Plácido Domingo returns home: moving comeback to the Teatro Real with Sonya Yoncheva.

Madrid, July 17, 2022.

In June 2019, Plácido Domingo gave a concert at the Catedral de la Almudena in Madrid, and after the end of the recital, a walkabout waited for him, the most beloved opera singer worldwide, an opera star who was let to do whatever he wanted: to continue his career singing baritone roles, to much acclaim, or even conducting at Bayreuth Festival. A true living legend. However, something happened in August 2019: a group of women in the United States (where he established his worldwide legend status) accused him of sexual harassment and abuse of power. Inmediately, not only the scandal began but also the MeToo movement (which  took to the court with solid proofs, and deservedly, to several show business moguls accused of atrocious sexual charges) fell upon him with all its fury, as well as the cancellation culture. At the beginning, Domingo apologised for any disturbance, stating that the parameters in which we today analyse relationships weren't the same than in the past, and later he denied firmly any accusation.

Even when American opera houses ran investigations, Domingo wasn't charged and there were neither formal accusations nor a trial. But his U.S. career met with an abrupt end, as every American theatre canceled their collaborations and scheduled performances with him. However, not everyone neglected him: his opera colleagues defended him publicily, among them several female singers, as well as his legions of fans worldwide, the "dominguistas".

His 50-year Met career ended shortly before the premiere of a new Macbeth production. In his native Spain, the Ministry of Culture cancelled a performance at the Teatro de la Zarzuela, and Domingo himself retired from the Traviata production set for May/July 2020 at the Teatro Real. Meanwhile, the Covid-19 pandemic spread all over the world, and Domingo himself got the virus. 

After the big lockdown, he resumed his career at the Bolshoi Theatre in Moscow, and then came Vienna, Verona, Paris (not the ONP, though, but the Salle Gaveau), Munich, and future New stages to come like Paraguay and Bolivia. In June 2021, he returned to Spain, but at the Auditorio Nacional in Madrid, where he was received with a long and loud ovation. Such success raised outrage in the Spanish Ministry of Equality, whose minister protested about it in Twitter, as well as other female political figures, the same ones who lobbied to cancel the accompaigning orchestra in Mérida, Extremadura.

But he, and we his fandom, lacked the Teatro Real, the opera house in his birthplace Madrid, where he reigned until 2019, being its leading star for 22 years, since its re-opening in 1997. Today, he has returned. Nevertheless, he hasn't done in the official schedule, but in the Universal Music Festival, held by the Teatro Real every summer,  for pop stars such as Elton John, Joan Baez, or the pianist James Rhodes. Indeed, Anna Netrebko's next recital on July 25 will be featured in this festival, after being postponed last September.

He returns alongside the famous soprano Sonya Yoncheva, and the Teatro Real Orchestra, conducted by Jordi Bernàcer.

Part One

Sinfonía - La forza del destino, Giuseppe Verdi - Orquesta Titular del Teatro Real

Nemico della patria - Andrea Chénier, Umberto Giordano - Plácido Domingo

Pace! Pace, mio Dio! - La forza del destino, Giuseppe Verdi - Sonya Yoncheva

Perfidi… Pietà, rispetto, amore…Macbeth, Giuseppe Verdi - Plácido Domingo

Sinfonía - Luisa Miller, Giuseppe Verdi - Orquesta Titular del Teatro Real

Madamigella Valery? - La traviata, Giuseppe Verdi - Plácido Domingo and Sonya Yoncheva

Part Two

Pleurez pleurez, mes yeux - Le Cid, Jules Massenet - Sonya Yoncheva

O vin, dissipe la tristesse - Hamlet, Ambroise Thomas - Plácido Domingo 

Méditation - Thaïs, Jules Massenet - Orquesta Titular del Teatro Real

Ciel! Mio padre! - Aida, Giuseppe Verdi - Plácido Domingo and Sonya Yoncheva

Encores:

Petenera, from "La Marchenera", Federico Moreno Torroba - Sonya Yoncheva

Amor, vida de mi vida, from "Maravilla", Federico Moreno Torroba - Plácido Domingo

Torero quiero ser from "El Gato Montés", Manuel Penella - Plácido Domingo and Sonya Yoncheva

Aged 81, Plácido Domingo is still very active on stage.  However, the voice is not the same, because of age, the Covid and for sure the scandal. One of the keys of keeping himself for a long time and to a great success, has been the fact that Domingo has kept, administrated his voice with much intelligence, adequating it to what he could sing at every moment. That is why he could have preserved such beautiful, powerful and vigorous voice. In addition, his undeniable charisma and amazing presence on stage, his sense of drama, have always helped in this success. When appearing on stage, he was received with a 2-minute ovation, which could have lasted longer if he hadn't made a gesture to begin the concert.

