ESP/ENG: Una gran tarde de lied con Lise Davidsen en el Teatro de la Zarzuela.

 

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Madrid, 9 de octubre de 2023.

El Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela, arranca su nuevo ciclo con una de las citas más esperada de esta nueva temporada que comienza: el recital de Lise Davidsen, quien debuta en este teatro.

Esta soprano noruega es una de las cantantes más aclamadas y solicitadas en la actualidad. Su poderosa voz y su imponente presencia (se trata de una mujer muy bella y de estatura alta). Además, es una cantante cuyo repertorio es versátil, con roles que abarcan desde la Elisabeth del Tannhäuser wagneriano que la consagró en 2019, pasando por Fidelio, Sieglinde, la Mariscala, Eva, o Leonora de la Forza del Destino. En España ha cantado recientemente en recitales, más que en ópera escenificada: así, en el Teatro Real dio un concierto en 2022, y en el Liceu de Barcelona cantó junto a Iréne Theorin, en la despedida de Waltraud Meier de los escenarios españoles, y en 2024 cantará el primer acto de la Valquiria en concierto. La Davidsen también se prodiga en el ámbito del lied. Recientemente, ha obtenido un clamoroso éxito en Nueva York en un recital con un contenido parecido al de esta noche. Junto al pianista James Baillieu, nos han ofrecido el siguiente programa:

PRIMERA PARTE 

Fem Digte af Otto Benzon, op. 69 (1900)

Alban Berg (1885-1935)

Sieben frühe Lieder (1907)

SEGUNDA PARTE

Franz Schubert (1797-1828)

An die Musik, D 547 (1817)

Lachen und Weinen, D 777 (1823)

Die junge Nonne, D 828 (1825)

Gretchen am Spinnrade, D 118 (1814)

Erlkönig, D 328 (1815)

Litaney auf das Fest Aller Seelen, D 343 (1816)

Jean Sibelius (1865-1957)

Fem sånger, op. 37 (1900-1902)

Svarta rosor, op. 36, nº 1 (1899-1900)

Bises:

Edvard Grieg (1843-1907)

Ein Traum

Zur Rosenzeit

En la primera parte, la Davidsen empezó con los bellísimos "cinco poemas" de Edvard Grieg, en los que como bien dijo ella tras acabarlos, el público pudo entrar en contacto con el idioma noruego. Siempre es un placer escuchar en vivo la música del gran Alban Berg. Estas siete canciones, aunque agradables y al mismo tiempo dramáticas, tienen ya algunas puntadas de lo que veinte años después se convertiría en el autor de Wozzeck y Lulu, retratando la oscuridad humana en la música. Algo de eso hay en los primeros acordes de la primera canción, Nacht. La dicción alemana de Davidsen es tan exquisita que las palabras podían distinguirse claramente, como si fuera su lengua materna en lugar del noruego. 

La segunda parte fue lo mejor del recital. Davidsen despliega aquí sus poderosos medios vocales, ya que su timbre vocal, rotundo, recuerda a las glorias del pasado: hay momentos que recuerdan a Kristen Flagstad, a Birgit Nilsson y incluso algún agudo a Astrid Varnay. Tiene agudos poderosísimos como también es capaz de graves destacables. Empezó esta con unos lieder famosísimos de Schubert. De An die Musik dio una interpretación bella, prístina, sensible. De las más dramáticas Gretchen am Spinnrade y Erlkönig dio una interpretaciones muy operísticas, aunque las piezas se prestan a ello. Fue aquí donde su poderoso caudal vocal envolvió la pequeña sala del Teatro de la Zarzuela, aún resuenan, de Erlkönig, los gritos desgarradores "Mein vater, mein vater". Otro de los momentos más destacados del recital fue la Letanía, en la que desde la primera frase, Ruh'n in Frieden alle Seelen, en la que demostró su capacidad para hacer un bellísimo canto en piano, en una conmovedora interpretación. Antes de cantar las canciones de Sibelius, Davidsen se dirigió al público para comentar que si bien en el Norte de Europa la gente es más fría y en el sur es más cálida, las canciones de Sibelius mostraban la capacidad para mostrar emociones intensas. Y así abordó este tramo final del recital, cantando ahora en sueco. Muy profunda la forma de cerrar la trágica canción Flickan kom ifrån sin älsklings möte (la chica volvió de encontrarse con su amado), pasando de la felicidad a la tristeza más absoluta, culminando con una cruda pronunciación de la palabra "otro" en sueco "infidelidad", que puso los pelos de punta. De propinas dio dos canciones de Grieg en alemán, en las que de nuevo volvió a demostrar el poderío de sus agudos y de su timbre dramático. 

El pianista Baillieu fue tan excelente como Davidsen, ayudando a la voz a crear los ambientes, mundos mágicos a los que llevan las canciones al espectador. Logró hacer descender al público a las profundidades humanas en la primera canción de Berg, logró describir musicalmente la naturaleza bucólica de los lieder de Grieg y Sibelius, así como transmitir ese dramatismo casi escénico de las de Schubert. 

El público en éxtasis, pese a no llenar la sala se prodigó en ovaciones. Un espectador le gritó en inglés "Te amamos, vuelve pronto", y tras la segunda propina, el público no paró de aplaudir, y de aplaudir, hasta que tuvo que volver a salir a escena. Confiemos que tras sus incursiones en concierto (tiene otra en el Teatro Real en enero, de arias de ópera), en algún momento podamos disfrutar de alguna de sus interpretaciones escénicas, y de gozar en plenitud de la voz de la que ya muchos aclaman como la mejor soprano wagneriana de la actualidad. 

ENGLISH: Outstanding liederabend with Lise Davidsen at the Teatro de la Zarzuela.

Madrid, October 9, 2023.

The Lied Cycle held every season at the Teatro de la Zarzuela begins with one of the most awaited events of this new season: Lise Davidsen's recital, making her debut in this theater.

