ESP/ENG: Huw Montague Rendall, la nueva sensación del lied, en el Teatro de la Zarzuela.

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Madrid, 27 de abril de 2026.

La primera vez que tuve conocimiento de la existencia del joven barítono inglés Huw Montague Rendall fue a través de su disco "Contemplation", con su nombre de pila en letras grandes en la portada. Llamativo, cuanto menos. Luego supe que era hijo de la veterana mezzo-soprano inglesa Diana Montague y del tenor David Rendall, con lo que podría ser un indicio, sin escucharle previamente, de que el arte corre por sus venas. Cuando se le anunció como parte del Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela de esta temporada, me lo apunté como cita. Ya para entonces sabía que era una de las primesas del lied a nivel mundial.

Y la cita llegó. El Teatro de la Zarzuela, sin embargo, estaba lleno como mucho a la mitad. Un aforo quizá no tan justo para un cantante tan prometedor, sobre el papel. De hecho el ver tan poca gente, y considerando el formato del espectáculo, daba la sensación de que el teatro se había encogido. Por otro lado, el lied siempre ha sido más propicio en espacios más pequeños que grandes coliseos. 

Junto al pianista Hélio Vida, Montague ofreció un recital en torno a cuatro autores: Francis Poulenc, Gabriel Fauré, Arnold Schönberg y Gustav Mahler. Dos idiomas, dos mundos musicales. La primera parte, en la que el barítono fue calentando la voz, comenzó con el Bestiaire de Poulenc, cuyos títulos iba introduciendo el cantante. Siguieron las canciones de Fauré, La Bonne Chanson, bellas, y con el estilo tan encantador que tenía el compositor francés y toda la escuela impresionista. Fue aquí donde Montague empezó a mejorar y dar muestras de su implicación en el universo de cada pieza. La segunda parte fue otra cosa: empezó con las cuatro canciones opus 2, de Schönberg, compuestas en su época tonal. Montague las interpretó bellamente, mostrando su expresividad, y una voz que al menos en un recinto como este, se hacía oír en todas partes, con un timbre bello y cálido. Sin embargo, el momento culminante de la noche llegó con el famoso ciclo de Mahler, los Rückert-lieder, con el lied Um Mitternacht, el cual interpretó con una vigorosa voz, en una desgarradora interpretación, casi operística, que sobrecogió al público. El concierto se completó con tres propinas: Montparnasse, de Poulenc, Silent Noon, de Vaughan Williams, una encantadora canción inglesa que fue el otro gran momento de la noche. Tras esta propina, el dúo no tenía previsto otra, y los aplausos empezaban a amainar cuando unos pocos aplaudieron con tanto entusiasmo que volvieron a reanudarse, haciendo que salieran Montague y Vida. De hecho hizo un gesto como diciendo ¿otro?, y mi compañero de butaca, enérgico, gritó : "¡Sí, otro!", con lo que se lanzaron con una última, la popular Ständchen, de Schubert, la cual fue bien interpretada. La gran expresividad de Montague era también visual: al terminar cada pieza o en momentos relevantes, el barítono sonreía encantadoramente al pianista o al público. Pero en alguna que otra canción también se mostraba sufriente. 

Por su parte, el pianista se reveló también como un excelente intérprete. Primero en las canciones de Fauré, mostrando el hechizo de la música, Después en las obras de Schönberg, en las que supo transmitir ese intimismo introspectivo, tonal pero expresionista, que contesta a la armonía. Y luego en el inicio de Ich atmet’ einen linden Duft y Ich bin der Welt abhanden gekommen de los Rückert-lieder, que mostró la belleza y la serenidad mahlerianos. Con una interpretación así uno entiende por qué Mahler llegó a ser uno de los magos de la música vocal.

Aunque Montague ya había cantado en Madrid (El Murciélago de Strauss en el Real, en concierto), su presentación como liederista en el Teatro de la Zarzuela dio la sensación de un verdadero debut, bien acogido por el público. Esperamos que vuelva pronto.

ENGLISH: Huw Montague Rendall, the new darling of lied, at the Teatro de la Zarzuela.