Now with an unstable legato, Domingo uses his still remaining beautiful notes and tone to ensure his usual level. For example, in the amazing first line, "Nemico della patria" he still sounds as the old Domingo, the tenor who has delighted us for decades, but in other cases volume is not enough. I was surprised that the "Pietà, rispetto" has been transposed to adequate into his current vocal state, but he could still show some power in the final line "la nenia tua sarà". In the Aida duet he wasn't as enough as Yoncheva, despite an amazing singing in "dei faraoni tu sei la schiava". In the encores, which were zarzuela and Spanish opera, he won over the audience with a devotion, a command of the style which helped any vocal limitation. When singing, Amor, vida de mi vida, the audience was enraptured, as well as amused, delighted in the duet from El Gato Montés. 

Yoncheva had a personal success too. Her beautifully dark-toned voice, high notes and pianissimos, as well as her big volume, dazzled the audience too, despite some nasal vibrato in the Pace, Pace mio dio. In the Aida and Traviata duets, she did shine with her singing, specially the pianisssimo in "Dite alla giovine". In the aria from Le Cid, she gave a remarkable performance. The first encore, was the romanza "Petenera" from Maravilla, a zarzuela by Moreno Torroba, which she already sang marvellously last year at the Teatro de la Zarzuela, showing how she commands this genre.

The Teatro Real Orchestra conducted by Jordi Bernàcer fulfilled its commitment to accompaign the singers, but it was noticeable that the maestro Bernacer chose slow tempi, which favorised the violin in the Thais Meditation and the Overture from La Forza.

At the end, the audience gave a strong ovation to Domingo, despite the tickets weren't sold out, maybe because of the prices and the absence of cultural authorities. Domingo was moved and the applause was long. He has returned after three years which must have seemed him like eternities, because of Covid and the scandal. Two things are clear: Domingo needs the stage to live. The other one is that his name is part of the operatic history in the second half of 20th Century, and the operatic mainstream cannot be understood without his presence, despite some important venues efforts to forget it.  Whatever the difficulties he could confront, whatever hus conduct or misconduct could be, whenever we listen to a modern, digital Don José, Otello, Radamès or zarzuela, Domingo is always there, and will always be, that is the legacy of an artist.  

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Any reproduction of my text requires my permission.

El regreso de Plácido Domingo a su teatro: entrañable concierto en el Teatro Real con Sonya Yoncheva.

Madrid, 17 de julio de 2022.

En junio de 2019, Plácido Domingo se daba un baño de multitudes en la Catedral de la Almudena. El cantante de ópera más famoso y posiblemente el más admirado del planeta. Un artista que despertaba en España una admiración y respeto casi unánime entre muchos españoles, cosa rara en un país dado a politizar a sus celebridades. Un artista que en un escenario pudiera hacer cuanto quisiera, que contaba con no pocos aplausos: desde interpretar roles de barítono, con la misma pasión de siempre, hasta dirigir la orquesta del Festival de Bayreuth, reservada para los grandes de la dirección de orquesta. De repente, unos meses más tarde, en agosto de ese mismo año, un grupo de mujeres en Estados Unidos acusó a Domingo de acoso sexual y abuso de poder. No fue acusado formalmente ante un tribunal, no hubo juicio, pero sobre el tenor español cayó no solo la furia del movimiento Me Too (que en Estados Unidos había hecho caer a peces gordos del mundo del espectáculo, esta vez sí con pruebas y juicios) sino también la de la cancelación, sin considerar la presunción de inocencia. Domingo en un principio se disculpó por el daño posiblemente hecho, aunque aseguró no haber acosado a nadie. Luego, negó toda acusación. No obstante, también tuvo muchos apoyos, no solo de su legión de admiradores, los llamados dominguistas, sino también de sus colegas de profesión, con muchas mujeres entre ellos. 

