Gods observing life through laboratory glass: Wagner's Ring by Tcherniakov and Thielemann in Berlin.

I always try to watch any Ring version on DVD or video, at least once per year. Last year, I was uplifted after watching by legendary Rings on DVD by Boulez and Barenboim in Bayreuth, so this year I chose to watch the Ring filmed in Berlin in 2022, directed by Dmitri Tcherniakov on stage and conducted by Christian Thielemann, the great German maestro of our time, at the Berlin Staatsoper. This production should have been conducted by Daniel Barenboim, Thielemann's artistic rival and head of the Staatsoper, on the occasion of his 80th birthday, but because of health reasons he had to withdraw from the production. In addition, this staging should have been seen in 2020, but the COVID-19 pandemic prevented it.

Dmitri Tcherniakov is one of the most famous stage directors of today. Known for his provocative and thoughtful productions, the Moscow-born conductor has also approached to some Wagner operas. He staged Parsifal and Tristan und Isolde in Berlin in 2015 and 2018 respectively, with Barenboim conducting, and since 2021 he has been directing an interesting production of Der Fliegende Holländer at the Bayreuth Festival. However, The Ring is another thing. And a serious one.

It must be said that Tcherniakov has had a great challenge. There are wonderful moments, but others that are truly boring. In keeping with his tradition of setting operas in closed environments, Tcherniakov takes the action to scientific laboratories where human behaviour is studied. The plot is that behaviour that the gods study throughout the rest of the journeys The laboratories have the curious name of ESCHE, whose acronym means "ash tree" in German; it is known that this tree is the one from which Wotan extracted his spear in exchange for an eye. To recreate this environment, a spectacular three-storey stage platform has been arranged, which sometimes is in constant moving. The problem with "locking" the work in a laboratory is that while it fits well into the most intimate moments, it becomes boring in those that take place in wide spaces, so well described by the music, as is the case of the first and third scenes of Das Rheingold, or the Ride of the Valkyries. 

In addition, PETA protested because one of these stages is full of cages of living rabbits. They don't do anything to them, only occasionally they take them out and put them back in their cages. But that was enough for the protest. The action takes place from the 1970s onwards, and the characters age, including the three Norns, who are seen throughout the entire work. What I don't like at all is the hysterical laughter in several sublime moments such as Brunhilde's awakening, which ruins the moment. Although such exaggeration of emotions is also a trademark of the Russian director's stagings.

Das  Rheingold, set in the 1970s, is unfortunately the most tedious of the cycle. The ethereal prelude takes place in a projection room where an animation of the brain's neurological functions is shown. Then, the first scene takes place in a room where Alberich, a company worker, is being experimented on. In a neurological examination bordering on torture, Alberich hallucinates while the Rhinemaidens take notes and laugh mockingly, under the apathetic gaze of the executive staff. The second scene takes place between the enormous projection room and a maroon marble room, with gold portraits of historical leaders of the factory. In the latter, negotiations with the giants for Freia take place, under the tense gaze of the Gods' assistants. The third scene shows Alberich tyrannizing other workers like him. The last scene is a big hall or courtyard, with a huge tree in the center, where the Gods give magical demonstrations.

Die Walküre is not much better. In the prelude, a news bulletin is shown announcing that a dangerous prisoner, Siegmund, has escaped from the centre, implying that they could also be experimenting on criminals. Then Wotan attends, together with the Norns, the first act, which takes place in a house. Sieglinde is a modern housewife and Hunding a policeman whose attire has nods to the Volkspolizei of the GDR. As a nod of fidelity to the original libretto, Siegmund removes a sword from the wall. In the second act, Wotan and Fricka argue in that house, while Hunding sleeps. At the end of the act, Hunding does not die, but will report to Fricka that Siegmund has been captured, which happens, since the welsung does not die either, but is beaten mercilessly by some policemen and taken back to prison. The third act is the large projection room, in which the profiles of heroes such as Sintolt der Hegeling are projected, here also turned into criminals. However, the final scene is a success. We witness a real confrontation between a father and a daughter, which gives way to a tender reconciliation, in full fidelity to the emotions conveyed by the script. After an emotional farewell that includes hugs, and also some stupidity such as painting the chairs with a red marker to simulate fire, Brünnhilde leaves the laboratory, and the latter, with Wotan saying goodbye from inside, walks away, leaving his daughter in the absolute void.

Siegfried has ups and downs. In the prelude, we see images of a lonely child, who destroys toys and who is also experimented on, judging by his tense expressions. In the first act, we see Wotan as an old man, watching the scene now on crutches. In the same house as the previous day, Siegfried is a young hooligan dressed in blue overalls, who in the forge scene destroys everything around him with a hammer, in the absence of the sword, now broken. In the second act, the staging, as in previous journeys, turns to show screens where an experiment is announced that goes through phases. Alberich and Wotan appear aged, the former using a walking frame, and their confrontation has comic moments such as when Alberich sings the fearsome phrase "Der welt walte dann ich" with his glasses on the wrong side of his head. The little bird is a beautiful mulatto female doctor who operates a mechanical bird. In the third act, Erda and Wotan appear aged, in the once mighty council chamber, now deserted. Siegfried awakens Brünnhilde in the laboratory where Alberich was tortured in Rheingold, now called the "sleep laboratory."