Madrid, April 27, 2026.

The first time I became aware of the existence of the young British baritone Huw Montague Rendall was through his album "Contemplation", with his first name in large letters on the cover. Striking, to say the least. Later I learned that he was the son of the veteran English mezzo-soprano Diana Montague and the tenor David Rendall, which could be an indication, without hearing him previously, that art runs through his veins. When he was announced as part of the Teatro de la Zarzuela Lied Cycle this season, I appointed it. By then, I already knew that he was one of the most emerging liederists in the world.

The appointment arrived. The Teatro de la Zarzuela, however, was at most half full. A capacity perhaps not so fair for such a promising singer. In fact, seeing so few people, and considering the format of the show, gave the impression that the theater had shrunk. On the other hand, lied has always been more suitable in smaller spaces than large venues.

Together with the pianist Hélio Vida, Montague offered a recital around four authors: Francis Poulenc, Gabriel Fauré, Arnold Schönberg and Gustav Mahler. Two languages, two musical worlds. The first part, in which the baritone warmed up his voice, began with Poulenc's Bestiaire, whose titles the singer introduced. The Fauré cycle, La Bonne Chanson, followed beautifully, with that typical charming style from the French composer and the entire impressionist school. It was here where Montague began to  show signs of his involvement in the universe of each piece. The second part was the real thing, not to devalue the previous one. It began with the Four songs, op.2, by Schönberg, composed in his tonal period. Montague performed them beautifully, showing his expressiveness, and a voice that, at least in a venue like this, could be heard everywhere, with a beautiful and warm timbre. However, the highlight of the night came with Mahler's famous cycle, the Rückert-lieder, with the lied Um Mitternacht, which he performed with a vigorous voice, in a heartbreaking, operatic performance that overwhelmed the audience. The concert was completed with three encores: Montparnasse, by Poulenc, Silent Noon, by Vaughan Williams, a charming English song that was the other great moment of the night. After this piece, the duo had no plans to perform another one. The applause was beginning to die down when a few clapped so enthusiastically that it was revived, bringing out Montague and Vida. In fact, he made a gesture as if saying: "another one?", and my energetic seatmate shouted: "Yes, another one!", so they launched into one last, the popular Ständchen, by Schubert, which was well performed. Mr. Montague's great expressiveness is also visual: at the end of each piece or at relevant moments, the baritone smiled charmingly at the pianist or the audience. But in some other songs he also seemed suffering.

For his part, the pianist also revealed himself to be an excellent performer. First in the songs of Fauré, showing the spell of music, then in the works of Schönberg, in which he knew how to convey that introspective, tonal but expressionist intimacy, which responds to harmony. And then at the beginning of Ich atmet’ einen linden Duft and Ich bin der Welt abhanden gekommen from the Rückert-lieder, which showed Mahlerian beauty and serenity. With performances like these, one understands why Mahler became a magician of vocal music.

Although Montague had already sung in Madrid (Strauss' Fledermaus at the Teatro Real, in concert), his presentation as a liederist at the Teatro de la Zarzuela gave the sensation of a true debut, well received by the audience. We hope he returns soon.

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The delightful Czech first major opera: Smetana's Bartered Bride at the Teatro Real.

Madrid, April 14, 2026. Opening night.

The four main languages ​​of opera are Italian, French, German, and Russian. Perhaps English could be added as the fifth one due to its large output in the 20th and 21st centuries, but if I had to stick to what has become part of the operatic repertoire, I would have to put Czech language in that position. The Czech Republic, when it was Bohemia and Moravia, and part of the Austro-Hungarian Empire, gave birth to its most important classical composers, who have given us many great operas: Antonín Dvořák with his Rusalka; Leoš Janáček with his brilliant theatrical operas such as Jenůfa, Katia Kabanova, The Cunning Little Vixen, From the House of the Dead, and The Makropoulos Affair; Hans Krása with his children's opera Brundibár (although it is usually performed in the vernacular of the country where it is staged); and Bedřich Smetana, considered the father of Czech music and known for the beautiful piece The Moldau, from the symphonic poem My Country, and for The Bartered Bride, the first great opera in this Slavic language. 

