wagner, the Festival's artistic director, has taken this idea to its extreme: in 2023, there was a production of Parsifal that could be viewed through virtual reality glasses. For this 150th anniversary Festival, in addition to the new major production of Rienzi, they have decided to experiment with something even more innovative: a new production of The Ring, exclusively for this edition (since the one replacing Valentin Schwarz's now-retired one will premiere in 2028), with set design by Artificial Intelligence, curated by Marcus Lobbes. 

The resulting anticipation, for better or for worse, has resulted in a failure, judging by press reports and the accounts of those attending the performances. Press photographs show an empty stage onto which various images are projected:  fire, water, forest, and gold, or even historical photographs of the brothers Wieland and Wolfgang Wagner, as well as images from every Ring Cycle production in the history of the Bayreuth Festival: images from the historic productions by Wieland Wagner and Chéreau, as well as those by Flimm, Kupfer, Castorf, and Schwarz. To facilitate the projection, the performers had to wear s black plastic-like costumes, more like garbage bags, with a texture looking reminiscent of disposable supermarket gloves. The result: many boos at the end of the performances. What if Wagner, who was so wrong in his pamphlet "Jewishness in Music," had concluded that instead of Jews, it is Artificial Intelligence that is incapable of creating true art? The Bayreuth audience certainly thinks so.

This Sesquicentennial Ring cycle, judging by what I've heard and read in the press about the production, will go down in the festival's history as a mere footnote, compared to the historic and exceptional production of Rienzi mentioned earlier. But this early opera isn't the only cause; the evident failure of entrusting the set design (because there is no real staging) to Artificial Intelligence, and the cast, with voices that are sometimes too lyrical for the roles they perform, also play a role. What will be remembered, but isn't enough, is Christian Thielemann 's conducting of the Bayreuth Festival Orchestra. Thielemann, now with Daniel Barenboim semi-retired, is the world's leading Wagnerian conductor. He has truly been so for years, but for many, he shared the throne with the Argentinian. Furthermore, Thielemann has a special connection with the Bayreuth Festival, with which he has been working since 2000. Between 2006 and 2010, he conducted the Ring Cycle at the Festival in an anthological performance. And he has conducted the entire Wagnerian canon at the Festspielhaus, to the point of being associated with it.

In recent years, following the custom of his mentor Herbert von Karajan, for whom he served as assistant at the Salzburg Festival, he has employed casts of lyric voices for operas. His renditions of , Wagner's music, rooted in the German tradition of slow tempi that allow each section to shine and convey the epic nature of the scores, lead him to focus meticulously on the voices, which results in a slight loss of spectacle. In Das Rheingold, he delivers a beautiful but somewhat rushed interpretation of the prelude, especially from the moment the string passage enters. The orchestra strikes powerful chords during the entrance of the giants and Erda. Die Walküre is arguably the best of this cycle in terms of orchestral accompaniment: from the electrifying and tense prelude to the first act, Thielemann gives a majestic, yet also lyrical, performance when necessary. In Siegfried, his performance shines in moments such as the prelude to the first act, whose slowness conveys the gloom of Mime's cave, or in the spectacular third act, where the always marvelous strings were at their most brilliant when Siegfried enters the Valkyries' rock, following a spectacular performance of the interlude. Equally opulent, and at the same time slow, he is evident in Götterdämmerung, where there are memorable moments such as the interlude between the first and second scenes of the first act, or in the funeral march. The finale was, as always, deeply moving.

Klaus Florian Vogt , the indispensable tenor at Bayreuth, has taken on the titanic task of singing the four most important tenor roles in the Ring Cycle: Loge, Siegmund, and Siegfried. As Loge, he sounds quite lyrical, a middle ground between the traditional heroic and grotesque approaches to the character. As Siegmund, he is lyrical and passable in the first act, but there are moments when his voice is too bland. As Siegfried, and all this after having sung the solo tenor role in Beethoven's Ninth Symphony, also with Thielemann. This tenor has a very peculiar voice, with a youthful timbre but at the same time so lacking in heroism that it doesn't suit all the roles he usually sings. Regarding Siegfried, it's a role that overwhelms him: he's a mixed bag. There are moments when his voice seems to fit in terms of timbre, provided one doesn't forget that there are tenors with larger voices who convey more personality for this role than his. And in others, it's simply insufficient and even bland. With Schager already past his prime, it seems that Vogt, despite not being a true Wagnerian heldentenor, is the most sought-after, due to his stamina and ability to sing many roles without showing much fatigue... even with the voice he has.

Camilla Nylund is another one who tries but fails to reach the role of Brunhilde. There are moments when she reminds me a little of Eva Marton, but without her volume or vocal power. She reminds me of her because of her raw, raspy low voice. Like Vogt, there are moments when she seems to fit the role, but others when her voice tends toward shouting, and she also has an annoying vibrato. Pity, because roles like Eva in Meistersinger or Elisabeth in Tannhäuser are better suited to her voice. 

Elza van der Heever is high-pitched and dramatic Sieglinde, and as in the Ring cycle at La Scala, it would have been ideal if she had swapped roles with Nylund.

Michael Volle possesses a mature voice that allows him to embody the role, conveying its irony and worldly experience, especially in Siegfried. But in Rheingold and  Walküre, he is able to portray, even if his voice lacks a certain fullness, the character's nobility and inner conflicts. The character's fragility or irony is musically reflected in his ability to attack with a soft, pianissimo delivery, as in his grand finale in The Valkyrie, although he had some troubles in the concluding line.

It's a relative joy to have an Alberich like Jochen Schmeckenbecher 's. Not because he's the new Gustav Neidlinger: This baritone has had a long career and his voice is noticeably mature. But after having had such a light baritone as Olafur Sigurdarson in the role in recent years, hearing an Alberich with a deep, villainous dark timbre is almost a blessing. 

Gerhard Siegel's voice is now mature and even a little deep, like Mime's, after decades as one of the leading interpreters of the role, and arguably the most important spieltenor in the German operatic world. His performances demonstrate experience and mastery, and he delivers an excellent portrayal of the character's grotesque nature.

Christa Mayer has a mature voice, though with stage presence, for Erda and Waltraute. But she lacks the depth and presence that Anna Kissjudit has in the roles of Fricka and the First Norn—an impressive voice. 

Mika Kares performs Fasolt, Hunding, and Hagen with a solid and spectacular deep bass voice. Michael Kupfer-Radecky is good as Gunther, and Magdalena Hintendobler as Gutrune. Siyabonga Maqungo , a regular at the Festival, is a beautifully sung Froh with a lovely lyric voice.

The rest of the cast ranged from competent to remarkable. And they were always accompanied, though only at sunset, by the brilliant Festival Chorus.

This Ring-AI will remain in the memory of those who saw it at the Festspielhaus, but thanks to the audio from the radio broadcasts, we can enjoy the return of maestro Thielemann to the Ring in the theater for which it was created. We eagerly await the 2028 Ring.

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