This Norwegian soprano is one of the most acclaimed operatic singers today, because of her powerful voice and her imposing presence (she is a very beautiful and tall woman). In addition, she is a singer whose repertoire is versatile, including roles such as Elisabeth from Tannhäuser (the role which paved her way towards stardom in 2019), Fidelio, Sieglinde, the Mariscala, Eva, or Leonora of the Forza del Destino. In Spain, she has recently sung in recitals, rather than in staged opera: thus, at the Teatro Real she gave a concert in 2022, and at the Liceu in Barcelona she sang alongside Iréne Theorin, in the Waltraud Meier's farewell to the Spanish operatic scene, and in 2024 she will sing there the Act One from Walküre in concert. Davidsen is also excellent singing lieder. Recently, she had a resounding success in New York, in a recital at the Met Opera, very similar to the last night one. Alongside the pianist James Baillieu, they have offered us the following program:

PART ONE 

Fem Digte af Otto Benzon, op. 69 (1900)

Alban Berg (1885-1935)

Sieben frühe Lieder (1907)

PART TWO

Franz Schubert (1797-1828)

An die Musik, D 547 (1817)

Lachen und Weinen, D 777 (1823)

Die junge Nonne, D 828 (1825)

Gretchen am Spinnrade, D 118 (1814)

Erlkönig, D 328 (1815)

Litaney auf das Fest Aller Seelen, D 343 (1816)

Jean Sibelius (1865-1957)

Fem sånger, op. 37 (1900-1902)

Svarta rosor, op. 36, nº 1 (1899-1900)

Encores:

Edvard Grieg (1843-1907)

Ein Traum

Zur Rosenzeit

In the first part, Davidsen began with the beautiful "five poems" by Edvard Grieg, in which, as she said, after finishing them, the public was able to come into contact with the Norwegian language. It is always a pleasure to hear the music of the great Alban Berg live. His Seven Songs, although pleasant and at the same time dramatic, already have some hints of what twenty years later would become the recognisable style of the composer of Wozzeck and Lulu, portraying human darkness in music. There is something of that in the first chords of the first song, Nacht. Davidsen's German diction is so exquisite that the words could be clearly distinguished, as if it were his native language, rather than of Norwegian.

The second part was the best of the recital. Davidsen did show her powerful vocal means here, since her resounding vocal timbre is reminiscent of the glories of the past: there are moments reminding the sound of the voices of such legends as Kristen Flagstad, Birgit Nilsson and sometimes Astrid Varnay. She also has very powerful high notes, as well as being capable of remarkable low ones. She began the second part with very famous Schubert lieder. From An die Musik she gave a beautiful, pristine, sensitive interpretation. In some classics such as Gretchen am Spinnrade and Erlkönig,she gave very operatic renditions, although the pieces lend themselves to it. It was here that her powerful vocal flow reached every corner at the hall of the Teatro de la Zarzuela, and Erlkönig's heartbreaking cries "Mein vater, mein vater" still resonate in the listener's ear. Another of the most outstanding moments of the recital was the Litany, in which from the first phrase, "Ruh'n in Frieden alle Seelen", she demonstrated her ability to make a beautiful piano singing, in a moving performance. Before singing Sibelius' songs, Davidsen addressed the audience to comment that although people are colder-tempered in Northern Europe and warmer in the south.She stated that Sibelius' songs showed the ability to show intense emotions. And this is how she approached this final section of the recital, now singing in Swedish. Very profound is the way she closes the tragic song  Flickan kom ifrån sin älsklings möte (The girl returned from meeting her lover), going from the initial happiness to the most absolute sadness, culminating with a raw pronunciation of the word "otro" in Swedish meaning" infidelity", which gave the audience goosebumps. As encores, she sang two Grieg lieder in German, in which she once again demonstrated the power of her high voice and dramatic tone.

The pianist Baillieu was as excellent as Davidsen, helping the voice to create the environments, magical worlds to which the songs take the viewer. He managed to bring the audience down to human depths in Berg's first song,managed to musically describe the bucolic nature of the lieder of Grieg and Sibelius, and to transmit the almost scenic drama of Schubert's.

The audience responded in ecstasy, despite not filling the room, but awarding Davidsen with strong ovations. A spectator addressed to her in English saying "We love you, come back soon", and after the second tip, the audience did not stop applauding, so she had to go back on stage to give a final bow. Let us hope that after her successful concerts (she has another one at the Teatro Real in January, of opera arias), at some point we will be able to enjoy some of her stage interpretations, and fully enjoy the voice of the singer who many people hail as the best Wagnerian soprano nowadays.

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Music for the worst tragedy: filicide. Cherubini's Medée at the Teatro Real.

Madrid, October 1, 2023.

After a last season dedicated to the myth of Orpheus, the Teatro Real continues to delve into characters from classical Greek mythology. The 2023-2024 season is dedicated to the myth of Medea, the semi-goddess sorceress who, in revenge for the infidelity of Jason, for whom she left everything behind, even her family and her country, kills her own children. And the first opera of this season is Cherubini's Medea, premiered in 1797 in Paris, in the midst of the French Revolution. This opera did not meet immediate success, until its German-sung premiere in Vienna, in 1802, when it would start its successful path, reinforced by a new translation in 1855. Beethoven, Brahms, Spohr, Schubert and Wagner, among other major German 19th century composers, praised this work, considering it as one of the peaks of the dramatic opera in those days. However, its modern re-integration in the repertoire is due to the fact that  Maria Callas sang it (in the Italian version) for the first time in 1953, resulting in an iconic, landmark interpretation of this role, paving the way for other great sopranos in the following decades, to sing it. Curiously, because of Callas' centenary in 2023, the Teatro Real dedicates these run of performances to her memory, something curious because although she did sing in Madrid (1958, 1959 and 1973, not to mention her hologram, delighting the Madrid audiences since 2020 at the Príncipe Pío station theatre), she didn't do so at the opera house.

Cherubini's music, halfway between the virtuosity of the late 18th century and the romantic impetus that would come in the following century, attempts to set the tragic myth to music, from its well-known overture, tragic and unconventional for its time, to the prelude of the third act, the conflict of the protagonist while she dreams, in a somewhat modern musical language. In this occasion, the French original version, Medée, is offered, in a hybrid version of a French translation of the recitatives, now orchestrated by the late conductor Alan Curtis.

The message coming from the tragedy of Medea, both the myth and the work of Euripides, still prevails nowadays, specially in the cases of domestiv violence involving child abuse, when a spouse (usually a man) harms his or her children to harm to the other spouse (usually a woman), which in recent years has generate public debate in Spain. In this case, it is the woman who kills her children to harm her husband (rare but still some cases that have also been seen recently in Spain). It also depicts the betrayal of a man towards a woman who has done and left everything for him, and her revenge, taking her children as victims to plunge the father into the most absolute misery.