Götterdämmerung opens with Brünnhilde waking up from the bed she shares with Siegfried. She is visited by the three Norns, now three very old women. As a sign of the humans taking over from the gods, the ESCHE centre now has a modern decoration and furnishing, with the grey tones that are in fashion today, indicating that the plot is now set in our time. It is disconcerting to see Siegfried appear when they talk about him, then to hid behind the door again when he has to answer Hagen off-stage, as if they hadn't seen him yet. In the second act, the famous projection room returns, where Alberich appears in his underwear and knitting. When Brünnhilde and Siegfried confront each other, everyone focuses on them and records them with their smartphones. In the third act, the scientist-turned Rhinemaidens return, talking to Siegfried while he rests on a stretcher. The next scene is the large room where the ash tree used to be. Now there is a basketball hoop, on which Hagen, Gunther and the Gibichungs can be seen after suposedly playing a match. Tcherniakov said in an interview that as a young man he was fascinated by Chéreau's Ring and that he had seen it many times. Perhaps the fact that Wotan, the Rhinemaidens, Gunther, the Norns and the company staff watch over Siegfried's body in the laboratory, with a mournful expression, just as the workers did in the Frenchman's Ring, but with the black curtain down. At the end, Gunther does not die, and all the characters leave the stage, leaving only Brunhilde and Wotan. Then after the Immolation, Brünnhilde is left alone on the stage, in a total emptiness where phrases discarded by Wagner for this ending are projected, with Erda showing her the little bird that was shown to Siegfried. At the end, the curtain falls and the projection of the map of the ESCHE centre disappears. Without this research-torture center, Brünnhilde is left alone, she has a new opportunity to live.

Christian Thielemann replaced Barenboim at the last minute, conducting the Staatskapelle Berlin. Thielemann maintained a fluctuating level. Das Rheingold was as dull and even as boring as the stage direction. I did not notice that Wagnerian majesty, that consistency that at the same time allows, through its slow tempi, to recreate into the details rom the music. His conducting improved  in Die Walküre, where there was intensity in the preludes, and where the finale was as magical as its name. Siegfried had inspired moments alternating with others that were more dull. The best was the second act, with a memorable rendition of the Forest Murmurs, or the interlude from the third act. In Götterdämmerung he regained the high level, with a majestic, vibrant interpretation, with slow tempi but fitting into a rendition as tragic and solemn as the last opera of the cycle. The Berlin State Opera Chorus fulfils its role inGötterdämmerung , both vocally and as in acting. 

The large cast is led by Andreas Schager, today the most important heldentenor in the world. His Siegfried is characterised by his vocal resistance, his voice is not very tired by the end, his heroic tone which can sometimes be monotonous, but which can also sound youthful and vigorous. 

Anja Kampe plays Brünnhilde. Kampe has a powerful voice that can sometimes sound unpleasant, especially in the high range. However, she seems to be restrained in this role, with an interesting middle voice, but with high notes that do not last or tend towards screaming, and with a notable low voice.

Michael Volle is a Wotan whose voice has a beautiful timbre, especially in Act 3 of Die Walküre, where he is splendid, or in Siegfried, but he seems not to enhance it so as not to break, as if he were also restrained.

Johannes Martin-Kränzle is better in Siegfried and Götterdämmerung than in Rheingold, and it is in these operas that his singing seems to better suit the old and resentful Nibelung than in the latter's youth in the prologue, where it seems to lack more volume.

As for the Welsung couple, Robert Watson is a correct Siegmund, while Vida Miknevičiūtė  is a wonderful Sieglinde, both vocally with a beautiful voice, and as an actress.

Mika Kares is an excellent bass, although better as Fasolt and Hunding than as Hagen. Anna Kissjudit is a fabulous Erda, especially in the Rheingold. Peter Rose is a remarkable Fafner, better in Rheingold than in Siegfried. Rolando Villazón, a real treat in this cast, plays a Loge in the most caricatured tradition, as a tenor with character, where his stage skills combined with his already very mature voice make for an interesting and entertaining creation. Siyabonga Maqungo is a Froh with a lyrical, very beautiful voice. Annett Frisch is equally a well-sung Freia. The veteran Stephan Rügamer is a well-sung Mime, but a bit of stridency is missing for the character. Claudia Mahnke is a Fricka who sings well, but a bit of body is missing in her voice. Lauri Vasar is a better Donner than Gunther, although, as happened in Madrid, his light voice suits such an irrelevant and weak-willed character. At least we can see that he is physically attractive, which is even more convenient for this production: Gunther, handsome and stupid at the same time. Violeta Urmana is an imposing and spectacularly sung Waltraute, although her voice is already very matured. Mandy Fredrich  is a very good Gutrune, with a sweet and pleasant voice. Victoria Randem is also a good Forest Bird, with a voice that is more deep than light. The rest of the supporting cast, Valkyries, Rhinemaidens and Norns are all compliant. Of note is Anna Lapkovskaya as a remarkable Flosshilde and Anna Samuil as a very sharp and interesting Third Norn.