Sin embargo, las puertas se cerraron no solo en Estados Unidos, el país que le convirtió en un dios de la lírica, sino también en España, ya que el Ministerio de Cultura le canceló una función en el Teatro de la Zarzuela, y él mismo se retiró de sus funciones previstas en La Traviata para el año 2020. Entre tanto, la pandemia del Covid-19 llegó y cerró los teatros y toda la vida social. Domingo, para colmo de males, enfermó de Coronavirus. Tras el parón pandémico, Domingo retomó su carrera. Primero en en el Bolshoi de Moscú, luego en Viena, y después vinieron Verona, Múnich, París, Buenos Aires, además de nuevos escenarios en Europa del Este, y finalmente, en junio de 2021 volvió a su Madrid natal. Una ovación de ocho minutos le recibió en el Auditorio Nacional, en una gala benéfica. Un éxito que disgustó a la ministra de Igualdad, y a otras damas de la izquierda política española. Sus admiradores, que aún se cuentan por cientos de miles, millones, en el mundo, nunca le dieron la espalda. Sin embargo, faltaba volver al escenario donde era el rey absoluto hasta 2019: el Teatro Real de Madrid. Este regreso se ha dado, pero no en la programación de abono, sino en el marco del Universal Music Festival, organizado por el Real para estrellas del pop. 

Junto a él, la Orquesta Sinfónica del Teatro Real dirigida por Jordi Bernàcer, y la famosa soprano Sonya Yoncheva.  

El programa, fue el siguiente:

Primera parte

Sinfonía - La forza del destino, Giuseppe Verdi - Orquesta Titular del Teatro Real

Nemico della patria - Andrea Chénier, Umberto Giordano - Plácido Domingo

Pace! Pace, mio Dio! - La forza del destino, Giuseppe Verdi - Sonya Yoncheva

Perfidi… Pietà, rispetto, amore…Macbeth, Giuseppe Verdi - Plácido Domingo

Sinfonía - Luisa Miller, Giuseppe Verdi - Orquesta Titular del Teatro Real

Madamigella Valery? - La traviata, Giuseppe Verdi - Plácido Domingo y Sonya Yoncheva

Segunda parte

Pleurez pleurez, mes yeux - Le Cid, Jules Massenet - Sonya Yoncheva

O vin, dissipe la tristesse - Hamlet, Ambroise Thomas - Plácido Domingo 

Méditation - Thaïs, Jules Massenet - Orquesta Titular del Teatro Real

Ciel! Mio padre! - Aida, Giuseppe Verdi - Plácido Domingo y Sonya Yoncheva

Propinas:

Petenera - La Marchenera, Federico Moreno Torroba - Sonya Yoncheva

Amor, vida de mi vida - Maravilla, Federico Moreno Torroba - Plácido Domingo

Torero quiero ser - El gato montés, Manuel Penella - Plácido Domingo y Sonya Yoncheva

A sus 81 años, Plácido Domingo sigue estando en activo en los escenarios. Ello no quiere decir que la voz no haya acusado cada vez más desgaste en los últimos tiempos, tanto por la edad, el Covid, y el escándalo. A lo largo de su gloriosa carrera, Domingo ha sabido administrar su bella, vigorosa, potente voz de forma inteligente y adecuarla a lo que los medios le permitían con el transcurso del tiempo, lo que ha hecho que la magia de verle, oírle, haya durado tanto tiempo. Además, tiene el innegable carisma y entrega propios de un animal escénico. A su entrada, el público se puso en pie y aplaudió. Esta ovación habría durado más si no hubiera sido porque el propio Domingo hizo un gesto para empezar. 

Ya sin un legato estable, Domingo aprovecha las notas, los agudos y el timbre que le quedan para recordarnos la gloria con la que hemos crecido.  Hay momentos en los que parece que todo sigue tan bien como siempre, esa forma de abordar la tremenda frase "Nemico della patria", pero en otros, el volumen a veces no le acompaña. Me llama la atención que hayan bajado el tono en "Pietà, rispetto", del Macbeth que ha cantado en los últimos años en todo el mundo, incluido en Madrid, hace cinco años, pero aún  queda pasión, garra escénica en frases como "La nenia tua sarà". En el dúo de Traviata y en el de Aida, aun dándolo todo, a veces me parecía que recurría  al parlato, aunque luego remontaba con frases como "dei faraoni tu sei la schiava". Las propinas fueron otro cantar. Domingo ha sido uno de los embajadores de la zarzuela, cantándola en todas partes. Y fue aquí donde conquistó a su público. Primero con Amor, vida de mi vida, donde cantó con su habitual fuerza y gallardía, y luego en el dúo final "Torero quiero ser", a dúo con Yoncheva, donde conquistó con su gracejo y sus movimientos en escena, además de con un canto entregadísimo. 