It is something that the director Paco Azorín, tries to make the audiences aware of in his vision of Medée, in a staging of great visual impact. As soon as people enter in the hall, Medée's children are seen playing before the play begins. As the overture begins, Medée is seen killing her children. It is the beginning of the tragedy. During the same orchestral introduction, she and Jason are seen dressed as in classical Greece, in front of the Golden Fleece. But this is a modern production. At the end of the overture, a huge platform with an elevator is seen, which will dominate the stage during the show, on which another rectangular stage sometimes descends, with two enormous blood stains on the floor, which acts as a temple and a palace. of Creon. In the background projections are seen, and during some instants a barren land with the Ukrainian flag being projected.  Ana Garay's wardrobe is contemporary, with an abundance of dark colors. Medée and Jason's children are outlandish teenagers who make videos on TikTok. Creon is dressed as a fascist dictator. Furthermore, Medée has an avatar on stage, an actress without dialogue who is the mythological Medea, with whom she confesses her deepest and tormented thoughts. The wedding between Jason and Dirce is celebrated according to the Greek Orthodox rite, with priests of this faith on stage. In the brief pause between the second and third acts, the Declaration of the Rights of the Child appears projected, and the fact of doing it while the instruments are being tuned makes it a creepy experience. During the long orchestral introduction of the third act, this Medée tries to kill her children unsuccessfully, while the real Medée sits asleep, since it is a recreation of her dream. Dircé's death is seen, showing how smoke emanates from the poisoned dress that Medée gives her as a present of her marriage. In the end, Medée rises towards the sky, while Jason falls into tremendous dispair, real fire appears on the stage. Medée's children no longer appear, because now they have been finally murdered, and the people flee in horror.

The Teatro Real Orchestra, conducted by Ivor Bolton, improved their rendition during the performance. The tragic and well-known overture was performed in a just correct, almost rutinary way despite Bolton's command of 18th Century music. However, from the second act onwards things did improve, the strings from that moment, reached a more dramatic and vibrant sound. The bassoon in Neris's aria was excellent, and the percussion also had its moment of glory during this act. The orchestra's highlight during the show, was undoubtedly the long orchestral prelude to the third act, with the orchestra reaching their peak. On the other hand, the Chorus, now with a new master, José Luis Basso, had an excellent intervention, especially in the wedding scene of Dircé and Jason, with the chorus "Fils de Bacchus, descend des Cieux", in which the male voices sang with stamina, making that moment to sound with great solemnity, which was heard well throughout the room. They were replicated by the female voices, who also had their best moment there.

Maria Agresta and Enea Scala in this performance.

Medée is an opera that needs a protagonist who needs a charismatic command of the stage, a primadonna able to cope with the dramatic force of the work. Maria Pia Piscitelli, who has sung only two performances with the first cast, replacing Maria Agresta, is a competent singer, with a  correct voice, a middle zone that does not sound bad, but that needs that aforementioned charisma, throughout the entire work. It is a voice with a tone with a dark touch, but the treble if it goes too high can be strident. Then she improved a lot from the middle of the second, reaching a notable intervention in her big scene at the beginning of the third act.

Enea Scala played Jason. The Italian tenor suffers from some kind of flu, as announced by the theatre shortly before the show, but he wanted to show defference with the audience, by coming out to sing. Scala has a lyrical-toned voice, but as he moves towards the high voice, he sometimes sounds a little strident. He should be seen, completely healthy, for a better appreciation, even more so if his tone seems pleasant. In terms of acting, his spectacular physique du rôle is suitable for the hero.

Jongmin Park was one of the great voices of the night, like King Creon, with his generous vocal volume and deep bass tone, standing out in the confrontation scene with Medea in the second act.

Sara Blanch was an excellent Dircé, showing her wonderful high notes in her complicated aria in the first act. Nancy Fabiola Herrera was another of the great voices of the night, as the long-suffering and loyal Neris, Medea's servant. Thus she sang her beautiful and heartbreaking Act Two aria Ah! Nos combs seront communes, her velvet-sounded, mature voice, whose beautiful tone joined that of the bassoon, in one of the best moments of the night.

With just a remaining last performance, the Teatro Real must be given the credit for staging a work composed for great voices, and despite the universality of its history, it is not seen frequently on the stages of major opera houses, as it should be. Last night's leading couple may have lacked a little more vocal charisma, but they gave themselves over to the drama. And as a result, it brought several ovations to the artists, especially Piscitelli.

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Música para la peor tragedia, el filicidio: Medea, de Luigi Cherubini, en el Teatro Real.

 

Madrid, 1 de octubre de 2023.

Tras una temporada pasada dedicada al mito de Orfeo, sigue el Real por la senda de la mitología clásica. La temporada 2023-2024 está consagrada al mito de Medea, la hechicera semidiosa que en venganza por la infidelidad de Jasón, por quien dio todo, hasta su familia y su patria, mata a sus propios hijos. Y la primera ópera de esta temporada es la Medea de Cherubini, estrenada en 1797 en París, en plena Revolución Francesa. Esta ópera no conoció el éxito inmediato. Sería a partir de su estreno en alemán en Viena, en 1802, cuando empezaría su exitoso camino, afianzado por una nueva traducción en 1855. Beethoven, Brahms, Spohr, Schubert y Wagner alabarían las virtudes de esta ópera, considerándola como una de las cimas de la ópera de aquél entonces. Sin embargo, la presencia moderna de esta ópera se debe a que la gran Maria Callas la interpretó por primera vez en 1953, haciendo una interpretación icónica de este personaje, pavimentando el camino para otras grandes sopranos en las décadas siguientes. Curiosamente, y por el centenario de la Callas en este 2023, el Teatro Real le dedica a estas funciones, algo curioso porque si bien cantó en Madrid (1958,1973, por no hablar de su holograma, que lleva haciendo las delicias de los madrileños desde 2020 en la estación de Príncipe Pío), no lo hizo en el regio coliseo.

La música de Cherubini, a caballo entre el virtuosismo de finales del siglo XVIII y el ímpetu romántico que vendría en el siglo siguiente, intenta poner música al trágico mito, desde su conocida obertura, trágica y poco convencional para su época, hasta el preludio del tercer acto, donde de forma moderna recrea el conflicto de la protagonista mientras sueña. La tragedia de Medea, tanto el mito como la obra de Eurípides mantiene su vigencia, más aún en estos tiempos donde ya se habla del peligro social de la violencia vicaria, donde un cónyuge (habitualmente un hombre) daña a los hijos del matrimonio para hacer daño al otro cónyuge (habitualmente una mujer), aunque aquí es la mujer la que mata a sus hijos para hacer daño al marido (casos que también se han visto últimamente en la realidad española); y la traición de un hombre hacia una mujer que por él lo deja todo, y  la venganza de esta que se cobra como víctimas a sus hijos para sumir al padre en el dolor más absoluto, se reviste de una rabiosa actualidad.

