The Met Opera "At-Home" Gala: In hard times, opera stars sing for you.

"What a wonderful, unforgettable night!" was the mood among the viewers of the Met at-home-gala online last saturday, after four hours of A-level singing, which rose many emotions in their hearts. As any opera house during these difficult times by the Coronavirus, the Metropolitan Opera has been closed for many weeks, and also has cancelled its remaining season. Meanwhile, many of its vast video archives are being streamed online.

To give the audience some emotion of live performance, the Met announced an online Gala with 40 opera stars singing from their homes throughout Europe and America, as well as the orchestra and chorus, despite of being in the middle of a scandal issue about cancellations of contracts and salaries.

With the slogan "The voice must be heard", the Gala was presented by the General manager Peter Gelb and the musical director, Yannick Nézet-Séguin, both hosting from their respective homes. Every artist presented the next one to sing, but sometimes there were some pauses, in which the orchestra and chorus took part.

It's difficult to talk about each one of the forty singers, but we will try to talk about the highlights of this evening. There were some great names absent like Juan Diego Flórez, Sondra Radvanovsky, Eric Owens, or even, despite the big scandal which has made impossible any appearance, Plácido Domingo.

The first singer was Peter Mattei, who sang Don Giovanni's  Deh vieni alla finestra accompanied by an accordeon. He was followed by Roberto Alagna and his wife Aleksandra Kurzak, who sang a hilarious version of the duet Caro Elisir from L'Elisir d'Amore. Alagna made surely everyone laugh with his sense of humor, despite not being very suitable for Nemorino anymore. Renée Fleming, the Met diva, sang a moving, spiritual-like version of Otello's Ave Maria, and she was visibly moved after singing. Anita Rachvelishvili sang a powerful, beautiful Mon Coeur s'ouvre à ta voix. Jonas Kaufmann and Helmut Deutsch performed the famous aria Rachel from La Juive. Kaufmann is in a phase of maturity of his voice, and despite his big effort and nice singing, high register is a bit difficult now. As a result, Deutsch shone better than him. Michael Volle represented Wagner with his liederistic style singing the Star Song from Tannhäuser.

Elīna Garanča gave one of the great moments of the evening with her beautifully sung Habanera from Carmen, reinforced with her flirt, seductive performance which confirms her as the best Carmen of our time. Jamie Barton amazed with her powerful, tragic performance of Verdi's O Don fatale, with astonishing high notes. René Pape sang a rendition of In diesem heiligen hallen with a calm, nice and serene singing. Joyce DiDonato sang an intimist version of Serse's Ombra mai fu. Sonya Yoncheva sang a delightful version of Rusalka's Moon Aria. Diana Damrau and her husband Nicolas Testé sang La cì darem la mano from their kitchen, with their kids joining them in their final greetings. Bryn Terfel and his wife Hannah Stone at the harp sang a traditional song

The three pauses in which the orchestra and chorus took part were a marvellous performance of the Intermezzo from Cavallleria Rusticana, the Act 3 Prelude from Lohengrin and maybe the most moving moment of the night: The Va Pensiero chorus from Nabucco, showing the orchestra and chorus members in their homes in a big panel, performing at the same time. In addition, Nézet-Séguin at the piano and David Chan at the violin, played Thais' Meditation.

The young generation of singers gave amzing surprises: Erin Morley singing La Fille du Régiment and playing the piano at the same time, Anthony Roth Costanzo sang a soulful, beautiful version of Haendel's Pena Tiranna, with his great counter-tenor, contralto-like voice; or Lisette Oropesa with her great high notes and coloratura singing an aria from Robert Le diable. Golda Schultz, Angel Blue, Nadine Sierra and Isabel Leonard showed the great level of the new generation of sopranos on stage at the Met.

Tenors were chosen to end this mega concert: Stephen Costello and his wife at the violin performed Faust's Salut demeure chaste et pure, Lawrence Brownlee singing A te, o cara from Puritani with a beautiful voice and great high notes, and the last one being Javier Camarena (who even adressed to Mexican people in Spanish), singing a superb rendition of Nel furor delle tempeste from Il Pirata, including the Caballetta. He has sung this opera in Madrid on last December with a great acclaim.

Many other singers completed the 40-stars list. The announced Anna Netrebko and Yusif Eyvazov finally cancelled at the last moment, so the Met provided two clips from the Vienna Opera Gala at studio, who was recorded recently.

The gala ended with Gelb and Nézet-Séguin saying goodbye and the title credits played Cavalleria's Intermezzo, and a dedication to the audience.

The famous Met galas are usually lavish and crowded. In this case the luxury of the Lincoln Center has been forced to be replaced by the informality of the artists' living rooms. However, this exceptional circumstances have not detracted any emotion, and for this reason the "at-home" gala will go down in history at the same level of the previous ones on its stage.

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La voz debe de ser oída: Gala en casa con los artistas del Met.

En estos tiempos de Coronavirus, los teatros de ópera llevan cerrados unos dos meses aproximadamente. Casi el tiempo que llevamos sus espectadores confinados en nuestras casas. Para hacernos este encierro más llevadero, muchos han subido vídeos de sus producciones a sus plataformas digitales. El Metropolitan Opera House de Nueva York ha querido ir más allá, y en la línea de los artistas que han cantado desde sus hogares, ha organizado una gala "en casa", en la que participaron cuarenta de sus grandes estrellas el pasado sábado desde sus hogares; emitida para todo el mundo desde su página web. Junto a ellos, también participaron la orquesta y el coro del Met, en medio del escándalo suscitado por el teatro debido a las cancelaciones de contratos y suspensiones de empleo y sueldo de su personal.