The Teatro Real has staged all the aforementioned operas, including Rusalka in recent times with the diva Asmik Grigorian, and during the 2000s, Janáček's operas delighted audiences. However, a classic like The Bartered Bride has only been seen twice in the capital, as the playbill indicates: once in 1924 with the Czechoslovak National Opera at the Teatro Real itself, before its closure due to structure wreck the following year, and again in 1973 by the Belgrade Opera on tour at the Teatro de la Zarzuela. Meanwhile, in much of the Western operatic world, it was known, until the 1970s, by its German translation,  Die verkaufte braut,  although at the Met it was sung in English. This comic opera, with elements of Czech nationalist music, comes to the Teatro Real under the direction of  Laurent Pelly, an expert in comic operas and a regular at this venue.

Pelly hadn't visited us for two years, since his dark production of Die Meistersinger von Nürnberg. This time, his vision of Smetana's opera is quite minimalist, reminiscent of his staging of the aforementioned Wagnerian work, which evolves into the colorful circus. Pelly manages to make the audience laugh, but much of the production is indeed dark and sparsely set, as if he wanted to draw us into the characters' feelings and, at the same time, the difficulties and oppressive social environment that tries to force her to marry a man she doesn't love. But it is still a comedy, and the result is guaranteed fun. The first act shows an empty stage, while above, suspended in the air, are a hodgepodge of chairs and bicycles. The chorus and the characters are dressed as working-class people from any town or neighborhood in a timeless era (the 1950s or 60s), albeit in various colors. Jeník sometimes resembles a kind of John Travolta in Grease, but in a working-class version. In the second act, a huge hut appears, very similar to the one in the same act of the Meistersinger production. Vasek arrives on a bicycle. The third act shows the comedians dancing in their colorful costumes and setting up the circus tent, though it eventually collapses. To the left of the stage is a huge statue of a clown. Above the circus stalls, Marenka laments her fate, while her family tells her she must accept Vasek. At the end, the chorus dances, celebrating Jeník and Marenka's marriage, while Kecal flees in humiliation. 

Gustavo Gimeno leads the Teatro Real Orchestra with a performance that begins with a very forte sound, at the beginning to the overture. Nevertheless, the strings sound wonderful throughout the entire performance. Their tremolo is particularly prominent in the overture. Throughout the rest of the work, the orchestra sounds inspired, especially in the dances and circus numbers of the third act. Although there are moments when the orchestral volume puts the singers at a disadvantage. The Teatro Real Chorus, directed by José Luis Basso, once again demonstrates its full musical and dramatic potential, especially in the second act, where the male section showcases its powerful voices, without diminishing the equally potent female chorus.

As for the cast, the lead pair of Svetlana Aksenova as Mařenka and Pavel Cernoch as Jeník improved as the performance progressed. Aksenova has a dramatic-timbred voice and displays impressive high notes, although some in the first act sounded strained. She was good in the second and third acts. I would like to see her in more dramatic roles. Cernoch was very good in the second act with his lyrical voice, and his portrayal of the charismatic fiancé was convincing, further enhanced by his physical attractiveness. Gunter Groissböck, an athletic bass, is unrecognizable here as the matchmaker Kecal, with glasses, a bald head, and a paunch. Groissböck has a powerful voice with a beautiful timbre, despite lacking a bit of lower voice, but his funny acting carries the performance. His voice is very well suited to the comic role of Kecal. He had not been seen at the Teatro Real since he sang Boris Godunov in 2012, when Gerard Mortier was the artistic director.

However, the best performer of the evening, the most complete, was Mikeldi Atxalandabaso with his portrayal of the stuttering and rather unattractive Vašek. His singing is impeccable, with a beautiful timbre; voice is clearly heard throughout the hall, successfully navigating the difficult challenge of singing while stuttering, and as an actor, he perfectly captures the awkwardness of his character. One of the best spieltenors in the world is Spanish, and we Spanish opera goers can be proud of that. Among the rest of the cast, Rocío Pérez stands out as the dancer, and tenor  Jaroslav Březina as the lead comedian. This Czech tenor sang in the Spanish premiere of Janáček's "Osud" at the Teatro Real back in 2003. 