I will never be tired of repeating that finishing a Ring is an adventure. In this case, it started out as a boring adventure until I got the hang of it and started enyoing,  but without becoming a dazzling production, partly due to Tcherniakov's blunders and the unexpected level of routine that Thielemann uses with this production and this orchestra. But it is certainly worth seeing because it is the only Ring by the German conductor on video, specially for his fans.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

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Experimentando con la vida: Dmitri Tcherniakov y Christian Thielemann dirigen el Anillo wagneriano en Berlín.

Todos los años intento ver al menos una versión de El Anillo del Nibelungo en DVD o en vídeo. Tras haberme elevado el año pasado con los míticos Anillos de Boulez y Barenboim en Bayreuth, este año he querido acercarme al Anillo filmado en Berlín en 2022, dirigido por Dmitri Tcherniakov en lo escénico y por Christian Thielemann, el gran maestro alemán de nuestros días, en la Staatsoper de Berlín. Esta producción debería de haberla dirigido Daniel Barenboim, con ocasión de su 80 cumpleaños, rival artístico de Thielemann y titular de la Staatsoper, de no haber sido por razones de salud, que en los últimos años aquejan al maestro argentino.  Además, esta producción tendría que haberse visto en 2020, pero la pandemia lo impidió.

Dmitri Tcherniakov es uno de los más famosos directores de escena de hoy. Conocido por sus provocadoras y sesudas producciones, el director moscovita se ha acercado a varias óperas wagnerianas. Ya en 2015 y 2018 se atrevió con Parsifal y Tristán e Isolda en Berlín y con Barenboim en el foso, y desde 2021 dirige una interesante producción de El Holandés Errante en el Festival de Bayreuth. Sin embargo, El Anillo del Nibelungo es otra cosa. Y cosa seria, además.

Pues hay que decir que el reto a Tcherniakov le ha venido grande. Hay momentos maravillosos, pero otros de auténtico sopor. En su línea de ambientar las óperas en ambientes cerrados, Tcherniakov lleva la acción a unos laboratorios científicos donde se estudia el comportamiento humano. La acción es ese comportamiento que los dioses estudian a lo largo de las demas jornadas.  Los laboratorios tienen el curioso nombre de E.S.C.H.E. cuyo acrónimo significa "fresno", en alemán; sabiéndose que este árbol es del cual Wotan extrajo su lanza a cambio de un ojo. Para recrear este ambiente, se ha dispuesto de una espectacular plataforma escénica de tres plantas, que además es giratoria. El problema de "encerrar" la obra en un laboratorio es que si bien gana en los momentos más íntimos, se hace aburrida en aquellos que transcurren en espacios amplios, tan bien descritos por la música, como es el caso de la primera y la tercera escenas de El Oro del Rin, o la Cabalgata de las Valquirias. 

En su momento, PETA protestó porque en una de esas plantas está repleta de jaulas de conejos que están vivos. No les hacen nada, solo en algunas ocasiones los sacan y los vuelven a meter en sus jaulas. Pero fue suficiente para la protesta. La acción transcurre desde los años 70 en adelante, porque los personajes envejecen, incluidas las tres nornas, a las que se ve a lo largo de toda la obra. Lo que no me gusta nada son las risas histéricas en varios momentos tan sublimes como el despertar de Brunilda, que arruinan el momento. Aunque tal exageración de emociones también son marca de la casa con el director ruso.

El Oro del Rin es, que transcurre en los años 70, desgraciadamente, la que más tediosa ha salido. El grandioso preludio tiene lugar en una sala de proyecciones donde se muestra una animación de las funciones neurológicas del cerebro. Sin embargo, la primera escena transcurre en una sala donde se experimenta con Alberich, un trabajador de la empresa. En una exploración neurológica rayana a la tortura, Alberich alucina mientras las hijas del Rin toman nota y se ríen burlonamente, ante la apática mirada del personal directivo. La segunda escena transcurre entre la enorme sala de proyecciones y una sala de mármol granate, con retratos en oro de líderes históricos de la fábrica. En esta última transcurren las negociaciones con los gigantes por Freia, ante la tensa mirada de los asistentes de los Dioses. La tercera escena muestra a Alberich tiranizando a otros trabajadores como él. La última escena es una sala, con un enorme árbol en el centro, donde los dioses hacen demostraciones mágicas.