Yoncheva se apuntó un éxito personal. La diva búlgara deleitó una vez más al Real con su potente voz, su tono oscuro y su gusto para el canto, además de unos bellos pianissimi. Desde el dúo de Traviata, donde conmovió al público en el Dite alla giovine, pasando por una verdaderamente gloriosa segunda parte para ella, empezando con una bellísima interpretación del aria Pleurez mes yeux, y luego en el dúo Ciel, mio padre, donde deslumbró con su dramatismo y su agudo deslumbrante.  En las propinas, empezó con una interpretación de "Petenera" de la Marchenera, con la que ya conquistó al público del Teatro de la Zarzuela el año pasado, pero aún mejor estuvo en el dúo final con Domingo.

La Orquesta del Teatro Real dirigida por Bernàcer, cumplió con su cometido de acompañar a los solistas, si bien el director de orquesta optó por unos tempi lentos en los momentos orquestales. En la obertura de la Forza del Destino el viento estuvo a su buen nivel habitual, aunque no tanto los metales. El mejor momento orquestal sin duda fue la Meditación de Thais de Massenet, donde como era de esperarse, el primer violín se llevó una sonora ovación.

Al final, el público obsequió con una gran ovación a Domingo, quien debería de haber vuelto en la programación oficial y no fuera de la misma. Un público que no ha dado la espalda al tenor, pese a que no llenaba la sala, quizá por los altos precios de las localidades. Plácido Domingo vuelve a su teatro, a su público, tras unos tres años que le deben de haber parecido tres eternidades, por todo lo que ha tenido que enfrentar, y también por cómo ha cambiado la vida lírica y la vida de todos tras esta pandemia. Nadie sabe si la carrera de Domingo vuelva a ser la que era antes de lo sucedido, aunque también el estado vocal es importante a la hora de decidir ese futuro. Pero sí hay una cosa fuera de toda duda. Bueno, dos. La primera, que necesita a la escena y a su público como el aire. Y que una vez que se haya retirado, cualesquiera que sean las adversidades que le pudieran haber sobrevenido, y cualquier conducta que pudiera haber tenido en su vida, el nombre de Plácido Domingo está escrito con letras de oro en la historia de la lírica de la segunda mitad del siglo XX. Y esta, por mucho que ahora algunos teatros importantes quieran olvidarlo, no se entiende sin su presencia. Ni tampoco buena parte del mundo lírico de hoy. Su arte le sobrevivirá, y cada vez que oigamos un Radamés, un Otello, un Don José, un Cavaradossi, o grabaciones de zarzuela, él y su poderosa voz siempre estarán presentes. Ese es el legado de los grandes artistas.

Algunas fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

One people freed, a torn family: Nabucco at the Teatro Real, Madrid.

Madrid, July 9, 2022.

Nabucco is part of the classic repertoire mostly because of its well-known chorus "Va, Pensiero", sung by the Hebrew slaves who are captive in Babylon. In its 1842 premiere, this chorus became a nationalist symbol for those Italians who were under the Austrian Empire dominion. However, it has been absent from the Teatro Real repertoire for 151 years. The reason? Maybe the changing tastes of the audience soon to discover Wagner, or the Verismo. Or maybe the extreme difficulty for singing such a terrible score, specially for the soprano. Maria Callas herself sang it only in few occasions, being the best Abigaille ever recorded. Fortunately for the Madrid audience, it has been seen outside the Teatro Real stage: in 2003 a private company set it on a stadium, in 2017 another private company set it in a theatre of the centre of the city, or some touring Eastern European companies have performed it in small theatres the outskirts, in cities like Alcobendas, Pozuelo or Boadilla del Monte. However, the last important production took place in the Teatro de la Zarzuela in 1971, with Cornell MacNeil and Elena Suliotis.  So, we can only celebrate the return of such a classic in the most appropriate venue for it.

It does in a production by Andreas Homoki, coming from the Zurich Opera. Homoki sets this opera in the time it was performed, the Risorgimento, when Italy's unification was still a project but soon to begin. In addition, he focuses on Nabucco's family: two sisters rivalising for the throne and their father's affection. The only set is a jaded, green emerald wall who is constantly turning. Wolfgang Gussmann's costumes identify the Babilonians with the Austrians, with military and luxurious costumes and the Jews with the Italians, in a working class aesthetic (similar to Bertolucci's Novecento?). Kimsun Chan's coreography tends to portray the supernatural element, specially when Nabucco self-proclamates himself as a god. However, it fails when Abigaille usurpates the throne in her Act 2 cabaletta, as the chorus makes a strange dance. Two interesting details could be mentioned:

After the duet of Abigaille and Nabucco, the chorus appears lying in the ground, and they begin their chorus while starting to sing Va, Pensiero, and they rise slowly until the epic verse "o mia patria, si bella e perduta", when they stood firmly, looking to their missed homeland, and the majestic trumpet joining them. At the end, Abigaille aims with a gun everyone, and after struggling with Fenena, she shots herself accidentally. After her death everyone leaves, even Ismaele, leaving Nabucco and Fenena alone to mourn Abigaille, completely abandoned and devastated. The triumph of the exiled people means the destruction of Nabucco's family.