Es algo que Paco Azorín, director de escena, intenta concienciar al público en su visión de Medea, en un montaje de gran impacto visual. Nada más entrar, se ve a unos niños jugando antes de que empiece la obra. Cuando empieza la obertura, se ve a Medea matando a sus hijos. Es el inicio de la tragedia. Durante la misma introducción orquestal, se ve a Medea y a Jasón vestidos como en la Grecia clásica, frente al vellocino de oro. Pero esta es una producción moderna. Al acabar la obertura, se ve una enorme plataforma con un ascensor, que presidirá el escenario durante el espectáculo, en el que a veces desciende otro escenario rectangular, con dos enormes manchas de sangre en el suelo, que hace las veces de templo y palacio de Creonte. Al fondo se ven proyecciones, y durante un momento se ve una tierra yerma con la bandera de Ucrania de fondo. Pero el vestuario de Ana Garay es contemporáneo, con abundancia de los colores oscuros. Los hijos de Medea y Jasón son estrafalarios adolescentes que hacen vídeos en TikTok. Creonte está vestido como un dictador fascista. Además, Medea tiene un avatar en escena, una actriz sin diálogos que es la Medea mitológica, con la que confiesa sus fantasmas. La boda entre Jasón y Dircé se celebra según el rito griego ortodoxo, viéndose a sacerdotes de esta fe en escena. En la breve pausa entre los actos segundo y tercero, aparece proyectada la Declaración de los Derechos del Niño, y el hecho de que lo haga mientras afinan los instrumentos, le da un tono aún más siniestro. Durante la larga introducción orquestal del tercer acto, esta Medea intenta matar a sus hijos infructuosamente, mientras la verdadera Medea está sentada, dormida, ya que se trata de una recreación del sueño. Se ve la muerte de Dircé, al ver cómo emana humo del vestido envenenado que le regala Medea. Al final, Medea se eleva hacia el cielo, mientras Jasón se retuerce de dolor en el suelo, aparece fuego real en el escenario y los hijos de Medea ya no aparecen, habiendo sido, ahora sí, asesinados, mientras el pueblo huye despavorido.

La Orquesta del Teatro Real, dirigida por Ivor Bolton, fue de menos a más durante la función. La trágica y conocida obertura fue interpretada de forma más bien correcta, aséptica. No obstante, a partir del segundo acto fueron mejor las cosas, las cuerdas a partir de entonces alcanzaron un sonido más dramático y enérgico. Excelente el fagot en el aria de Neris, y la percusión también tuvo su momento de gloria. El mejor momento de la orquesta fue sin duda la larga introducción orquestal del tercer acto, ya con la orquesta entrada en calor. En cambio el Coro, ahora con un nuevo maestro, José Luis Basso, tuvo una excelente intervención, muy especialmente en la escena de las bodas de Dircé y Jasón, con ese coro "Fils de Bacchus, descend des Cieux", que las voces masculinas entonaron con una fuerza única, revistiendo ese momento de gran solemnidad, que se hizo oír bien en la sala. Fueron replicados por las voces femeninas, que tuvieron ahí también su mejor momento. 

Medea es una ópera que necesita de una protagonista que debe ser un animal vocal y escénico, una primadonna capaz de poder con la fuerza dramática de la obra. Maria Pia Piscitelli, que ha cantado solo dos funciones con el primer reparto, es una cantante cumplidora, con un material que parece correcto, una zona media que no suena mal, pero que necesita ese carisma antes mencionado, durante toda la obra. Es una voz con un timbre con un toque oscuro, pero el agudo si va muy arriba puede ser estridente. Luego mejoró mucho desde la mitad del segundo, llegando a una intervención notable en su gran escena del inicio del tercer acto. 

Enea Scala interpretó a Jasón. El tenor italiano sufre de una afección de carácter gripal, según anunciaron por megafonía, pero por deferencia con el público salió a cantar. Scala tiene una voz de base lírica, pero a medida que se dirige al agudo suena a veces un poco estridente. Habría que verlo cuando esté completamente sano, para una mejor apreciación, más aún si su timbre parece agradable. En lo actoral, su espectacular físico es conveniente al héroe que interpreta. 

Jongmin Park fue una de las grandes voces de la noche, como el rey Creonte, con su generoso caudal vocal y su timbre de bajo profundo, destacando en la escena de enfrentamiento con Medea en el segundo acto. 

Sara Blanch fue una excelente Dircé, dando muestras de sus estupendos agudos en su complicada aria del primer acto. Nancy Fabiola Herrera fue otra de las grandes voces de la noche, como la sufrida y leal Neris, criada de Medea. Abordó así su bella y desgarradora aria Ah! Nos peines seront communes, del acto segundo, donde su voz aterciopelada, madura, cuyo bello sonido se unía al del fagot, siendo uno de los mejores momentos de la noche. 

A pocas funciones para que termine esta producción, es de agradecer al Real que programe una obra compuesta para grandes voces y que pese a lo universal de su historia, no se vea mucho en los principales teatros. A la pareja protagonista de anoche quizá le faltara un poco más de carisma vocal, pero se entregaron al drama. Y eso último trajo ovaciones a los artistas, especialmente a Piscitelli.

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Doom as price for being an independent woman: Massenet's Manon in Oviedo.

Oviedo, September 16, 2023.

The operatic season begins in Spain, and the Oviedo Opera starts its 2023-2024 season with a classic title from the French repertoire, although rare in recent years in our country: the delicious Manon by Jules Massenet. The story of Abbé Prévost tells the adventures of a woman who, in her time considered a libertine, in line with the author's intention to warn young women not to stray from righteous path, but  today inspires us admiration and compassion at the same time: Since by choosing to be independent and decide his destiny, he has a tragic end. Throughout its five acts, we witness the fascinating journey of a woman, innocent and resigned to her predetermined destiny as nun in the first act, to another very different woman at the end: a life lived, a long path traveled.

Two musical geniuses like Massenet and Puccini put music to this story, and both have managed to establish themselves in the operatic ABC repertoire, in some way. Being an opéra-comique (although it really has little comedy, despite the exuberance of the music and the secondary characters), the presence of dialogues and spoken phrases, accompanied by the orchestra, draws attention to the fact that their number is higher than that of another masterpiece belongin to its same genre, Bizet's Carmen. And all this is accompanied by Massenet's tender and exquisite music, which portrays the rise and fall of the protagonist

Oviedo is a city which does love music. The quality of the schedules of its major musical venues are among the most important and interesting in Spain,  as well as the Orquesta Filarmonía giving free concerts in August at the Old University. And The Teatro Campoamor , home of the Prince of Asturias Awards, is one of the most emblematic places in the Asturian capital. This year, it hosts its 76th opera season. A very well-dressed audience gathered in its cozy, elegant main room, although perhaps because of the Saint Matthew's festivities, the major ones in the city, it was not completely full.