La Valquiria no es mucho mejor. En el preludio se ve un boletín informativo infomando que un peligroso reo, Siegmund, escapa del centro, dando a entender que también experimentan con criminales. Luego Wotan asiste, junto a las nornas, al primer acto, que transcurre en una casa. Sieglinde es una moderna ama de casa y Hunding un policía cuyo atuendo tiene guiños a la Volkspolizei de la RDA. Como guiño al libreto original, Siegmund retira una espada de la pared. En el segundo acto, Wotan y Fricka discuten en esa casa, mientras Hunding duerme. Al final del acto,  Hunding no muere, sino que reportará a Fricka que Siegmund ha sido capturado. Cosa que ocurre, ya que éste tampoco muere, sino que es golpeado sin piedad por unos policías , y conducido a prisión. El tercer acto es la gran sala de proyecciones, en la que se proyectan los perfiles de los héroes como Sintolt der Hegeling, aquí también convertidos en criminales.  Sin embargo, la escena final es un éxito. Asistimos a una verdadera confrontación entre un padre y una hija, que da paso a una tierna reconciliación, en plena fidelidad a las emociones que transmite el libreto. Tras una despedida emocionada que incluye abrazos, y también alguna estupidez como pintar las sillas con rotulador rojo para simular el fuego, Brunilda sale fuera del laboratorio, y este con Wotan despidiéndose desd dentro se aleja, dejando a su hija en el vacío absoluto.

Sigfrido tiene momentos buenos que se alternan con otros de sopor. En el preludio, asistimos a unas imágenes de un niño solitario, que destroza juguetes y con el que también se experimenta, a juzgar por sus expresiones de tensión. En el primer acto, se ve a Wotan ya anciano, presenciando la escena ya con muletas. En la misma casa que la jornada anterior, Sigfrido es un joven gamberro que viste con  un mono azul, que en la escena de la fragua destroza todo a su alrededor con un martillo, a falta de la espada, ahora rota. En el segundo acto, la puesta en escena, como en jornadas anteriores, gira para mostrar unas pantallas donde se anuncia una experimentación que va por fases. Alberich y Wotan aparecen envejecidos, y su enfrentamiento tiene momentos cómicos como cuando Alberich canta la temible frase "Der welt walte dann ich" con las gafas de pasta mal colocadas. El pajarillo es una bella doctora latinoamericana que acciona un pajarito mecánico. En el tercer acto, Erda y Wotan aparecen envejecidos, en la otrora poderosa sala de juntas, ahora desierta. Sigfrido despierta a Brunilda en el laboratorio donde Alberich fue torturado en el Oro, ahora llamado "laboratorio del sueño".

El Ocaso de los Dioses se abre con Brunilda despertándose de la cama que comparte con Sigfrido. Recibe la visita de las tres nornas, ahora tres mujeres muy ancianas. Como muestra de la recogida del testigo de los dioses por los humanos, ahora el centro E.S.C.H.E. tiene una decoración moderna, con unos tonos grises que hoy en día se llevan, lo que indica que la obra ahora transcurre en nuestros días. Algo desconcertante es ver a aparecer a Sigfrido entrar cuando hablan de él, pero que se vuelve a esconder tras la puerta cuando tiene que responder a Hagen fuera de escena, como si no le hubieran visto todavía. En el acto segundo vuelve la famosa sala de proyecciones, donde Alberich aparece en paños menores y haciendo punto. Cuando Brunilda y Sigfrido se enfrentan, todos les enfocan y graban con sus smartphones. En el tercer acto, vuelven las enervantes hijas del Rin reconvertidas en científicas, que hablan con Sigfrido mientras éste descansa en una camilla. El siguiente cuadro es la gran sala donde antes estaba el fresno. Ahora en su lugar hay una canasta de baloncesto, en la que se ve que Hagen, Gunther y los Gibichungos han jugado a una partida. Tcherniakov en una entrevista dijo que de joven se fascinó con el Anillo de Chéreau y que lo vio muchas veces. Quizá el hecho de que Wotan, las hijas del Rin, Gunther, las Nornas y el personal de la empresa velen el cadáver de Sigfrido en el laboratorio, con expresión doliente, tal y como hicieron los obreros en el Anillo del francés, pero a telón bajado. Al final, Gunther no muere, y todos los personajes abandonan el escenario, quedando solo Brunilda y Wotan. Luego después de la Inmolación, Brunilda queda sola en el escenario, en un vacío total donde se proyectan frases descartadas por Wagner para este final, con Erda mostrándole el pajarillo que se le mostró a Sigfrido. Al final, cae el telón y la proyección del mapa del centro E.S.C.H.E desaparece. Sin ese centro de investigación-tortura, Brunilda queda sola, tiene una nueva oportunidad para vivir.