The Teatro Real Orchestra has sounded beautifully under Nicola Luisotti's baton. His rendition has been vivid, agile, with a passionate sense of Verdi's dramatic style, despite sounding sometimes a bit loud for my taste. In this opera, Verdi starts to develop his genius, conveying the drama, as no one in Italian school in his day, going beyond the virtuosism intended in those days. Brasses shone in all their majesty during the prelude, and strings had beautiful moments during acts 2 and 4. Flutes were also moving during the Va, Pensiero.

Since the premiere, the Teatro Real Chorus, mastered by Andrés Máspero, is always giving an encore of the Va, Pensiero, becoming the true protagonist of this run of performances. During the piece, they sang with true devotion, moving the complete audience, specially singing at their complete power from "o mia patria, si bella e perduta". The final, enlargened "u" in a beautiful pianissimo, of the verse "al patire virtù" is always more than a tear-eye moment. These people are missing their country, they suffer. Everyone can be in their shoes: inmigrants, refugees from Ukraine, Syria or Afghanistan. That is why emotions flourish after this piece, and it is encored in Italy, New York or in Madrid these days. Last Saturday, it also happened: the audience broke into an outstanding ovation and shouting "Viva Verdi". After a long applause, the maestro Luisotti raised his thumb, and the encore began. The male section shone during the complete performance, showing the accomplished baritone and bass voices of this chorus. The female one sounded also sweet, tender, during the second part of the first chorus opening Act 1.

Madrid was a complete party, because of the LGBTIQ+ Pride, crowding the streets outside the theatre. The Teatro Real audience had its own part with a vocal feast from the second cast.

George Gagnidze was a  Nabucco which gained more and more presence and vocal authority as the performance was taking place. From the second act, he conveyed his weakness in front of his wicked daughter, specially during the duet with Abigaille in Act 3.

Saioa Hernández establishes herself as the most important spinto, dramatic soprano in Spain with her Abigaille, who deserved the great ovation she received. She passed the performance with flying colours, thanks to her amazing low register, her beautiful, solid high notes, and her technique able to cope with the difficulty of a role which is avoided by many sopranos, specially in the Act 3 duet, a complete acid test. 

Alexander Vinogradov in the role of Zaccaria was probably the most successful singer in the night, because of his massive, strong, deep voice. This bass dominated the scene every time he appeared.

Michael Fabiano plays Ismaele. In this opera the tenor does not have the prominence it will have in other works by Verdi, but the American tenor gives this character the charisma necessary to stand out. Vigorous, heroic, virile is the timbre of Fabiano's voice, and in the first act, where his character shines, he stood out for his drama, as well as in the third act when he asks for mercy for himself before the people he has betrayed by falling in love with Fenena, the daughter of the oppressive king.

Elena Maximova as Fenena has a dark, sometimes nasal voice, but still able to sing nicely her Act 4 aria. 

The supporting cast maintains the high level: Simon Lin's Great Priest of Baal surprised by his big volume, Fabián Lara's Abdallo was nicely sung and Maribel Ortega's Anna needs to be mentioned because of her powerful voice, with a beautiful dark tone (she sang Brünnhilde in Siegfried in 2017 in Oviedo). 

The audience welcomed warmly the performance and the artists, showing how much they wanted to see Nabucco on stage, and probably doing so for the first time in many cases.  In addition, today begins the Teatro Real opera week, held every summer, and this year with two live screenings in the Plaza de Isabel II for thousands of people. The performance of Friday, July 15th, will be also telecasted in more than 100 cultural centers, squares and museums all over Spain, with this same cast singing. Nabucco is winning Madrid over, isn't that great? This confirms that there is no reason to leave this work unperformed in the Teatro Real stage in the next decades.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

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El triunfo de un gran pueblo es un drama familiar: Nabucco en el Teatro Real.

Madrid, 9 de julio de 2022.