The gossip press reports that local celebrity and Julio Iglesias ex-wife Isabel Preysler wore a €7,000 outfit for the occasion, and that several promiment local aristocrats and celebrities attended this premiere performance too. But what truly matters is that the beauty of this opera, its excellent staging, and great cast was greatly appreciated by the opening night audience, even though the theater wasn't at full capacity, despite deserving it. The most important numbers were applauded. At the end of the performance, there were standing ovations for everyone: the cast, conductor Gimeno, and director Laurent Pelly and his team. 

I believe that alongside Ariadne et Barbebleue, and I Masnadieri, this Bartered Bride is placed among the best of this current season at the Teatro Real.

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La primera gran ópera checa, en Madrid: La Novia vendida de Smetana en el Teatro Real.

Madrid, 14 de abril de 2026.

Los principales idiomas de la ópera son cuatro: el italiano, el francés, el alemán y el ruso. Podría añadir quizá el inglés como quinto debido a su gran producción en el siglo XX y XXI, pero si tuviera que ceñirme a lo que ha pasado al repertorio, tendría que poner en ese lugar al idioma checo. Y es que la República Checa, cuando eran Bohemia y Moravia, y parte del Imperio Austrohúngaro, alumbraron a algunos grandes compositores que nos han dado grandes óperas: Antonín Dvořák con su Rusalka; Leoš Janáček con sus geniales óperas teatrales como Jenufa, Katia Kabanova,  La Zorrita Astuta, Desde la Casa de los Muertos o El Caso Makropoulos; Hans Krása con su ópera infantil Brundibár (aunque se suele representar en el idioma vernáculo de cada país donde se representa); y Bedřich Smetana, considerado el padre de la música checa y conocido por la bellísima pieza El Moldava, del poema sinfónico Mi Patria, y por La Novia Vendida, la primera gran ópera en este idioma eslavo. 

El Teatro Real ha representado todas las óperas antes mencionadas, Rusalka en época reciente con la gran Asmik Grigorian, y en el pasado las óperas de Janacek hicieron las delicias del público. Sin embargo, un clásico como La novia vendida solo se ha visto dos veces en la capital, como dice el programa de mano: una en 1924 con la ópera nacional checoslovaca en el propio Real, antes de su cierre por ruina el año siguiente, y en 1973 por la Ópera de Belgrado de gira en el Teatro de la Zarzuela. Mientras, en gran parte del mundo operístico occidental era conocida, hasta los años setenta, por su traducción al alemán, Die verkaufte braut, aunque en el Met se cantaba en inglés. Esta opera bufa, con elementos de la música nacionalista checa, llega al Teatro Real de la mano de un experto en comedias como Laurent Pelly, habitual en esta casa.

Pelly no nos visitaba desde hace dos años, con sus oscuros Maestros Cantores. En esta ocasión, su visión de la ópera de Smetana es bastante minimalista, con reminiscencias a su montaje de la obra wagneriana antes mencionada, que va evolucionando hasta lo colorido del circo. Pelly consigue hacer reír al público, pero gran parte de la producción es de hecho oscura y con poco decorado, como si quisiera adentrarnos en los sentimientos de los personajes y al mismo tiempo las dificultades, lo opresivo del entorno social que intenta casarla a ella con un hombre al que no ama. Pero no deja de ser una comedia, y el resultado es la diversión garantizada. El primer acto muestra al escenario vacío, mientras que arriba, suspendidos en el aire, están un montón de sillas. El coro y los personajes están vestidos como personajes de clase obrera, de un pueblo o barrio cualquiera de una época atemporal (años 50 ó 60), aunque de diversos colores. Aunque Jeník a veces parezca una especie de John Travolta en Grease en versión barrio. En el segundo acto, aparece una caseta enorme, muy parecida a la del mismo acto de la producción de los Maestros Cantores. Vasek aparece en bicicleta. El tercer acto nos muestra a los comediantes bailando con sus ropas coloridas, y montando la carpa de circo, aunque llega a caerse. A la izquierda del escenario, una estatua enorme de payaso. Sobre los puestos del circo, Marenka se lamenta de su destino, mientras sus familiares le dicen que debe aceptar a Vasek. Al final, el coro baila celebrando que Jeník y Marenka se casan, mientras que Kecal huye humillado. 