The duo formed by the director Emilio Sagi and set designer Daniel Bianco is back again for a new and elegant staging, in their elegant line. Although minimalist in nature, this staging does not lack the colourful quintaessence of much of this work. The minimalist stage in turquoise green tones, decorated with trees and flowers taken from a bucolic painting from the 18th century, the period in which the story takes place, can be seen before the play begins, covered only by a curtain of colored strips. Next to the stage there are several staircases that the figurants, dressed as ordinary people, move as the action progresses, to recreate the different scenarios. Thus, in the second act, two of them come together to represent the protagonists' house, with beautiful jade furniture. Or in the fourth, the lamps, an iconic signature of Sagi's and Bianco's stagings such as Puritani or Don Gil de Alcalá, make their appearance, rising and illuminating the gamble scene. At the end, something terrible happens: the elegantly dressed courtesans are undressed by the police, the furniture destroyed and they are thrown to the ground, a sign that they would have been raped and tortured before their deportation. And in the midst of this devastation, the final act and Manon's death takes place.

The Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, (Principality of Asturias Symphony Orchestra), conducted by Nuno Coelho, was at a good level, notably accompanying the artists, and never surpassing them. One can highlight the strings in the Des Grieux's arias. The cello and also the brass had moments of brilliance during the second part. The Coro Intermezzo, the Oviedo Opera Chorus, maintained a good level, highlighting the intervention of the female voices at the beginning of the fourth act.

The cast, mostly made up of great Spanish artists, has shown a devotion rarely been seen in recent times.

Sabina Puértolas sang Manon in a moving and passionate way, both at an acting and singing level, living, conveying the emotions of the character, and demonstrating her spectacular high notes in the second part, and a melancholic performance in Adieu, notre petite table.

Celso Albelo sang Des Grieux, in a performance that grew as the play transcurred. I couldn't help to get my eyes wet in En Fermant les yeux, not only because of the beauty of the aria, but also because its purity and tenderness makes the imminent separation of the characters even more hurtful, an aria in which Albelo recreated the youthful illusion of the character. But it was from Ah, fuyez douce image, which he sang with dedication and beauty, that his performance turned into excellency, and alongside with Puértolas he gave a moving rendition of the final duet.

Manel Esteve was a well-sung Lescaut who conveyed the courage and sarcasm of the character.  Roberto Scandiuzzi, sang Des Grieux's father, and he is still in a magnificent, miracolous vocal shape at 65 years old. Although the voice is logically showing signs of maturity, the dark tone and the powerful vocal flow, which sounds generously throughout the room (and in the front rows, even reverberates in the eardrums), added to his stage presence, result in a performance full of authority.

The rest of the cast sang with the same devotion, especially the three soloists who performed the roles of the three actresses.

As it was the last performance, the emotion was present throughout the show. In fact, the two protagonists hugged each other, with tears of emotion, after the final duet, and the performance was also very well received by the public, who, at leaving the theatre, were awaited by the  San Mateo festivities, of which the soprano and the conductor echoed the greetings, each carrying party scarves.

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La elegante tragedia de una mujer: Manon, de Massenet, en la ópera de Oviedo.

Oviedo, 16 de septiembre de 2023.

Empieza la temporada lírica en España, y la Ópera de Oviedo inicia su temporada 2023-2024 con un clásico del repertorio francés, aunque poco frecuente en los últimos años en nuestro país: la deliciosa Manon de Jules Massenet. La historia del Abate Prévost narra las aventuras de una mujer que, en su tiempo considerada una libertina, en línea con la intención del autor de prevenir a las jóvenes de no salirse del camino, hoy en día nos inspira admiración y compasión a la vez: ya que por elegir ser independiente y decidir su destino, tiene un trágico final. A lo largo de sus  cinco actos, asistimos a la fascinante trayectoria de una mujer, inocente y resignada en el primer acto, a otra mujer muy distinta al final: una vida vivida, un largo camino recorrido. 

Dos genios musicales como Massenet y Puccini pusieron música a esta historia, y ambos han conseguido asentarse en el repertorio lírico, de alguna manera. Siendo una ópera comique (aunque de cómica realmente tenga poco, pese a la exuberancia de la música y los personajes secundarios), la presencia de diálogos y frases habladas, acompañados de la orquesta, llama la atención al ser su número superior al de otra obra maestra de su género, la Carmen de Bizet. Y todo ello acompañado por la tierna y exquisita música de Massenet, que retrata el auge y la caída de la protagonista. 

El Teatro Campoamor, sede de los Premios Príncipe de Asturias, es uno de los lugares más emblemáticos de la capital asturiana. Y en su acogedora sala principal se reunía un público muy bien vestido, aunque quizá por tratarse de las fiestas de San Mateo, no estaba llena del todo. 

Una vez más, el binomio Emilio Sagi - Daniel  Bianco se reúne para un nuevo y elegante trabajo. Aunque de base es minimalista, a esta puesta en escena no le falta el colorido de gran parte de esta obra. El minimalista escenario de tonos verde turquesa, decorado con árboles y flores sacados de una pintura bucólica del siglo XVIII, época donde transcurre la historia, se ve desde antes de que empiece la obra, tapado solo por un telón de tiras de colores. Junto al escenario hay varias escalinatas que van moviendo los figurantes, vestidos como el pueblo llano, a medida que avanza la acción, para ir recreando los diferentes escenarios. Así, en el acto segundo, se juntan dos de ellas, para formar la casa de los protagonistas, con un precioso mobiliario jade. O en el cuarto, las lámparas que también se han visto en los montajes de Puritani y Don Gil de Alcalá, hacen su aparición, levantándose e iluminando la escena de juego. Al final del mismo, sucede algo terrible: las cortesanas, elegantemente vestidas, son desvestidas por la policía, el mobiliario destrozado y ellas arrojadas al suelo, señal de que habrían sido violadas y torturadas, antes de su deportación. Y en medio de esta devastación tiene lugar el acto final y la muerte de Manon. 

La Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, dirigida por Nuno Coelho, estuvo a un buen nivel, acompañando notablemente a los artistas, y en ningún momento sobrepasándolos. A destacar las cuerdas en las arias de Des Grieux. El violonchelo y también el metal tuvieron momentos de lucimiento durante la segunda parte. El Coro Intermezzo, titular de la Ópera de Oviedo, mantuvo un buen nivel, destacando la intervención de las voces femeninas al inicio del acto cuarto. 

El reparto, en su mayoría formado por grandes artistas españoles, ha demostrado una entrega como pocas veces se ha visto últimamente.

Sabina Puértolas, interpretó de forma conmovedora y apasionada a Manon, a nivel actoral y vocal, viviendo las emociones del personaje, además de demostrar sus espectaculares agudos en la segunda parte, y una melancólica interpretación en el Adieu, notre petite table.