Christian Thielemann sustituyó de última hora a Barenboim, al frente de la Staatskapelle Berlin. Thielemann mantuvo un nivel oscilante. El Oro del Rin fue tan anodino e incluso tan aburrido como la dirección de escena. No noté esa majestuosidad wagneriana, esa consistencia que al mismo tiempo permite, por medio de sus tempi lentos, paladear la música. Mucho mejor fue en La Valquiria, donde sí se sintió la orquesta, donde en los preludios sí hubo intensidad, y donde el final fue tan mágico como su nombre. Sigfrido tuvo momentos inspirados con otros más anodinos. Lo mejor fue el segundo acto, con una memorable interpretación de los murmullos del bosque, o del interludio del tercer acto. En El Ocaso de los Dioses retomó el nivel, con una interpretación majestuosa, vibrante, con unos tempi lentos pero beneficiosos para una lectura tan trágica y solemne como la última ópera del ciclo. El Coro de la Ópera de Berlín cumple su cometido en el Ocaso, a nivel vocal como actoral. 

El amplio elenco es liderado por Andreas Schager, hoy en día el heldentenor más importante del mundo. Su Sigfrido se caracteriza por su resistencia, su voz que llega poco fatigada al final, su timbre heroico que puede a veces pecar de monocorde, pero que puede llegar a sonar juvenil y vigoroso. 

Anja Kampe interpreta a Brunilda. Kampe tiene una potente voz que a veces puede no sonar grata, especialmente en el agudo. Sin embargo parece estar comedida en este rol, con un interesante centro, pero con unos agudos que no duran o tienden al grito, y con un grave notable.

Michael Volle es un Wotan cuya voz tiene un bonito timbre, especialmente en el acto tres de La Valquiria, donde está espléndido, o en Sigfrido, pero parece no potenciarla para no quebrarse. Como si también fuera comedido.

Johannes Martin-Kränzle está mejor en Sigfrido y el Ocaso que en el Oro, siendo en estas óperas donde su canto parece acomodarse mejor al viejo y resentido nibelungo que en la juventud de éste en el prólogo, donde parece que le falta más volumen.

En cuanto a la pareja de welsungos, Robert Watson es un cumplidor Siegmund, mientras que Vida Miknevičiūtė es una Sieglinde maravillosa, tanto en lo vocal con una bella voz, como en lo actoral.

Mika Kares es un excelente bajo, aunque mejor como Fasolt y Hunding que como Hagen. Anna Kissjudit es una fabulosa Erda, especialmente en el Oro. Peter Rose es un notable Fafner, mejor en el Oro que en Sigfrido. Rolando Villazón, todo un lujo en este reparto, interpreta a un Loge en la tradición más caricaturesca, de tenor de carácter, donde sus tablas escénicas unidas a su ya muy madura voz, hacen una interesante y divertida creación. Siyabonga Maqungo es un Froh de voz lírica, muy bella. Annett Frisch es igualmente una bien cantada Freia. El veterano Stephan Rügamer es un Mime bien cantado, pero se echa de menos un poco de estridencia para el personaje. Claudia Mahnke es una Fricka que canta bien, pero se echa en falta un poco de cuerpo en la voz. Lauri Vasar es un mejor Donner que Gunther, aunque como ya le pasó en Madrid, esa voz ligera le viene bien a tan irrelevante y pusilánime personaje. Al menos se aprecia que físicamente es atractivo, lo que para este montaje es aún más conveniente: Gunther, guapo y tonto a la vez. Violeta Urmana es una imponente y espectacularmente cantada Waltraute, aunque vocalmente ya esté muy madura. Mandy Fredrich es una Gutrune muy buena, con una voz dulce y agradable. Victoria Randem es igualmente un buen Pajarillo del bosque, con una voz más gruesa que ligera. El resto de secundarios, valquirias, hijas del Rin y nornas son cumplidores. A destacar Anna Lapkovskaya como una notable Flosshilde y Anna Samuil como una muy aguda e interesante Tercera Norna.

No me cansaré de repetir que terminar de ver un Anillo es una aventura. En este caso empezó siendo una aventura aburrida hasta que le pude coger el tranquillo, sin llegar a ser una producción desulmbrante, en parte por los desatinos de Tcherniakov y el inesperado nivel de rutina de Thielemann con esta producción y esta orquesta. Pero sin duda hay que conocerlo porque es el único anillo del maestro alemán en vídeo.

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

The diva and the best Puccini: Anna Netrebko and Yusif Eyvazov in a Puccini gala at the Teatro Real.

Madrid, September 5, 2024.

Regular guests in recent years in the Teatro Real's last seasons, the artistic couple formed by the Russian soprano Anna Netrebko and the Azerbaijani tenor Yusif Eyvazov, is back to Madrid, in an all-Puccini recital. We have still fresh in our memory her brilliant Tosca in the first post-pandemic season in Madrid, as well as her great  Aida in 2022, during her gradual comeback to international stagings after the Russian invation of Ukraine.