Pese a que las circunstancias especiales la han hecho más particular que nunca, la emoción sentida hace que esta gala siga la estela de las habitualmente fastuosas y multitudinarias que suele celebrar el teatro neoyorquino, el más grande del mundo. No obstante ha habido ausencias destacadas como las de Juan Diego Flórez, Sondra Radvanovsky y por supuesto Plácido Domingo, por las razones que en el mundo de la ópera ya sabemos.

Con el lema The voice must be heard (La voz debe de ser oída, en inglés) la gala fue presentada por el director general del teatro, Peter Gelb, y su director musical, Yannick Nézet-Séguin, ambos desde sus domicilios. Cada artista presentaba al siguiente, aunque en determinados momentos Gelb y Nézet-Séguin lo hacían, aunque principalmente para hacer alguna pausa que anticipaba los momentos orquestales y de coro. 

Nombrar de repente a cuarenta artistas es una tarea complicada, pero se intentará hablar de los momentos más destacados de la velada. 

Peter Mattei fue el primero de esta larga lista, interpretando el Deh Vieni alla Finestra de Don Giovanni, acompañado de un acordeón. Le siguieron Roberto Alagna y su esposa Aleksandra Kurzak quienes con mucho desparpajo hicieron una interpretación hilarante del dúo del Elisir d'Amore, si bien Alagna parece no estar ya para demasiados Nemorinos, aunque se metió al público en el bolsillo con su vis cómica. Renée Fleming, la diva del Met,interpretó una versión emotiva  aunque ya más cercana al espiritual que propiamente verdiana debido a su estado vocal, del Ave Maria de Otello, que sin embargo resultó bellísima y terminó con la propia Fleming emocionada. Anita Rachvelishvili dio una conmovedora y sentida interpretación del Mon coeur s'ouvre à ta voix. Jonas Kaufmann y el mítico pianista Helmut Deutsch interpretaron el aria Rachel, de La Juive. Kaufmann ya está en un período de madurez, y pese a mantenerse aún, el agudo es cada vez más complicado para él y la voz más abaritonada. La interpretación fue buena con todo, aunque en honor a la verdad, Deutsch brilló hasta más que él.

Bryn Terfel interpretó una canción acompañada de arpa. Elina Garanca dio una de las interpretaciones más destacadas de la noche, cantando la Habanera de Carmen. Su bella, seductora y aterciopelada voz acompañaron a una recreación pícara, coqueta del personaje; sumado a su belleza física la confirman como la mejor Carmen de los últimos veinte años junto a Anna Caterina Antonacci. Jamie Barton volvió a impresionar con su impresionante voz en el O Don Fatale. Michael Volle representó a Wagner con su liederística versión de la romanza de la estrella Wolfram de Tannhäuser. René Pape dio una versión bellamente cantada del aria In diesen heiligen halle de La Flauta Mágica. Joyce Di Donato interpretó el aria Ombra mai fu "teleacompañada" por la orquesta, en una íntima y serena versión.

La orquesta y el coro del Met se encargaron de las pausas, con, el Intermedio de Cavalleria Rusticana, el Preludio del tercer acto de Lohengrin, luego una interpretación de la meditación de Thais con David Chan al violín y Nézet-Séguin al piano. La última de esas pausas fue el famoso coro Va, Pensiero de Nabucco, que se convirtió posiblemente el momento más emotivo de toda la gala, con los músicos interpretando esta inmortal pieza desde sus casas, pero con la misma entrega que si estuvieran en el escenario.

Sonya Yoncheva cantó el aria de la Luna de Rusalka, espléndida de voz y aún mejor acompañada al piano. Günter Groissböck interpretó un aria de La Mujer silenciosa de Strauss, con un grave final de ultratumba. Los tenores belcantistas Lawrence Brownlee y Javier Camarena (el último en cantar) dieron sendas maravillosas interpretaciones de dos óperas de Bellini: Brownlee con el A te, o cara de Puritani y Camarena con la complicada Nel furor delle tempeste, cabaletta incluida de Il Pirata, que recientemente cantó en Madrid. Ambos tenores demostraron su enorme destreza en estas páginas tan bellas como inclementes, con agudos potentes y control de las difíciles tesituras. Aylin Pérez y Soloman Howard cantaron una versión apasionada y dramáticamente bien resuelta del dúo de Luisa y Wurm de Luisa Miller. Diana Damrau y su esposo Nicolas Testé cantaron el La ci darem la mano de Don Giovanni desde su cocina, y antes de despedirse se sumaron sus dos hijos pequeños, creando una estampa familiar. Stephen Costello y su esposa violinista interpretaron el Salut, demeure chaste et pure del Fausto de Gounod, que pudieron sacar adelante pese a las limitaciones del tenor, que pudo salvar el aria con un agudo en piano al final. Piotr Beczała cantó una apasionada versión del Recondita Armonia, e Ildar Abdrazakov cantó una pieza de Rachmaninov.

Entre las estrellas más jovenes, hay que destacar la gran cantera de sopranos: Angel Blue dio una bellísima versión de Depuis le Jour, de Louise, Golda Schultz interpretó una deliciosa versión de Chi il bel sogno di Doretta de la Rondine, Erin Morley cantó un aria de La Fille du Régiment mientras tocaba el piano; todo un mérito el tocar un instrumento y cantar esa tesitura dificil al mismo tiempo. Nadine Sierra, desde España, interpretó el aria Sì, mi chiamano Mimì.

Lisette Oropesa cantó un aria de Robert le diable, y volvió a deslumbrar con su coloratura y sus agudos, siendo su actuación una de las mejores de la noche. Una agradable sorpresa fue descubrir a Anthony Roth Costanzo, quien cantó el Pena tiranna del Amadigi de Haendel: una bella voz de contratenor, un aterciopelado timbre contraltista y unos agudos magníficos, además de una apasionada interpretación. 