Gustavo Gimeno se pone al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real con una interpretación que empieza con un inicio de obertura muy en forte. Con todo, las cuerdas suenan maravillosas durante toda la función. En la obertura se siente su trémolo con fuerza. Durante el resto de la obra, suena inspirada, muy especialmente en las danzas y en los números circenses del tercer acto. Aunque hay momentos en que el volumen orquestal pone en aprietos a los cantantes. El Coro del Teatro Real dirigido por José Luis Basso vuelve a sonar una vez más en todo su potencial musical y actoral, muy especialmente en el segundo acto, en el que una la sección masculina vuelve a mostrar sus poderosas voces, sin desmerecer a la femenina, que también es potente.

En cuanto al reparto, la pareja protagonista formada por Svetlana Aksenova como Mařenka y Pavel Cernoch como Jeník fue de menos a más durante la función. Aksenova tiene una voz oscura, y muestra impresionantes agudos, aunque en el primer acto alguno sonó apurado. En el segundo y tercer acto estuvo bien. Me gustaría verla en roles más dramáticos. Cernoch estuvo muy bien en el segundo acto con su voz lírica, y su interpretación de novio carismático, convincente además gracias a su belleza física. Gunter Groissböck, un bajo atlético, aquí está irreconocible como el casamentero Kecal, con gafas, calva de fraile y panza. Groissböck tiene una voz potente, de timbre bonito aunque le falte grave, pero con su arrojo interpretativo saca adelante la función. Y en el rol cómico de Kecal su voz se acomoda muy bien. No se le veía en el Real desde que cantó Boris Godunov en 2012, en plena era Mortier.

Sin embargo, el mejor intérprete de la noche, el más redondo, fue Mikeldi Atxalandabaso con su interpretación del tartamudo y poco atractivo Vašek. Su canto es impecable, con un timbre bello, se hace oír en la sala, sale airoso del difícil reto de cantar tartamudeando, y como actor muestra la torpeza de su personaje. Uno de los mejores spieltenor del planeta es español y podemos sentir orgullo de ello. Del resto del elenco, puede destacarse a Rocío Pérez como la bailarina y al tenor Jaroslav Březina como el comediante principal. Este tenor checo cantó en el estreno español de "El Destino" de Janacek, en el Teatro Real, allá por el 2003. 

La prensa rosa dice que Isabel Preysler ha vestido para la ocasión, un traje valorado en 7000 euros, y junto a ella la aristocracia local ha asistido a la función. Pero lo verdaderamente importante es que la belleza de esta ópera, lo bien servida que está, y todo ello ha sido muy apreciado por el público de estreno, aunque el teatro no estuviese lleno al 100% pese a merecerlo. Los números más importantes han sido aplaudidos, incluso el dúo del primer acto antes de tiempo. Y al final de la función ha habido ovaciones para todos: para el elenco, para el maestro Gimeno y para Laurent Pelly y su equipo. 

Creo que junto a Ariadna y Barbazul y Masnadieri, estamos ante el mejor título de la temporada.

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Zarzuela ¿en el fútbol?: Jugar con Fuego en el Teatro de la Zarzuela, segundo reparto.

 

Madrid, 12 de abril de 2026.

Parece que con "Jugar con Fuego", de Francisco Asenjo Barbieri, empezó la zarzuela tal y como lo conocemos. Una de las primeras zarzuelas del género grande, en tres actos. Una música de inspiración italiana, con páginas de verdadera dificultad para los solistas y momentos de gran belleza. La historia, rompedora para su época: una relación amorosa entre dos personas de diferentes estratos sociales, que pasa por muchas dificultades hasta lograr el final feliz: una orden real que les permite casarse y un cómico final en un manicomio. Su éxito en el Teatro del Circo en 1851 fue enorme.