Netrebko, despite her vocal maturity, and the boycott that haunted her in the 2022 Madrid Aida performances with pro-Ukrainian protesters outside the theatre (luckily, this time there was no protest) in relation to her unfortunate good relationship with Vladimir Putin's regime, which she finally disowned (but is still banned in the United States), continues to be the primadonna par excellence in today's opera. Puccini is a composer who is not only unknown to her, but also she is an outstanding performer of his operas, since in recent years she has sung very frequently Tosca and Turandot, and in the past she was an outstanding Mimì, even filming it with Rolando Villazón, with whom she shared a lot of chemistry on stage, when both were at the height of their careers and fame. She has also performed Manon Lescaut in Vienna, New York and Moscow. In addition, she has recorded several Puccinian arias on various albums, including one entirely dedicated to the composer. For all these reasons, this concert was one of the most awaited of the new season.

The other star is the tenor  Eyvazov, who in addition to being her partner on stage, has also been her husband in real life, until they announced their separation last June. Eyvazov is usually his partner in many productions and recitals, but he is also pursuing an important solo career. 

Alongsie them, the soprano Daria Rybak and the baritone Jérôme Boutillier, accompanied by the Teatro Real Orchestra and Chorus, conducted by Denis Vlasenko and  the reinforcement of the RTVE Choir, have offered us the following program:

The program began with highlights from Turandot. After the brief choral introduction, Anna Netrebko entered in a sparkling dress, to sing "In Questa Reggia". Netrebko proves to have a spectacular voice, with considerable volume and a beautiful timbre, although Turandot is not a fitting role for her voice, and in fact it seemed fragile at the beginning of the aria. As the aria was transcurring, Netrebko shined with her brilliant high notes. During the following scenes of Turandot, Netrebko stuck to her line, although in the final chorus, she sang a delightful pianissimo on "padre augusto, conosco il nome dello straniero." Then she gave an excellent version of Manon Lescaut's scenes, with a heartbreaking interpretation of "Sola, perduta, abbandonata", as heartbreaking were her high notes too. She maintained this level in the duet "Tu, tu amore", with which the first part of the concert closed.

The second half was memorable. It began with a wide selection, much from of the third act of La Bohème. The days when Netrebko sang Mimì on stage are long gone, but here she showed that she knows the role, and that she can still sing it well in a concert, using her staging experience and her still generous voie, scoring a delicious version of the moving aria "Donde lieta uscì". Then came the "Vissi d'arte", which she already sang on this same stage two years ago, now in a majestic rendition in which she allowed herseelf to lengthen a note in pianissimo before the final phrase "perchè me ne rimuneri così", after which the theater collapsed in thunderous applause. The concert officially ended with the final duet of the first act of Madama Butterfly, the "Vogliatemi Bene", which began with exquisite singing, in which it went from pianissimo, to a display of voice throughout the duet. Her Butterfly may be rather dramatic, but there were moments of tenderness. The concert had two encores, one of which was the O mio babbino caro sung by her. A nice version of a popular aria, which she sang beautifully, in which she again gave a very prolonged high note in "Babbo, pietà, pietà", which impressed everyone with her ability to maintain it for so long, after which she received a strong ovation.

Yusif Eyvazov  improved during the concert. His singing was not very inspiring in the scenes from Turandot, where the high notes tend not to sound beautiful but rather too nasal, even umpleasant. It would be unfair to deny his dedication and effort, something that allowed him to reach a more correct level from Manon Lescaut's numbers onwards, especially in "Donna non vidi mai" and Tosca's "Recondita Armonia". After the end of the concert, he dared to sing the Nessun Dorma, which he performed better than expected. If there is something that cannot be denied, it is the torrential voice that he has, although at some moments the orchestra covered him up.

A surprise was Daria Rybak, who with a beautiful lyrical voice, with a dark touch, allowed her to sing a wonderful version of "Tu che di gel sei cinta" from Turandot, and whose treble could resist the massive volume of the orchestra and the Eyvazov's voice in the final scene of the first act of the same play. If she continues to sing this well, hers is a voice to follow.

More discreet was the baritone Jerôme Boutiller, with a light voice, and without much charisma, except in the Bohème scene, where Marcello was notable. In his solo performance, Edgar's baritone aria was correct. He also played the Mandarin in Turandot.

Alongide all them, the bass Cristian Díaz, and the tenors Pablo García-López and Mikeldi Atxalandabaso  sang in the Turandot scenes. The great spieltenor Atxalandabaso had sung Pong in the 2023 Turandot. In fact, at the end of the final scene of the first act, he made a smile-grimace that was reminiscent of those in the staging of that Turandot last year.

The Russian maestro Denis Vlasenko conducted the Teatro Real Orchestra too loud, and at times the conducting was harsh, as in the fragment at the end of the first act of Turandot, or in the end of the selection from La Bohème, going so far as to cover to the soloists. However, it is not entirely inconvenient for Turandot, although at times it sounded like it was Shostakovich. In the rest of the concert he maintained a good level, especially paying attention to Netrebko. I want to remark that this has been one of the best nights I could remember of the cellos and violas, being supreme. The string made a beautiful entrance before the phrase "Mai nessun m'avrà" in Turandot. The Teatro Real Choir, this time combined with the RTVE one, performed remarkably in their interventions. It has been moving to hear them again in the closed-mouth chorus of Madama Butterfly, after having heard them last summer.