Muchos más artistas cantaron hasta llegar a los cuarenta. Los anunciados Anna Netrebko y su esposo Yusif Eyvazov finalmente no cantaron, por lo que en su lugar se ofrecieron dos piezas cantadas por ambos en la gala de la ópera de Viena, grabada en un estudio hace una semana: ella cantando maravillosamente una hechizante canción de Rachmáninov y él una soprendentemente bien cantada versión del Che Gelida Manina.

Al final, la gala terminó con una despedida de ambos directores y los títulos de crédito finales fueron acompañados del Intermedio de la Cavalleria y una dedicatoria al público.

Las circunstancias de este virus terrible que nos acecha han llevado al Met cambiar el lujo de los trajes de noche por la informalidad del hogar, pero con millones de telespectadores en todo el planeta. Y eso no le ha restado a esta noche de "teleópera" ni un ápice de emotividad ni calidad. De hecho, las reacciones en las redes sociales han sido de agradecimiento y satisfacción. Independientemente del resultado final, esta gala del Met pasará a la historia como las que la han precedido, porque los músicos se han convertido en valientes artistas en medio de la adversidad, y todo ello para hacernos la vida más feliz.

Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente.

Descubriendo óperas: La Juive desde Viena con Neil Shicoff en DVD.

En este confinamiento a causa del coronavirus y el estado de alarma que han generado, estoy aprovechando la oportunidad para descubrir óperas que aún no he escuchado o visto.

Y por primera vez en mi vida, he visto y oído La Juive de Halévy., considerada la ópera judía por antonomasia.

Dado que no hay muchos montajes en vídeo de esta obra, y ninguno clásico para iniciarse, el mejor y más cercano que encontré fue el clásico de la ópera de Viena, con unos Neil Shicoff y Krassimira Stoyanova estratosféricos. Halévy compone una ópera que llama a la tolerancia religiosa, aunque a veces se contradiga con el perfil estereotipado del judío reservado, materialista y rencoroso en el personaje de Eléazar. Pero además, también trata el tema de los efectos de la supremacía cristiana del poder en la Europa medieval, y en esto, esta obra se puede considerar hermana de Il Trovatore, aunque se compusiera dieciocho años antes.

Eléazar y Azucena sufren el racismo y la exclusión social por ser de los dos pueblos más atacados en la historia: los judíos y los gitanos. Eléazar ve cómo sus hijos son sacrificados injustamente. Azucena, a su madre. Ambos deciden vengarse de los cristianos, los "puros", los nobles, en donde más les duele: en sus hijos, uno cría a la hija de su enemigo en una religión odiada y la otra tras quemar al bebé equivocado y ya tocada por la muerte de su madre, cría al hijo del asesino de su madre como un gitano. Sin embargo el deseo vengador les consume, porque aunque saben que el día de la venganza llegará, algo en ellos ama a sus hijos adoptivos como si fueran propios. Y pese a su origen "noble", Rachel es una judía muy orgullosa de serlo, y Manrico es un gitano de pura cepa. Está claro que no se cambiarían por nadie, que están dispuestos a morir por y junto a sus padres de crianza y menos cuando Brogni y el Conde de Luna son unos villanos tan insoportables, sin ánimo tampoco de elevar a la categoría de santos a sus víctimas.

A favor de Brogni, es mejor persona que Luna. Brogni y Rachel sienten una conexión que no comprenden, pero que pese a su situación de desigualdad les hace sentir una empatía y cierta compasión. Pero si Luna es un egoísta que no le importa lo que tenga que hacer para salirse con la suya, Brogni también puede ser un canalla de los grandes; y a la vista está cuando maldice y expulsa a Léopold de la comunidad. Tal vez esté arrepentido de haber atacado a Eléazar en el pasado, pero puede más su perfil de autoridad cristiana.

En una era de intolerancia religiosa como es la Edad Media, Eléazar y Azucena son dos seres destruidos mentalmente. Y finalmente la tragedia es devastadora: los cristianos y nobles pierden a sus hijos de la peor manera, porque aunque el judío y la gitana morirán pronto, a ellos les espera una condena en vida con sus hijos de los que no solo han podido disfrutar, sino que además les han condenado como a sus peores enemigos. Dos argumentos de ópera poco sustanciosos, pero que no dejan de evidenciar la tragedia de la marginación social y la persecución de las minorías religiosas y raciales hasta épocas no tan lejanas en nuestra Europa.

Halévy compone una ópera bella, "bel canto francés", como yo lo llamo. Los momentos orquestales como la obertura o la introducción a los actos segundo y quinto son increíbles. El momento de la Pascua judía o "Pesaj" del segundo acto es de una belleza litúrgica sobrecogedora. El segundo es en general el mejor acto y con la música más bella, debido a cómo expresan sus emociones los tres protagonistas involucrados, además de la famosa aria de Eléazar "Rachel, quand du seigneur".