Veintiséis años después (aunque la ESCM la interpretó en su sede, el bellísimo Teatro Bauer, en enero), volvió esta obra al Teatro de la Zarzuela, el templo principal en el mundo del género que ayudó a consolidar. Y lo ha hecho de forma polémica: se ha creado una nueva historia, con la música de la obra original, aunque cambiando algunas letras para adaptarlo a la dramaturgia moderna. Esta nueva producción corre a cargo de Marina Bollaín, conocida por su ya histórica "Noche de Verano en la Verbena de la Paloma", que actualizó el clásico de Bretón, llevándolo a un vecindario moderno, que recordaba a 13 Rue del Percebe y a Aquí no hay quien viva, cuando el éxito de esta serie estaba aún reciente. La señora Bollaín ha trasladado la acción de Jugar con Fuego, desde la época de Felipe V en el libreto original de Ventura de la Vega, a una época actual, en un estadio de fútbol en pleno derbi. 

La producción, es divertida, aunque hay cosas que chocan bastante si se tiene consciencia de que una vez hubo una versión original: si bien en el siglo XXI aún hay diferencias sociales que harían que la relación amorosa de una aristócrata y un "plebeyo" (en la original era un hidalgo) pudiera seguir reportándoles daño, no hay ningún impedimento legal para una unión de este calibre. De ahí que la ocultación y luego la negación de la Duquesa hacia su relación con Félix no tienen mucho sentido en una época moderna. Sí queda potenciado el acoso del Marqués de Calatrava hacia la Duquesa, que aquí es descaradamente sexual. 

Cuando empieza a sonar la música, se proyectan imágenes del Santiago Bernabéu, con los aficionados entrando al mismo. El telón se abre y se muestra el interior del estadio, con un puesto de comida, y otro de camisetas y bufandas, mientras algunos vendedores ambulantes pululan por la escena. Félix y Antonio son dos chavales que se ganan la vida disfrazados de tigre del equipo y de balón respectivamente. Félix tontea con la duquesa, simpatizante del equipo contrario, y que para pasar desapercibida lleva una capucha. El marqués y el duque son dos señores trajeados, que intentan captar a la novia de Félix, quien intenta huír. Para saber si es la duquesa, los citan en el palco VIP, donde transcurre el segundo acto. De fondo, los ruidos del estadio y el himno de la Champions League.

La sala VIP está presidida por todas las copas de Europa que ha ganado el equipo, se entiende que el Real Madrid. Allí están los VIPs reunidos en un convite, con una duquesa deslumbrante con un traje rojo. Félix y Antonio intentan entrar, con sus disfraces, pero son rechazados por los guardias de seguridad y los guardaespaldas, pero son salvados por el marqués. Con sus intrigas, éste consigue de Félix una interpretación comprometedora: como prueba de su amor, la duquesa le mandó una foto íntima, y el conde le requisa el móvil. En su acoso, el marqués chantajea a la duquesa, la cual tiene que ceder a sus repugnantes caricias: mientras cantan su dúo, el Conde besa lascivamente los brazos, los zapatos y los pies de la Duquesa. Dado que lo que compromete a la duquesa es una fotografía y no una carta como en el original, este cambio afecta a la letra. En estos tiempos los hospitales psiquiátricos no son como los manicomios de antaño. Conociendo el libreto, choca al saber que cuando la duquesa pide que se lleven a Félix por "demente", no puede ser al manicomio, sino que en realidad es a comisaría. 