Celso Albelo interpretó a Des Grieux, en una interpretación que fue a más a medida que avanzaba la obra. No pude evitar emocionarme en el En Fermant les yeux, no solo por la belleza del aria, sino también porque la pureza y la ternura de esta hace que duela aún más la inminente separación de los personajes, aria en la que Albelo recreó la ilusión juvenil del personaje. Pero fue a partir del Ah, fuyez douce image, que cantó con entrega y con belleza, cuando su interpretación pasó de notable a excelente, y junto a Puértolas dio una versión conmovedora del dúo final. 

Manel Esteve fue un Lescaut bien cantado y que trasmitió el arrojo y la socarronería del personaje.  El veterano Roberto Scandiuzzi, quien interpretó al padre de Des Grieux, sigue en magnífica forma vocal a sus 65 años. Aunque la voz, lógicamente de muestras de madurez, el oscuro timbre y el poderoso caudal vocal, que envuelve la sala (y en primeras filas, hasta retumba en los tímpanos), sumados a su presencia escénica, resultan en una interpretación rebosante de autoridad. 

El resto del reparto cumplió con la misma entrega, especialmente las tres solistas que dieron vida a las actrices.

Al tratarse de la última función, la emotividad estaba presente durante todo el espectáculo. De hecho, los dos protagonistas se abrazaron, con lágrimas de emoción, tras el dúo final, siendo además la representación muy bien recibida por el público, a cuya salida del Teatro aguardaba la verbena de las antes mencionadas fiestas de San Mateo, de la que se hicieron eco la soprano y el director de orquesta en los saludos, llevando sendos pañuelos de la fiesta.

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

A pilgrimage to see the best tenor: glorious Juan Diego Flórez concert at El Escorial Summer Festival.

Madrid, August 4, 2023.

To go to the El Escorial Summer Festival  held at the modern Teatro Auditorio, would be like making a pilgrimage to see the best music live, since this city, located about 25 miles from Madrid, and worldwide known for its royal palace-monastery, has become one more event to consider amidst the vibrant summer activities in the capital. This festival had its spectacular begin in 2005, featuring  Riccardo Muti, and a concert version of Wagner's Siegfried with the Paris Orchestra and Christoph Eschenbach, with the idea of ​​being a Spanish Salzburg Festival. However, the truth is that in the following seasons it has had a more modest budget, while continuing to bring world-class singers. In 2013, there was a memorable Mariella Devia concert, accompanied by Giulio Zappa in the piano. In the year 2021, the Bayreuth Baroque Festival brought his acclaimed version of the opera Carlo il Calvo. This year, the Festival has announced two recitals of major interest: the American soprano Sondra Radvanovsky and the Peruvian tenor Juan Diego Flórez.

Accompanied by the pianist Vincenzo Scalera, on this occasion, the world-famed tenor comes with a very interesting program, in the first part dedicated to Verdi, with arias from Rigoletto and La Traviata, among others, which he has sung a lot around the world, and a second part dedicated to zarzuela and mostly Spanish song. The program has been the following:

PART ONE

Giuseppe Verdi

“Questa o quella”, from Rigoletto

“Ella mi fu rapita… Parmi veder le lagrime… Possente amor mi chiama”, from Rigoletto

“La donna è mobile”, from Rigoletto

Romanza senza parole in Fa maggiore (piano solo)

“O dolore”, from Attila

“Dal più remoto esilio… Dal consiglio alla presenza… Odio solo, ed odio atroce”, from I Due Foscari

Valzer in Fa maggiore (piano solo)

“Lunge da lei… De’ miei bollenti spiriti… O mio rimorso”, from La Traviata

PART TWO

José Serrano : “Al mismito rey del moro”, fro. La alegría del batallón.

“Te quiero, morena (Jota)”, fro. El trust de los tenorios.

Pablo Sorozábal : “No puede ser”, from La tabernera del puerto.

Reveriano Soutullo and Juan Vert : “Bella enamorada”, from El último romántico

Manuel M. Ponce : Intermezzo en mi menor (piano solo)

Francesco Paolo Tosti : «L’alba separa dalla luce l’ombra»

Salvatore Cardillo :“Core’n grato”

Ernesto de Curtis :“Tu ca nun chiagne”

Ruggero Leoncavallo : “Mattinata”

Giacomo Puccini

Intermezzo, from Manon Lescaut (piano solo)

“Che gelida manina”, fro. La Bohème

ENCORES: 

-José Antonio

- La Flor de la Canela y Fina Estampa (medley)

- Jalisco y Cucurrucucú paloma (medley)

- Ah, lêve-toi soleil, from Romeo y Julieta (Gounod)

- Una Furtiva Lagrima from L'Elisir d'amore (Donizetti)

After the inaugural speech by the artistic manager, since this concert was the first of this year's festival, Flórez and Scalera began a first part dedicated entirely to Verdi. The first three pieces belong to an opera he used to sing more than a decade ago, Rigoletto. After beginning with a version of Questa o Quella that was to warm up the voice, he continued with the great scene of the Duke of Mantua, the recitative Ella mi fu rapita, followed by the brilliant aria Parmi Veder le lagrime. It was here, when Flórez began to show signs of what would end up being a great night. It is no secret that Verdi is a bit of a difficult repertoire for Flórez's Rossinian voice, but with his exquisite taste for singing, his beautiful and gallant voice, as well as his bel canto virtuosity, he can carry out their interpretations. Then he continued with La Donna è Mobile, the famous aria, in which Flórez gave a brilliant performance, the first of the night, making his voice, not so big-volumed, even though it can be heard, resonated throughout the hall, especially with his high notes. Then followed two arias, more complicated than those of Rigoletto. In Attila's, he had a correct interpretation, but in I due Foscari's he was able to go further, closing it with an excellent high note.The Verdian part ended with an opera that he has been singing in recent years: La Traviata, from which he sang the great scene of Alfredo in the second act. He sang "De miei bollenti spiriti" in a sensitive way, singing in piano the "quasi" word of the beautiful line "Del universo immemore io vivo quasi in ciel". Then he closed the first part with the cabaletta "O mio rimorso", in which the character's anger, reflected in a devilish bel canto tessitura, accommodated the virtuosity and the youthful voice of the tenor, closing it with an impressive high note in "quest'onta laverò".

However, most of the audience, aware of the effort that Verdi repertoire always puts into this voice, did not expect that the second part, which had already raised many expectations, would not only fullfil, but also would exceed them until turning the evening into something unforgettable. The first four pieces of it were popular zarzuela romances, which (I sensed that it would happen) he approached with all the best of his artistry: the youthful and fresh voice, the gallant singing, the spectacular treble and the coloratura, the latter fitting very well with Spanish music, as well as surprising with his diction and showing signs of devotion and enthusiasm. Thus, the "Te Quiero Morena" sounded very seductive, the "No puede ser", very passionate, causing the theater to break into an outstanding ovation, and the "Bella enamorada", a whole display of gallantry. Then followed the Neapolitan and Italian songs, of which the best performance was Mattinata, which resulted in a huge ovation.