The audience, which did not fill the hall, perhaps due to the high ticket prices, went to see the diva, and remained ecstatic after her interventions, especially in the intense second part. Netrebko has given us a good time with a repertoire in which she has been acclaimed worldwide, and which she clearly commands. Hopefully we will see her again soon in another concert or in a staged opera. The diva of the 21st century has once again conquered the Teatro Real.

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La diva nos regala el mejor Puccini: Anna Netrebko y Yusif Eyvazov en el Teatro Real.

 

Madrid, 5 de septiembre de 2024.

Habitual en los últimos años en las programaciones del Teatro Real, la pareja artística formada por la soprano rusa Anna Netrebko y el tenor azerí Yusif Eyvazov, regresa a Madrid, y a su regio escenario, con una gala íntegramente dedicada a Giacomo Puccini. En nuestra memoria quedan la inolvidable Tosca que cantó en 2021, en la histórica temporada post-covid en el Teatro Real, así como la estupenda Aida que cantó al año siguiente en el mismo escenario. 

Netrebko, pese a su madurez vocal, y al boicot que hace dos años la acechó en sus funciones en Madrid (por suerte, esta vez no hubo ninguna protesta por este motivo) en relación a su desafortunada buena relación con el régimen de Vladimir Putin , de la que finalmente renegó (pero aun así sigue vetada en Estados Unidos), sigue siendo la primadonna por antonomasia en la actualidad operística. Puccini es un compositor que no solo no le es desconocido, sino que es una intérprete destacada de su música, pues en los últimos años ha cantado Tosca y Turandot, y en el pasado fue una destacada intérprete de Mimí de la Bohème, de la que hizo una película con Rolando Villazón, con quien compartía mucha química en escena, cuando ambos estaban en el apogeo de sus carreras y de su fama. También ha interpretado Manon Lescaut en Viena, Nueva York y Moscú. Por no hablar de las diversas arias puccinianas que ha grabado en varios discos, incluído uno íntegramente dedicado al genio de Lucca. Por todo ello, este concierto es uno de los más esperados de la temporada. 

La otra estrella del cartel es el tenor Yusif Eyvazov, quien además de ser su pareja en los escenarios, también ha sido su esposo en la vida real, hasta que anunciaron su separación el pasado junio. Eyvazov es habitualmente su compañero en muchas producciones y recitales, pero también está haciendo una importante carrera en solitario. 

Junto a ellos, la soprano Daria Rybak y Jérôme Boutillier, acompañados por la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real, con la dirección musical de Denis Vlasenko y con el refuerzo del Coro de RTVE, nos han ofrecido el siguiente programa:

PARTE I

- "Popolo di Pekino...Dal deserto al mar..." de Turandot

- "In questa reggia" de Turandot

- "Non piangere, Liú…Turandot!" de Turandot

- "Sei pallido, straniero!..." de Turandot

- "Tu che di gel sei cinta" de Turandot

- "Diecimila anni al nostro Imperatore!..." de Turandot

- Intermezzo de Manon Lescaut

- "Sola perduta, abbandonata" de Manon Lescaut

- "Donna non vidi mai" de Manon Lescaut

- "Tu, tu, amore? Tu?" de Manon Lescaut

PARTE II

- "Sa dirmi, scusi, qual’è l’osteria ...Mimi!...Speravo di trovarti qui... " de La bohème

- "Questo amor, vergogna mia" de Edgar

- "Vissi d’arte" de Tosca

- "Recondita armonia" de Tosca

- "Coro a bocca chiusa" de Madama Butterfly

- "Vogliatemi bene..." de Madama Butterfly

BISES

- O mio babbino caro, de Gianni Schicchi

- Nessun Dorma, de Turandot

El programa empezó con una amplia selección de Turandot, aunque no muy ordenada. Tras la breve introdución coral, Anna Netrebko entró con un vestido brillante, para interpretar "In Questa Reggia". Netrebko demuestra tener una voz espectacular, con un volumen considerable y un bello timbre, aunque no sea el de Turandot un rol para su voz, y de hecho ésta parecía fragil al principio del aria. A medida que avanzaba, Netrebko relucía sus agudos brillantes. Durante las siguientes escenas de Turandot, Netrebko se mantuvo en su línea, aunque en el coro final, cantó un delicioso pianissimo en "padre augusto, conosco il nome dello straniero". Después dio una excelente versión de las escenas de Manon Lescaut, con una desgarradora interpretación del "Sola, perduta, abbandonata", con unos agudos desgarradores. Dicho nivel lo mantuvo en el dúo "Tu, tu amore", con el que se cerraba el concierto. 