El tercer acto empieza mostrando imágenes de gente dejando el estadio. Antonio intenta salir, pero los policías les piden la documentación y le dicen que Félix está en comisaría. Poco después aparecen unos ultras del fútbol, que se enfrentan a los antidisturbios. Estos increpan a Antonio, al que despojan de su disfraz de balón y hasta de su ropa... Los locos del libreto original son convertidos en los Ultras Sur o el Frente Atlético. A Félix no se le encuentra nada y le dejan libre. Entonces se encuentra con la duquesa, con la que consigue arreglar sus diferencias cuando éste la oye cantar su romanza en la que muestra sus verdaderos sentimientos hacia él. El marqués intenta acosar por última vez a la duquesa, pero por suerte para ella, llegan los ultras y se lo llevan. Al final triunfa el amor, la duquesa se enfrenta a su padre y deja el estadio con Félix. La obra se cierra con los ultras disfrazando del balón al marqués y acosándolo, mientras se proyectan imágenes de fanáticos del fútbol encendiendo antorchas.

Álvaro Albiach dirigió la Orquesta de la Comunidad de Madrid acompañando a los solistas, y transmitiendo la belleza belcantista de la partitura. El precioso interludio anterior al tercer acto sonó notablemente. Las trompas tuvieron un momento brillante en el tercer acto. Estupendo el coro en sus intervenciones, especialmente en la difícil tarea de interpretar a los repulsivos ultras futboleros.

Del elenco, que en esta ocasión era el segundo, quien destacó por encima de todos fue Antonio Gandía con su fantástica voz, que le permitió salir más que airoso de la difícil tesitura de Félix, especialmente en su romanza del primer acto, La vi por vez primera, la cual me recordó a la famosa aria de La Favorita de Donizetti, Una vergine un angiol di dio. Y en el mismo excelente nivel musical siguió en los actos restantes, con un canto firme y un timbre bellísimo. 

Berna Perles como la Duquesa de Medina estuvo correcta, pese a algún agudo apurado, dando uno potente en el segundo acto y defendiéndose bien en su romanza del tercero.

Luis Cansino bordó su interpretación como el Marqués de Calatrava, ya que es un experto en roles bufos y cómicos. A nivel musical estuvo notable y como actor convence en todo lo baboso de su personaje, que potencia la producción. 

Decente el resto del elenco. 

Tras más de medio siglo sin verse en vivo en el Teatro de la Zarzuela, la oportunidad de ver la primera gran zarzuela estaba ahí. Aunque la producción no haya sido del agrado de los aficionados más tradicionales, porque lo que se veía en escena no era la obra original sino una nueva versión con la música original. Si se es consciente de ello, hasta se puede llegar a pasarlo bien, yendo con la mente abierta. Aún así, el disgusto de los espectadores más tradicionales con esta producción y las demás anteriores de esta temporada, me retrotrae a épocas como la de Gerard Mortier en el Teatro Real, en la que las controversias y escándalos se sucedían. No ha habido una sola sin disconformidad de parte importante del respetable, llegando a la ira con El Potosí Submarino y con Bohemios... ¿seguirá por este camino la señora Isamay Benavente, directora artística del teatro, en la próxima temporada?

No contaba con ir a este título, pero gracias a mi amigo Sergio Navarro, quien me señaló la importancia del título para el género, me anime. Le doy públicamente las gracias.

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ESP/ENG: Bruckner, por la ópera: La Octava Sinfonía por la Orquesta Sinfónica de Madrid.

 

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Madrid, 27 de marzo de 2026.

A mí me resulta interesante ver a las orquestas de teatros de ópera, abordar repertorio sinfónico. Tenemos casos brillantes, como las orquestas de teatros como la Scala de Milán, el Mariinsky de San Petersburgo, la Staatskapelle Berlin o la Staatskapelle Dresden, entre muchas otras. En lo que a Madrid concierne, las orquestas del Teatro de la Zarzuela y del Teatro Real tienen sus temporadas sinfónicas en el Auditorio Nacional.

La octava sinfonía de Anton Bruckner se calificó en su estreno como la catedral de la sinfonía romántica. Su larga duración, su uso de una gran orquesta, y la majestuosidad del sonido cada uno de sus cuatro movimientos permiten aseverarlo. Es como un edificio majestuoso, un templo románico, gótico o neogótico. Es como un viaje por todos los estadios del alma. Cada movimiento supone una exploración de diversos lugares: unos bellísimos, otros más densos. Por eso se entiende el calificativo que se le dio, y cuando acaba uno ya quiere volver a verla. 