With his voice warm and full, the concert officially ended with "Che Gelida Manina", from La Bohème, an opera that he has sung in London and Zurich in recent years, which he sang very well, an interpretation full of romanticism, good legato and a precious high note on the word "speranza", as well as moving as if he were acting, giving a lesson in expressiveness. One knows that in each recital, Flórez takes the opportunity to sing Latin American songs accompanying himself on his guitar. As soon as he entered with it, the public began to ask him to sing Peruvian or Mexican songs. Flórez made the gesture of taking notes as in a restaurant. Finally, given the number of Peruvians present in the parterre, as he himself stated, the first encore was a famous Peruvian criollo tondero song, "José Antonio". Flórez has successfully sung and recorded popular songs from Latin America, in which his exquisite voice performs them from sensitivity to full enthusiasm and brilliance. He continued with a medley of "Fina estampa" and "La flor de la canela", a classic that he has already made his own. He did not forget the Mexican song, this time with a medley of "Jalisco" and "Cucurrucucú paloma", another classic from his repertoire, in which he made the audience laugh by purposely prolonging a high pitched note, with comical intention. Then he returned with the pianist, to sing the last two encores of the concert: first the "Ah, leve-toi soleil" from Gounod's Romeo and Juliet, which he sang marvelously, and ending the evening with his careful, beautiful, sensitive, exquisitely-sung and devoted version of " A Furtiva Lagrima" from L'Elisir d'Amore, an opera that he sang in his prime years and whose rendition of this aria is well-known and celebrated.

It must be said that Flórez was excellently accompanied by the pianist Scalera. It is worth highlighting his great accompaniment in Ella mi fu rapita, the Traviata scene, as well as in the zarzuela romances, helping Flórez to make the atmosphere more festive and at the same time more welcoming. He also stood out in the accompaniment of tips. For his own show off, the pianist played two charming pieces by Verdi in the first part, the first being the best, a beautiful interlude by Ponce and a shorter one by Puccini, in the second.

As Flórez began the aria from Romeo and Juliet, a woman yelled, "It's late!" And it certainly was, but despite all, the audience applauded so enthusiastically over and over again until the tenor finally returned to stage to give the last encore. That lady was not lacking in reason: the last bus to Madrid left El Escorial at 11:00 p.m., just when the Furtiva Lagrima finished singing, so many spectators who did not have a car had to wait for the night bus at 12:30 a.m., which makes one wonder two things: perhaps  this festival's shows should start sooner (as the Teatro Real does in summer, at 7:30 p.m., or as the Devia concert began in this same place in 2013, so there was time to take the last train to Madrid) or the Regional Bus Madrid  Company should stop lying bt stating in its website that the last bus to Madrid leaves at 11:15 p.m., because of that reason many people waited for the encores relying on this false timetable.

But nothing tarnishes a glorious night, in which the Peruvian tenor has confirmed himself again as the favorite divo of the Madrid audience, leaving the tickets sold out in every theater where he sings, whatever they are, and no matter how far away they are. Flórez has announced that he wants to record a zarzuela album. Many of us will be anxious for him to do so, and to buy it, after his amazing renditions last night.

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Peregrinación para ver al mejor tenor: inolvidable concierto de Juan Diego Flórez en El Escorial.

 

Madrid, 4 de agosto de 2023.

Ir al Festival de Verano de El Escorial puede ser hacer una peregrinación al  mejor arte, ya que esta ciudad, situada, a unos 40 kilómetros de Madrid y conocida mundialmente por su palacio-monasterio, se ha convertido en una cita más a tener en cuenta en la vibrante actividad veraniega en la capital. Aunque el festival arrancó espectacularmente en 2005, con la presencia de Riccardo Muti, o una versión en concierto del Sigfrido wagneriano con la Orquesta de París y Christoph Eschenbach, con la idea de ser un Festival de Salzburgo español, lo cierto es que en temporadas posteriores ha tenido un rumbo más modesto, sin dejar de traer a artistas de renombre mundial. En 2013, un servidor estuvo en un memorable concierto de Mariella Devia, acompañada por Giulio Zappa al piano. En el año 2021, el Festival Barroco de Bayreuth trajo su aclamada versión de la ópera Carlo il Calvo. Este año, el Festival ha anunciado dos recitales del máximo interés: la soprano americana Sondra Radvanovsky y el tenor peruano Juan Diego Flórez.

Acompañado del pianista Vincenzo Scalera, en esta ocasión, el mundialmente famoso tenor viene con un programa interesantísimo, en la primera parte dedicado a Verdi, con arias de Rigoletto y La Traviata, entre otras, que ha cantado mucho por el mundo, y una segunda parte dedicada a la zarzuela y canción española en su mayoría. El programa ha sido el siguiente:

PRIMERA PARTE

Giuseppe Verdi

“Questa o quella”, de Rigoletto

“Ella mi fu rapita… Parmi veder le lagrime… Possente amor mi chiama”, de Rigoletto

“La donna è mobile”, de Rigoletto

Romanza senza parole in Fa maggiore (piano solo)

“O dolore”, de Attila

“Dal più remoto esilio… Dal consiglio alla presenza… Odio solo, ed odio atroce”, de I Due Foscari

Valzer in Fa maggiore (piano solo)

“Lunge da lei… De’ miei bollenti spiriti… O mio rimorso”, de La Traviata

SEGUNDA PARTE

José Serrano : “Al mismito rey del moro”, de La alegría del batallón.

“Te quiero, morena (Jota)”, de El trust de los tenorios.

Pablo Sorozábal : “No puede ser”, de La tabernera del puerto.