La segunda parte fue memorable. Empezó con una amplia selección, esta vez de gran parte del acto tercero de La Bohème. Los días en que Netrebko cantaba Mimì en escena ya quedaron atrás, pero aquí demostró que conoce el rol, y que aún puede cantarlo bien en un concierto, echando mano de sus tablas y de sus aún generosos medios, marcándose una deliciosa versión de la conmovedora aria "Donde lieta uscì". Después vino el "Vissi d'arte", que ya cantó en este mismo escenario hace dos años, ahora en una interpretación redonda, en la que se permitió alargar una nota en pianissimo antes de la frase final "perchè me ne rimuneri così", tras el cual el teatro se vino abajo en una atronadora ovación. El concierto terminó oficialmente con el dúo final del primer acto de Madama Butterfly, el "Vogliatemi Bene", el cual comenzó cantando exquisitamente, en el cual pasaba del pianissimo, a un despliegue de voz a lo largo del número. Su Butterfly puede ser más bien dramática, pero había momentos de ternura. El concierto tuvo dos propinas, una de las cuales fue el O mio babbino caro cantado por ella. Una versión de un aria popular, que cantó bellamente, en la que volvió a dar un prolongadísimo agudo en "Babbo, pietà, pietà", que impresionó por su capacidad de mantenerlo tanto tiempo, tras lo cual recibió una fuerte ovación.

Yusif Eyvazov tuvo una noche que fue de menos a más. No estuvo demasiado inspirado en las escenas de Turandot, donde los agudos,  no suelen salirle bellos sino más bien demasiado nasales. Sería injusto negarle entrega y esfuerzo, algo que le permitió llegar a un nivel más correcto a partir de los números de Manon Lescaut en adelante, especialmente en el Donna non vidi mai y en el Recondita Armonia de Tosca. Tras el final del concierto, se atrevió con el Nessun Dorma, el cual acometió mejor de lo esperado. Si hay algo que no puede negársele es la torrencial voz que tiene, aunque en algunos momentos le tapó la orquesta.

Una sorpresa fue Daria Rybak, quien con una bella voz lírica, con un toque oscuro, le permitió cantar una estupenda versión del "Tu che di gel sei cinta" de Turandot, y cuyos agudos podían resistir el volumen masivo de la orquesta y de la voz de Eyvazov en la escena final del primer acto de la misma obra. Si sigue cantando así de bien, es una voz a seguir.

Más discreto fue el barítono Jerôme Boutiller, con una voz ligera, y sin demasiado carisma, salvo en la escena de la Bohème, donde fue un notable Marcello. En su intervencion en solitario, el aria de barítono de Edgar, estuvo correcto. También interpretó al Mandarín en Turandot.

Junto a ellos, se contó con la intervención del bajo Cristian Díaz, y de los tenores Pablo García-López y Mikeldi Atxalandabaso en las escenas de Turandot. El gran Atxalandabaso había interpretado a Pong en la Turandot de 2023. De hecho, al concluir la escena final del primer acto, hizo una sonrisa-mueca que recordaba a las del montaje de esa Turandot del año pasado.

El maestro ruso Denis Vlasenko dirigió a la Orquesta del Teatro Real con muchos decibelios, y por momentos la dirección fue áspera, como en el fragmento del final del primer acto de Turandot, o en el final de la selección de La Bohème, llegando a tapar a los solistas. Sin embargo, no es del todo inconveniente para esta ópera, aunque a veces sonara como si fuera Shostakóvich. En el resto del concierto se mantuvo a un buen nivel, especialmente atento a Netrebko. Quería añadir que esta ha sido una de las noches en las que mejor recuerdo haber escuchado al violonchelo y la viola, excelentes. La cuerda hizo una bellísima entrada antes la frase "Mai nessun m'avrà" en Turandot. El Coro del Real, esta vez combinado con el de RTVE, cumplió notablemente en sus intervenciones. Ha sido emocionante volver a oírles en el coro a boca cerrada de Madama Butterfly, tras habérselo oído el pasado verano.

El público, que no llenaba la sala, quizá por los altos precios de las entradas, fue a ver a la diva, y quedó en éxtasis tras sus intervenciones, especialmente en la intensa segunda parte. Entre los famosos se pudo ver al periodista Iñaki Gabilondo y al exalcalde Gallardón. Aunque no todo era purpurina: tenía a mi lado a dos rubias peliteñidas eslavas que hacían un cuchicheo molesto cuando no cantaba la diva, algo que fue intenso cuando cantó el barítono, y peor aún, una de ellas se puso a tararear el Vissi d'arte, lo que me obligó a mirarla fijamente para que dejara de hacerlo. 

Netrebko nos ha hecho pasar un buen rato con un repertorio en el que ha sido aclamada mundialmente, y que se ve que domina. Ojalá volvamos a verla pronto en otro concierto o en una ópera escenificada. La diva del siglo XXI ha  vuelto a conquistar el Teatro Real.

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