Günter Kramer crea una puesta en escena que si bien no es lo que uno esperaría en la Alemania del siglo XV resuelve muy bien el espíritu de desigualdad de la obra, dentro de lo sosa que pueda parecer: una rampa separa el mundo oscuro de los judíos y el mundo blanco y luminoso de los cristianos. En el primer acto hay una mampara de cristal que puede representar a la iglesia, en una de sus puertas los cristianos pintan una estrella de David en color amarillo. Los cristianos visten con típicos trajes germanos de color blanco, y los judíos de negro. Las damas de compañía de Eudoxie tienen unas cabelleras rubias peinadas al estilo típico alemán, pero además el vestuario años cuarenta que llevan las acerca a la estética de mujeres nazis como Magda Goebbels o Gertrud Scholtz-Klink.  Brogni viste como el papa. Esa rampa separa dos mundos que se odian, y uno sometiendo al otro. Los judíos viven en la oscuridad de lo siniestro y lo marginal en el lado inferior de la rampa, con un mobiliario pobre, contrastando con la mesa y sillas rococó de los cristianos. Con la condena de Eléazar y su hija se invierten las condiciones: serán ahora los judíos quienes estén arriba, aunque en un blanco nada iluminado, y los cristianos con sus lujosas sillas en el lado negro. Conmovedor el momento en que Eleazar en su famosa aria se descalza y coloca su chaqueta, como un condenado preparándose para su ejecución. Al final, todos los cristianos están en el oscuro lado que antes ocupaban los judíos, y tras la terrible revelación final, Rachel es llevada a su muerte por un grupo de personas con capirote rojo.


Shicoff es el Eléazar de esta época, y ya retirado, está por ver quién es su sucesor. Además al ser judío e hijo de cantor, el estadounidense es capaz de profundizar en el personaje y transmitir no solo su lado renegado y arquetípico sino el espíritu de devoto y atormentado padre. Uno no ve a un cantante, uno ve a un judío real, y en la escena de la pascua uno siente que está en una sinagoga. La bella voz de Shicoff, ya en madurez, es capaz de hacer una interpretación memorable. Sentida y trágica es la que hace de su famosa aria del acto cuarto.

Stoyanova, en plenitud de facultades, es una Rachel de voz maravillosa, agudos bellísimos y un timbre agrdadable, que transmite a una joven frágil pero enamorada y fuerte cuando debe de serlo. Magnífica en su escena "Il va venir" y en el precioso terceto en el que pide a su padre que no mate a Léopold.

A bastante distancia el resto del reparto. Walter Fink cumple como Brogni, con una buena voz y unos graves de bajo profundo. Simina Ivan es una Eudoxie también cumplidora, que sale airosa de su escena del tercer acto. Jianyi Zhang es un Léopold de voz bella, pero es una parte difícil, y el agudo aunque lo logra no es todo lo satisfactorio que debiera. Boaz Daniel está muy bien, con una bella voz de barítono en el rol del repulsivo Ruggiero, el típico antisemita de libro (de hecho ha conseguido caerme peor que Brogni).

La orquesta de la ópera de Viena está espléndida, dirigida por Vjekoslav Sutej. Los coros igualmente están a un gran nivel.

Una bonita experiencia, con una ópera igualmente bonita. Espero volver a verla de nuevo en vídeo o en vivo, creo que la disfrutaría mucho.

Wagner's Ring at Biwako Hall: Is Asia the last hope for wagnerian naturalism?

The global menace of the Covid-19 pandemic has affected also Opera Houses. In these difficult days in which stay at home is the best way to be safe, most of the major theatres have started to offer live streamings of their productions, to make the confinement happier and more bearable. The first one to close was La Scala. Early this month, the Biwako Hall had scheduled in Otsu, Japan, two performances of Götterdämmerung, the last journey of the Ring they have been performing since 2017, one opera per year. The Coronavirus forced to cancel the performances, but the theatre decided to film both performances without audience and to telecast worldwide on live streaming. As a result, the world could finally see one of the last attempts in recent times to set Wagner's Ring in the mythological, fairy-tale eras in which the libretto is originally set.

With all the resources 21st Century stage technology can offer, director Michael Hampe and set designer Henning van Gierke (who worked with Werner Herzog in the legendary Lohengrin in Bayreuth in 1990) have created a traditional, classical staging of The Ring, making sure to be as closest they can to the sets thought by Wagner and to see forests, the depth of the Rhine, and gods, dwarfs and heros. Years ago, Beijing premiered a classic Ring staging which became a hit on Youtube. Now it's the turn of the wagnerian Japan with this Ring. All we can see on the internet is a trailer for Rheingold, in-house excerpts of Siegfried uploaded in the Youtube channel of the tenor Christian Voigt, who sang the title-role, and the two Götterdämmerungs featuring two different casts.

The Beijing Ring had already used LED animations to recreate living landscapes and special effects. This one uses animations which interact with the rest of the set: that's how he could see the bird in Siegfried flying from one tree to another one, or the magic fire behind the Walkyrie rock, Grane running to the pyre, Waltraute riding through the sky. In Götterdämmerung's interludes, beautiful animations are shown: during the Siegfried's Journey through the Rhine there could be seen the valleys and waters being filmed and crossed, a beautiful forest during Act 3 prelude or the most moving, the procession during Siegfried's funeral march, in which Wotan joins in a distance, firstly as a giant shadow and finally as a tiny one as the men has disappeared and he remains the last one seen.

Siegfried features again the forest, green and deep, with a cave, missed in many present-day productions. The best image is the Walkyrie rock in Act 3, where the hero arrives and a mountain landscape is seen behind. In these excerpts seen in the video we can see the tenor Christian Voigt in four important scenes, in which he sings a correct Siegfried (despite the troubled high zone typical of today's heldentenors), and acting well, by developing the character, specially his insecurities before awakening Brünnhilde. Alongside him, we can hear Jun Takahashi as Mime and Ina Yoshikawa as a well sung woodbird.

Götterdämmerung, which can be seen complete, gives us an idea of the concept of this staging. The result is a good level spectacle: the Norns scene has here one of his best recreations ever: with a night sky full of stars and the fire flames surrounding the Valkyrie rock while Erda's daughters sing and spin. It will give way to a radiant day in the next scene. The Gibichung's palace is oddly minimal and too modern straight architecture for being from Early Middle Ages, as well as the costumes which seem to be more atemporal. Could it be a confrontation between Wotan's classic world and the Men's modern one? Act 3 Scene 1 shows the Rhine in a corner and the forest on the other one.