Reveriano Soutullo y Juan Vert : “Bella enamorada”, de El último romántico

Manuel M. Ponce : Intermezzo en mi menor (piano solo)

Francesco Paolo Tosti : «L’alba separa dalla luce l’ombra»

Salvatore Cardillo :“Core’n grato”

Ernesto de Curtis :“Tu ca nun chiagne”

Ruggero Leoncavallo : “Mattinata”

Giacomo Puccini

Intermezzo, de Manon Lescaut (piano solo)

“Che gelida manina”, de La bohème

BISES: 

-José Antonio

- La Flor de la Canela y Fina Estampa (mix)

- Jalisco y Cucurrucucú paloma (mix)

- Ah, lêve-toi soleil, de Romeo y Julieta (Gounod)

- Una Furtiva Lagrima de L'Elisir d'amore (Donizetti) 

Con el Teatro Auditorio lleno hasta los topes, y tras el discurso inaugural de la directora artística, ya que este concierto era el primero del festival, Flórez y Scalera dieron comienzo a una primera parte dedicada íntegramente a Verdi. Los tres primeros números pertenecen a una ópera que cantó hace más de una década, Rigoletto. Tras empezar con una versión de Questa o Quella que fue para calentar la voz, siguió con la gran escena del Duque de Mantua, el recitativo Ella mi fu rapita, seguida de la genial aria Parmi Veder le lagrime. Fue aquí, donde Flórez empezó a dar muestras de lo que terminaría siendo una gran noche. No es un secreto que Verdi es un repertorio un poco difícil para la voz rossiniana de Flórez, pero con su exquisito gusto, su bella y galante voz, además de aplicarle su virtuosismo belcantista, del que en el fondo, bebe la tradición verdiana, puede sacar adelante sus interpretaciones. Luego continuó con La Donna è Mobile, la famosísima aria, en la que Flórez realizó una interpretación brillante, la primera de la noche, haciendo que su voz, no siempre sobrada de volumen aunque se haga oir, resonara por la sala, especialmente con sus agudos. Luego siguieron dos arias, más complicadas que las de Rigoletto. En la de Attila, tuvo una interpretación correcta, pero en la de I due Foscari pudo ir a más, cerrándola con un excelente agudo. La parte verdiana terminó con una ópera que lleva cantando en los últimos años: La Traviata, de la que cantó la gran escena de Alfredo en el segundo acto. El De miei bollenti spiriti lo cantó de forma sensible, apianando en el "quasi" de la bella línea "Del universo inmemore io vivo quasi in ciel". Luego cerró la primera parte con la cabaletta "O mio rimorso", en la que la furia del personaje, reflejado en una endiablada página belcantista se acomodaba al virtuosismo y a la juvenil voz del tenor, cerrándolo con un impactante agudo final en "quest'onta laverò".

Sin embargo, muchos espectadores, conscientes del esfuerzo que supone Verdi a esta voz, no esperábamos que la segunda parte, que muchas expectativas ya había levantado, no solo las cumpliría, sino que se las superaría hasta convertir la velada en algo memorable. Las cuatro primeras piezas de la misma eran romanzas populares de zarzuela, las cuales (yo me intuía que sería así) abordó con todo lo mejor de su arte: la voz juvenil y fresca, el canto galante, los espectaculares agudos y la coloratura, encajando muy bien esta última con la música española, además de sorprender con la dicción y dando muestras de entrega y entusiasmo. Así, el Te quiero morena sonó muy seductor, el No Puede ser apasionado, logrando que el teatro se viniera abajo y el Bella enamorada toda una muestra de galantería. Luego siguieron las canciones napolitanas e italianas, de las cuales la interpretación más redonda fue la de Mattinata, que se arrancó una enorme ovación.

Con la voz ya entrada en calor y en plenitud, el concierto terminó oficialmente con el Che Gelida Manina, de La Bohème, ópera que ha cantado en Londres y en Zúrich en los últimos años, que cantó muy bien, una interpretación cargada de romanticismo, buen legato y un precioso agudo en la palabra "speranza", además de moverse como si estuviera actuando, en una lección de expresividad. Uno sabe que en cada recital, Flórez aprovecha para cantar canciones latinoamericanas acompañándose él mismo de su guitarra. Nada más entrar con ella, el público empezó a pedirle que cantase canciones peruanas, o mexicanas. Flórez hizo el ademán de tomar nota como en un restaurante. Finalmente, ante la cantidad de peruanos que había en el patio de butacas, según él mismo añadió, se arrancó con una famosa canción criolla peruana, "José Antonio". Flórez ha cantado y grabado con éxito canciones populares de Latinoamérica, en las que su voz exquisita las interpreta desde la sensibilidad hasta culminarlas con entusiasmo. Siguió con una mezcla de "Fina estampa" y "La flor de la canela", clásico que ha hecho ya suyo. No se olvidó de la canción mexicana, esta vez con una mezcla de "Jalisco" y "Cucurrucucú paloma", otra clásica de su repertorio, en la que arrancó las risas del público al prolongar a propósito un agudo, con intención cómica. Luego regresó con el pianista, para acometer los dos últimos bises del concierto: primero el "Ah, leve-toi soleil" del Romeo y Julieta de Gounod, que cantó maravillosamente, y terminando la velada con su cuidada, bella y entregada versión de "Una Furtiva Lagrima" de L'Elisir d'Amore, ópera que cantó en sus años de plenitud y cuya interpretación de esta aria es conocida y celebrada.

Hay que decir que Flórez estuvo excelentemente acompañado del pianista Scalera. A destacar su gran acompañamiento en Ella mi fu rapita, la escena de la Traviata, así como en las romanzas de zarzuela, ayudando a Flórez a hacer del ambiente más festivo y al mismo tiempo más acogedor. También destacó en el acompañamiento de las propinas. Para su lucimiento propio, el pianista interpretó dos encantadoras piezas de Verdi en la primera parte, siendo la primera de ellas la mejor, un precioso intermedio de Ponce y otro más corto de Puccini, en la segunda. 

Mientras Flórez empezaba con el aria de Romeo y Julieta, una mujer gritó: "¡Es tarde!" Y ciertamente lo era, pero pese a todo el público aplaudió a rabiar una y otra vez hasta conseguir que el tenor saliera y diera la última propina. Razón no le faltaba a aquella señora: el último autobús a Madrid salió de El Escorial a las 23 horas, justo cuando terminó de cantar la Furtiva Lagrima, con lo que muchos espectadores que no tenían coche tuvieron que esperar al autobús nocturno de las 00:30 horas, lo que uno se hace plantear dos cosas: que las funciones de este festival quizá debieran empezar más pronto (como hace el Real en verano, a las 19:30 horas, o como en este mismo sitio empezó el concierto de la Devia en 2013, que daba tiempo a coger el último renfe) o el Consorcio Regional de Autobuses de Madrid deje de mentir diciendo que el último autobús sale a las 23:15. 

Pero nada empaña una noche gloriosa, en la que el tenor peruano se ha confirmado por enésima vez como el favorito del público madrileño, que llena los teatros en los que canta, sean los que sean, y por muy lejos que estén. Flórez ha anunciado que quiere grabar un disco de zarzuela. Muchos estaremos ansiosos de que lo haga para ir corriendo a comprarlo, después de lo que ha sucedido anoche. 

Las fotografías y vídeos no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.