La Orquesta Sinfónica de Madrid es la titular del Teatro Real, a la que tantas veces me refiero en mis críticas de ópera. En los últimos años, han incluído sinfonías de Bruckner en sus programaciones, en 2022 la Novena, en 2024 la Cuarta, ambas bajo la dirección de Pablo Heras-Casado; en 2025 la Séptima, bajo la dirección de Ivor Bolton; y ahora es el turno de la majestuosa Octava, bajo la dirección del actual titular de la orquesta, el valenciano Gustavo Gimeno. No se ha especificado en el programa qué versión se usa, pero posiblemente sea la de Haas.  

Gimeno ha dado una versión que ha mejorado a medida que transcurría el espectáculo, aunque abusando del forte, ya que desde el principio han mostrado un exceso de volumen, especialmente el metal. Las cuerdas fueron de más a menos, hasta lograr un sonido precioso, solemne y pacífico, en el tercer movimiento y lograr un nivel espectacular en el cuarto. Aun así, hubo momentos irregulares. El metal tuvo sus grandes momentos de lucimiento en los movimientos segundo y cuarto, aunque como se ha dicho antes, sonó demasiado fuerte. Mejor estuvo la sección madera, que es de lo mejor de la orquesta, con un clarinete dando réplica brillantemente al resto de músicos. 

No estaba lleno el auditorio, pero es de agradecer que en una obra tan monumental, haya presencia de gente joven, lo que indica que hay esperanza y que pese a su aparente dificultad, aún hay gente interesada en la grandeza de esta obra. Ya hay ganas de volverla a ver.

ENGLISH: Bruckner, by the opera. The Eighth symphony by the Madrid Symphony Orchestra.

Madrid, March 27, 2026.

It is interesting to me to see opera theater orchestras tackling symphonic repertoire. We have brilliant cases, such as the orchestras of theaters such as the Scala in Milan, the Mariinsky in Saint Petersburg, the Staatskapelle Berlin or the Staatskapelle Dresden, among many others. As far as Madrid is concerned, the orchestras of the Teatro de la Zarzuela and the Teatro Real have their symphonic seasons at the Auditorio Nacional (National Auditorium).

Anton Bruckner's Eighth Symphony was described at its premiere as the cathedral of the romantic symphony. Its long duration, its use of a large orchestra, and the majesty of the sound of each of its four movements allow us to affirm this. It is like walking through a majestic building, a Romanesque, Gothic or Neo-Gothic temple. It is like a journey through all the stages of the soul. Each movement involves an exploration of different places: some beautiful, others more dense. That's why it received its temple nickname, and when the performance is ended, one already wants to see it again. 

The Orquesta Sinfónica de Madrid (Madrid Symphony Orchestra) is the Teatro Real orchestra, which I refer to so many times in my opera reviews. In recent years, they have included Bruckner symphonies in their seasons, in 2022 the Ninth, in 2024 the Fourth, conducted by Pablo Heras-Casado; in 2025 the Seventh, conducted by Ivor Bolton; and now it is the turn of the majestic Eighth, conducted by the Valencian Gustavo Gimeno, its new music director. It has not been specified in the program which version is used, but it is possibly the Haas one.  

Gimeno has given a rendition that has improved as the show has gone by, although abusing the forte, since from the beginning they have shown an excess of volume, especially the brass. The strings improved as the music was transcurring, until achieving a beautiful, solemn and peaceful sound in the third movement and achieving a spectacular level in the fourth. Still, there were irregular moments. The brass had its great moments of brilliance in the second and fourth movements, although as said before, it sounded too loud. The woodwind, which is probably the best section in the orchestra, gave a splendid performance, with a clarinet brilliantly responding to the rest of the musicians. 

The auditorium was not full, but it is appreciated that in such a monumental work, there is a presence of young people, which indicates that there is hope and that despite its apparent difficulty, there are still people interested in the greatness of this work. I already want to see it again.

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