Wagner was really ahead his time by creating librettos which announced cinematographic writing, which such difficult indications to recreate even in 2020. When Brünnhilde lights the pyre, Grane, as mentioned, joins and runs towards it. The fire reaches the stage and we can see how the palace is falling, recreated by animation. However, the columns' set rise (a real fail) to show the Rhine with its maidens, which after drowning Hagen play triumphant with the ring while  the Walhalla is burning and falling. At the end, the depth of the Rhine is shown with the gold shining again within it, while the waving blue, pristine waters surrounds it and flow all over the stage.

Ryusuke Numajiri conducts the Kyoto Symphony Orchestra with good results, a performance between decent and rutinary. He seems to be inspired during the interludes, specially Siegfried's  arrival to Brünnhilde's rock or his Journey to the Rhine, or the Funeral March. The orchestra is really good, despite the brass section failing during the prologue. The Chorus ensemble was formed by the Biwako Hall Choir and the New National Theatre Chorus (the Tokyo Opera). Both ensembles have a formidable male section who were inspired, specially during the March 8, with a breathtaking pronunciation "Hagen, was tust  du?" during Siegfried's death.

Two different casts have sung each day. It's admirable to see that many opera singers in Japan are able to sing and perform Wagner with a minimum of level, maybe a result of the enthusiasm for German classical music in the country.

On March 7, the veteran tenor Christian Franz sang Siegfried. The voice is past its prime but he knows how to portrait the character and some middle register can sound still heroical. Stephanie Müther (Sieglinde in the next 2020 Ring in Bayreuth) was a Brünnhilde with a big voice and personality, but still to develop. Despite some plain high notes, her perfomance improves and at the third act she commands the Inmolation scene. Hidekazu Tsumaya's Hagen is nicely sung despite his voice is light for the villain. Mutsumi Taniguchi was a Waltraute with good intentions, decent singing but a bit fragile at the end. Shigeo Ishino and Fumiko Ando were respectively well sung Gunther and Gutrune. Fumihiko Shimura was a good Alberich. Norns had too much vibrato, and the Rhinemadens were okay.

On March  8, Erin Caves was a younger, fresher-voiced Siegfried, but his vocal sound was similar to Franz's. Kaori Ikeda has ups and downs in her devoted Brünnhilde: low and middle register are nice, seductive mezzo-like sound which reach their best moment in the Inmolation, but the high one sounds sometimes strident. She has a big voice, though. Kenji Saiki has a big voice for Hagen, but sometimes a bit gutural. However, he had a great performance in Act 2. Ikuko Nakajima was the biggest surprise of the cast with her powerful, amazing singing in her rendition of Waltraute. Her contralto-like voice was firm, well projected, and she acted very well her role. Mari Moriya was a magnificent Gutrune, with a dramatic soprano voice, even rivalizing un beauty with Brünnhilde in Act 3. Daisuke Oyama and Tomohiro Takada as Alberich and Gunther respectively were good in their roles. The Norns of this day were better and the Rhinemadens too.

At the end, the artists gave their final bows in absolute silence, since no audience was there, giving it a touch of surrealism. We must be thankful to the Biwako Hall and the artists for offering us these performances and discover a new classical Wagner staging, which are rare in our days. Japan and China have created their own alternatives, regaining the mythical stuff of the Nibelung world, using technology for magic. That could be a reminder to opera houses, an invitation not to disdain completely this way of represent The Ring, but to preserve as an alternative living together with the most astonishing modern stagings, since those Germanic epics are part of our literary and dramatic culture.

Here you can see the performance of Götterdämmerung from March 7, and here the performance of March 8. Here is the Siegfried performance excerpts and a trailer for Rheingold.

El Anillo del Nibelungo del Biwako Hall: ¿es Asia la esperanza del naturalismo wagneriano?

En estas semanas, la pandemia global del Covid-19, más conocida como Coronavirus, ha situado al mundo en un estado de alerta tal que ha llegado al necesario confinamiento de la gente en sus casas para frenar esta amenaza de manera segura. Esto ha supuesto, entre otras cosas, la clausura de las actividades menos indispensables, entre las que sin lugar a dudas está incluido el cierre de los teatros de ópera. Cada gran teatro lírico ha ido cerrando poco a poco su actividad, empezando por La Scala. Antes del cierre definitivo, algunos teatros que seguían en activo a principios de este mes; y ante la alarma cada vez más creciente en forma de cierre, decidieron ofrecer unas últimas funciones sin público en streaming en vivo para todo el mundo por internet.

Entre ellos se encontraba el Biwako Hall en la ciudad de Otsu, Japón, en el cual tras cancelar sus funciones previstas de El Ocaso de los Dioses, decidieron representar a puerta cerrada dos funciones que se transmitieron en directo por Youtube, cada una con un reparto diferente. De esta manera, el mundo ha podido asistir a la última entrega del espectacular montaje de El Anillo del Nibelungo que se venía ofreciendo en esta ciudad desde 2017. 

Sigfrido, tercer acto.

Con un despliegue espectacular de medios y efectos especiales teatrales, el director de escena Michael Hampe y el escenógrafo y responsable de vestuario Henning von Gierke han creado una nueva producción tradicional y naturalista; inspirada en montajes clásicos como el de Otto Schenk para el Met, poniendo la tecnología del siglo XXI al servicio de la obra. Asia se perfila así como la última esperanza blanca de la ortodoxia wagneriana con producciones de gran impacto visual que recrean el mágico mundo de bosques mitológicos, cuevas, ríos, donde los dioses, ninfas, gigantes, enanos y héroes se mueven tal y como lo hacían en las Eddas y en el libreto de Wagner. Hace unos años, China hizo lo mismo con un Anillo en Pekín que causó sensación en Youtube. Ahora es el wagnerianísimo Japón el que toma el relevo con este Anillo en una ciudad pequeña, un reto titánico que es para quitarse el sombrero. De esta producción deslumbrante solo tenemos en vídeo un trailer de El Oro del Rin, unos fragmentos de Sigfrido subidos a Youtube por cortesía del tenor Christian Voigt quien encarnó al protagonista y ahora estos dos Ocasos.

De Sigfrido podemos apreciar realmente poco, pero podemos ver el vestuario tradicional y la aparición del bosque, un elemento añorado en las producciones europeas. En el segundo acto se ve un árbol frondoso y de fondo la cueva de Fafner. En este Anillo se unen mucho los elementos del decorado con los decorados LED y proyecciones de animación, como en esta obra por ejemplo es el pájaro del bosque al que se ve volar de un árbol a otro, lo que en vivo debe de ser un resultado imponente. En el tercer acto se ve el momento más bello de los que se conservan en vídeo: Sigfrido apareciendo en lo alto la roca de las valquirias, tras cruzar el fuego mágico, con un idílico paisaje montañoso de fondo y un bello cielo azul. En los fragmentos subidos, se ve al tenor Christian Voigt realizando una correcta interpretación del personaje (aunque el agudo no es siempre agradable como en la mayoría de los heldentenores de hoy), y con una actuación creíble fruto de sus tablas y de la dramaturgia (esta vez interesante) de Hampe. Le acompañan Jun Takahashi como Mime e Ina Yoshikawa como el Pajarillo, esta última con una estupenda voz.

El Ocaso de los Dioses nos da una idea del espectacular concepto. Posiblemente la mayoría del público europeo acostumbrado al regietheater lo encuentre, condescendientemente, en la línea de El Señor de los Anillos o Juego de Tronos, pero pese a algunas irregularidades (que como detallaremos ahora, pueden dar juego a una interesante interpretación) el resultado puede calificarse como un espectáculo de nivel. Y el comienzo es desde luego brillante: el prólogo es posiblemente el mayor éxito del montaje junto al final y la escena de las Nornas tiene aquí una de las más hermosas escenificaciones que jamás se hayan hecho nunca, con la roca de las valquirias y un cielo nocturno en el que se ve todo el firmamente mientras del suelo emergen las llamas del fuego mágico. Este cielo nocturno da paso al día resplandeciente de Sigfrido y Brunilda. Los interludios cuentan aquí con estupendas animaciones, como en el viaje de Sigfrido por el Rin se ven imágenes de las aguas y de la barca que va abriendose paso, así como de los valles germanos. El contraste se da con la sala de los Gibich, con una estética bastante moderna para un ojo tradicional (rancio), con un palacio de líneas arquitectónicas demasiado rectas para la época, muebles de diseño sencillo y vestuario clásico pero más bien atemporal: véase la chaqueta de Hagen y las botas de los hombres. Y es aquí, en este posible patinazo de von Gierke que uno se pregunta ¿será una intención de contrastar o confrontar la estética clásica  del mundo de los dioses y su descendencia con la estética atemporalmente moderna de los hombres?

                                 

Aquí también la animación es usada para dar efectos escénicos: por ejemplo en la llegada de Waltraute surcando el cielo o las hijas del Rin nadando en medio del río, mientras se alejan temporalmente de Sigfrido. La marcha fúnebre es un momento emotivo, porque la animación muestra a los hombres, en medio de la noche, llevar a Sigfrido a lomos mientras que sorpresivamente, al fondo se ve cómo se une a lo lejos la gigantesca e imponente sombra de Wotan, cuyo tamaño va aminorando y que una vez que se aleja el cortejo fúnebre se queda solo como una sombra minúscula.

Cuando Brunilda enciende la pira, aparece Grane en forma de animación, quien corre hacia el fuego. También es recreada parcialmente la destrucción del palacio, resuelta de forma poco efectiva, ya que las columnas se levantan mientras caen los otros escombros virtuales. Al final, las hijas del Rin hunden a Hagen en el agua (que inunda el escenario, y para ello está la iluminación 3D), y con el anillo recuperado, el fondo del Rin vuelve a brillar. La recreación virtual nos acerca un primer plano del Walhalla ardiendo y destruyéndose, para luego mostrar la bellísima imagen final del fondo del Rin con el oro brillando de nuevo mientras ondulan sus aguas y cae el telón.

Este ciclo ha sido dirigido en lo orquestal por Ryusuke Numajiri, al frente de la Orquesta Sinfónica de Kioto. Numajiri realiza una dirección a caballo entre lo digna y rutinaria, pese a que la orquesta nipona es bastante buena. En la función del día 7 se ve al viento metal algo desafinado al principio. Aun así, se hace disfrutable en momentos como el Viaje de Sigfrido por el Rin o la marcha funebre. 

El coro ha estado formado por dos agrupaciones: el coro del Biwako Hall y el Coro del Nuevo Teatro Nacional de Tokio, quienes lograron una prestación estupenda que mejoró en el tercer acto. Destacable el coro masculino quien el 8 de marzo logró una actuación magníficamente actuada y cantada.

Cada día cantó, como ya se dijo antes, un reparto completamente distinto y ningún cantante ha repetido. En el primero la pareja protagonista era internacional mientras que en el segundo, solo el Sigfrido. El resto de cantantes era totalmente nipón. Es envidiable que, con diferencia de cuál sea luego el nivel, en Japón existan muchos cantantes dispuestos a cantar Wagner, lo que indica una intención y familiaridad encomiable por parte de sus teatros.

El día 7 el veterano Christian Franz interpretó a Sigfrido: aún quedan trazos de la voz que un día fue pero ya muy tendentes a vociferar e incluso declamar. Al menos sabe crear el pathos del personaje, dadas sus tablas. Stephanie Müther (que ha cantado recientemente esta ópera en España y cantará Siglinda en Bayreuth) es una Brunilda que si bien tiene material, voz y presencia, aún le queda por pulir, y aqueja un vibrato que a veces dura un poco más de la cuenta, aunque a medida que avanzaba la función mejoraba y e incluso salvó los muebles en la inmolación pese a algún agudo un poco abierto en el prólogo. Hidekazu Tsumaya es un Hagen con la voz un tanto ligera, pero bella, e intenta hacer un Hagen creíble con lo que le dejan sus medios vocales. Mutsumi Taniguchi hizo una Waltraute con más intenciones que medios: voz bonita pero insuficiente, en cuyo agudo final se quiebra, aunque es una buena actriz. Shigeo Ishino y Fumiko Ando fueron unos notables Gunther y Gutrune respectivamente. Las nornas aquejaban un vibrato molesto, aunque la tercera cantada por Eri Takahashi tuvo un buen agudo. Las hijas del Rin estuvieron bien. Fumihiko Shimura fue un Alberich decente.

El día 8, Erin Caves cantó un Sigfrido más juvenil pero en la misma línea que Franz: a veces gritado. Kaori Ikeda es una Brunilda con una de cal y una de arena: de base, no tiene la voz para el rol pero sí le pone empeño. El centro es bastante atractivo, de sonido casi de mezzo de bello timbre dramático, y el grave es igualmente excelente, aunque al principio aquejaba exceso de vibrato. El problema es que el agudo es estridente y revela que la tesitura de Ikeda es demasiado ligera para Brunilda. Kenji Saiki tiene una voz más potente que Tsumaya para Hagen, pero un tanto vociferante, pero para el Hoiho en el segundo acto se recupera. Impresionante la Waltraute de Ikuko Nakajima, con una potente voz y sonido contraltado. Mari Moriya fue una excelente Gutrune, con voz de soprano dramática, con un timbre más bello que el de la propia Brunilda. Daisuke Oyama como Alberich y Tomohiro Takada como Gunther cumplieron con sus roles. En este día, las Nornas tenían mejor nivel que las del día anterior y las hijas del Rin estuvieron bien.

Al final de las funciones, los artistas salieron a saludar a escena en completo silencio, imaginamos que dejando esa tarea para el espectador que lo ha visto en vivo. Sin embargo, era evidente la ausencia de público. Asia lo vuelve a hacer: vuelve a despertar el interés del wagnerismo internacional en un raro y bello montaje tradicional. Esto puede ser una señal: que dado a que el mito en el que se basa esta obra forma parte de nuestra cultura, las lecturas tradicionales wagnerianas quizá deberían seguir siendo una realidad más que un lejano recuerdo. 

Aquí pueden ver la función del día 7 y aquí la del día 8 de marzo. Y aquí los fragmentos del Sigfrido, así como el trailer del Oro.

Agua, Azucarillos y Aguardiente por el Proyecto Zarza: vuelve la juventud a la Zarzuela.

 Función abierta al público, 6 de marzo de 2020.

Un año más, vuelve el exitoso Proyecto Zarza al Teatro de la Zarzuela, con el propósito de acercar el género a los jóvenes y a los más pequeños: funciones con un lleno total a las que han asistido miles de niños de varios colegios. De esas funciones, solo dos han sido abiertas al público. Este año, el título elegido ha sido Agua, Azucarillos y Aguardiente, el gran clásico del género chico, de Federico Chueca. 

En esta ocasión, se ha confiado en el escritor Nando López y la directora de escena Amelia Ochandiano, para la adaptación moderna de la obra. Tras una versión High-School radical, desconstruida de la Verbena de la Paloma a cargo de Pablo Messiez el año pasado, esta llamada libre versión se acerca en muchos aspectos a la obra original más que su antecesora. López y Ochandiano han creado una adaptación que aun conectando con una audiencia moderna, conserva el casticismo, la chulería madrileña y hasta un vestuario inspirado en las versiones tradicionales, y hasta la aparición de barquilleras. Incluso se recuperan fragmentos y expresiones de los diálogos originales y el usted vuelve a escucharse en escena.

                                          

La obra empieza con el escenario totalmente vacío. Asia, bisnieta de la Atanasia del original de Chueca y Carrión, cuenta al público que no le gusta su nombre, y que lo heredó de su madre y abuela. Su abuela, la original aspirante a poeta, escribió una obra llamada Pasillo Veraniego, más conocida como Agua, Azucarillos y Aguardiente. Mientras suena la obertura el escenario se transforma en un colorido y ensoñador lugar con aires de circo y de relax, de evocador color azul marino decorado con imágenes de árboles, y de su puerta de estilo arabesco salen el puesto de Pepa, un árbol con pajarillos y al final un oso. Al acabar la obertura el elenco saluda al público coreando el nombre de la obra. Aquí Simona no es la madre sino la hermana de Asia, y el casero no aparece, pero la esencia de la obra es la suficiente como para que se entienda bien el sentido original. Los personajes en los coros van en patines en varias ocasiones. Los chicos empujan a las chicas en sus columpios de tal forma que se elevan sobre la orquesta mientras cantan el coro de niñeras, dando un efecto llamativo en lo visual y con un toque de romanticismo. Federico Chueca se convierte en un personaje más, quien interactúa con el maestro, toma fotografías (que interrumpen la acción), se sienta en una mesa aparte a componer y dirige un añadido como es la Gavota de El Bateo, mientras los personajes bailan enamorados, con unas camisetas que llevan un estampado de un corazón. E incluso cuando Asia se da cuenta de que su amor con Serafín es un fracaso y está a punto de dejarlo todo, Chueca se reúne con ella y la convence de seguir sus sueños. Entonces la Asia moderna, inspirada por esta conversación del músico con su antepasada decide seguir su ejemplo y no rendirse. La escena final es bastante fiel al libreto, aunque el Gacho sea interpretado por una mujer. Los realizadores ya advirtieron que recuperarían la intención original de Chueca de representar esta obra como el triunfo final de la amistad, alejado de la interpretación tradicional de una pelea de gatas entre dos aguadoras que todos conocemos, y aquí se ve la ternura de la reconcilación de las protagonistas. Al final vemos incluso los mantones de Manila que los novios recuperan para sus chicas antes de ir todos a celebrar la verbena. El vestuario de Gabriela Salaverri pretende ser moderno, pero recupera el elemento chulapo en los hombres y le da un toque años 60 a las mujeres, aunque Simona parece más bien sacada de los años treinta. 

Al acabar la función hubo un coloquio en el que los espectadores hicieron preguntas a los artistas, entre las que destacaron las de un espectador que pidió a los artistas que definieran sus personajes con una sola palabra y la de un niño que preguntó cómo siendo tan jóvenes podían hacerlo tan bien, llevándose un sonoro aplauso.

                                        

Como siempre en Zarza, el acompañamiento musical lo forma una orquesta reducida de ocho músicos, dirigida por el maestro Oliver Díaz, comprometido con este proyecto. En esta ocasión la orquesta estaba inspirada, incluso más que el año pasado. La orquesta interactúa con los actores, inolvidable el divertido pique entre el percusionista y una de las mujeres del coro de niñeras. 

El reparto lo formaban cantantes-actores jóvenes, quienes en conjunto y fruto de su entusiasmo, divirtieron al público con sus interpretaciones; logrando un buen resultado coral aunque sus voces son más bien de musical que líricas. De ellos, podemos destacar a Sylvia Parejo como una divertida Asia, llena de inquitudes, quien realmente lideró el reparto junto a la potente Pepa de Cielo Ferrández. Joselu López transmitió muy bien la chulería castiza de Pepe. Lara Chaves fue una estupenda Manuela. David Pérez interpretó al compositor Chueca convirtiéndolo en un simpático y atractivo joven músico. Nuria Pérez convenció como una protectora y sensata Simona, aunque sea hermana de Asia.

Las dos funciones abiertas al público general tienen colgado el cartel de "no hay billetes", y como siempre, había un ambiente familiar que no se ve en el resto de la temporada. Esta vez Zarza se ha anotado un tanto para sí misma: equilibrando una necesaria modernidad con una tradición que hace comprender a los más jovenes la esencia castiza del género chico y la zarzuela que han conocido de sus abuelos, disfrutándola en lugar de rechazándola. Buen trabajo.


Las fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente.

Steve Reich's Three Tales in Madrid: Is Technology emulating God's power?

Steve Reich has been reaching and conquering Madrid in this season: on past September, the Neopercusión ensemble premiered Music for 18 Musicians. And now, the Teatro Real is performing his masterpiece Three Tales, which is the Spanish premiere of this work.

The venue chose is the Matadero de Madrid, a former slaughterhouse turned into a big cultural center with performing halls, cinema and expositions. A true icon for avant-garde Madrid. There couldn't be a better place for such a contemporary masterpiece.

I was about to miss this work but at the end I decided to go and I don't regret it: I didn't remember the last time I was moved with a work being new  to me. The first time I listened a music by Reich was during a performance of the Nederlands Dans Theater, using the amazing Section IV from his Four Sections for orchestra.   

Three Tales is an opera in three parts narrating three special events in recent history, in which Reich and his wife, the video-artist Beryl Korot reflect on the impact of the use of technology by the man. Man was created after God's image, but finally is emulating his maker by using those technologies for create and destroy. Created by the fusion of historical images and video-art, it is divided in three parts:

Hindenburg, in which it narrates the fatal 1937 disaster in which it was destroyed, devoured by the fire. In this part, Reich uses the leitmotiv of the Nibelung's anvils from Richard Wagner's Das Rheingold while workers were show, at the end behind the Nazi Germany flag.

Bikini, is the most powerful and moving part of the piece. Here is told the story of  the atomic program on the Bikini Atoll by the U.S. Government, which forced the natives to leave. This part shows the contrast between the intimist music of the natives, his costumes and exile portrayed by the strings, and the powerful, overwhelming music by the full orchestra portraying the American Army and its power. At the end, the island burning and a picture telling how inhabitable is still Bikini today, with the irony of the Genesis verses from the Bible closes a second part who really left the audience touched.

Dolly is the last part and maybe the best known, in which it focuses on clonation, and Dolly the sheep being the first living creature, "created" by the man by cloning. It mixes the opinions of scientific and other personalities on cloning as an aethical and as an progress for the humanity, with the music. Are we playing to be God?

Beside the images, an musical ensemble and a chorus make the music to take form. The Teatro Real Orchestra conducted by Nacho de Paz was comissioned the musical task, sounded minimalistic, like an American ensemble. The prestigious choir Sinergy Vocals, accomplished in performing Reich's works, gave a great performance, displaying their experience in this work, reaching a powerful, moving moment in Bikini.

Such an historical event had, fortunately, all it requires to shine: a modern, avant-garde venue and an enthusiastic, mostly young audience. Madrid has embraced and celebrated Reich's masterpiece.

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