El Teatro Real tiene una deuda histórica, debido a su joven historia reciente, con muchos títulos tanto clásicos como inéditos en su escenario. Parece ser que poco a poco va cumpliendo esa deuda. Y es que después de 151 años, una de las óperas más populares del repertorio, Nabucco, de Giuseppe Verdi, vuelve a su escenario. 

Nabucco es parte del repertorio, principalmente debido a su famosísimo coro, el Va, Pensiero, que cantan en el tercer acto los esclavos hebreos que eran cautivos en Babilonia. Una pieza musical que trascendió la escena, ya que en plena era del Risorgimento italiano, cuando Italia preparaba su unificación, los italianos del norte eran "cautivos" del Imperio Austríaco. Y de hecho se hizo tan popular que la gente gritaba "Viva V.E.R.D.I", o lo que es lo mismo "Viva Vittorio Emmanuele, Re d'Italia". Incluso mucha gente lo cantó en el cortejo fúnebre del propio Verdi en Milán, en 1901. A día de hoy, sigue siendo una pieza muy popular, y en Italia, no solo entre los aficionados.

Aun así, resulta inexplicable el por qué de que esta ópera tan popular y querida no haya subido todavía al escenario del Real desde su reapertuta en 1997. No significa que no se haya visto en Madrid en todo este tiempo ya que al menos en 2003 una compañía privada la hizo en el Palacio de Vistalegre, y las compañías Ópera 2001 y Concerlírica la han paseado de vez en cuando por teatros de la periferia como Pozuelo, Alcobendas, Boadilla del Monte o San Sebastián de los Reyes con compañías de Europa del Este, además de que la producción itinerante de Ignacio García la interpretó en 2017 en una función única, en un teatro del centro de la capital. Sin embargo, habría que retroceder a los tiempos de cuando se hacía ópera en el Teatro de la Zarzuela, para saber cuándo fue la última producción importante en Madrid de este título, en este caso en 1971, con Cornell McNeil y Elena Suliotis.

¿Posiblemente se deba a que había otros títulos que poner? ¿O quizá que, como bien ha dicho el director artístico, Joan Matabosch, recientemente en la prensa, este es un título vocalmente muy exigente, sobre todo para la soprano? Ciertamente, para la soprano, el rol de la villana Abigaille es temible debido a la tremenda tesitura. Incluso la mismísima Maria Callas, posiblemente la mejor intérprete de esta ópera desde que hay grabaciones, lo cantó tan solo en dos ocasiones. En cualquier caso solo cabe la celebración por este justificado regreso.

En esta ocasión, llega desde Zúrich en una producción de Andreas Homoki, la cual traslada la acción de la obra a la misma época en la que se estrenó, en pleno Risorgimento. Una costumbre ya realizada en los últimos años, partiendo de la premisa en que el pueblo italiano en época de Verdi se identificaba con el pueblo judío en uno de sus múltiples cautiverios a lo largo de milenios de historia. El único decorado es una pared de color jade que se mueve a medida que avanza la acción, y que hace juego con el vestuario femenino. Homoki no solo se centra en la identificación del pueblo italiano con el judío en época babilonia, sino también en el drama familiar que acecha a Nabucco y sus dos hijas. La rivalidad entre estas hermanas, por la sucesión y por el afecto de su padre, se hace visible desde el inicio, cuando en la obertura se narran la muerte de su madre y sus juegos de niñas. Estas versiones infantiles de Fenena y Abigaille aparecen a lo largo de la obra para confrontar a los personajes, como recordatorio de otros tiempos felices. El vestuario de Wolfgang Gussmann incluye trajes decimonónicos, con miriñaque  y del mismo color de la pared, en verde jade, para las damas, y para los caballeros traje y sombrero de copa. Para Nabucco y Abdallo trajes militares, y para los hebreos, vestidos como el pueblo llano, dando una idea de clase obrera oprimida, algo de lo que también se tomaba consciencia en la Europa de la época. Lo que no termina de encajar muy bien es la coreografía de Kinsun Chan, ya que los caballeros hacen un baile extraño en la cabaletta de Abigaille del acto segundo. Aunque, la dirección de actores tiene dos ideas muy felices: primero, que tras el electrizante dueto final de Abigaille y Nabucco, el pueblo cae al suelo ante su poder, y tumbados empiezan con el Va, Pensiero, irguiéndose poco a poco hasta llegar al tremendo "o mia patria, si bella e perduta", donde ya están erguidos, siendo un momento sobrecogedor. El otro es el final. Abigaille apunta a todos en un arranque de locura hasta que en un momento de forcejeo con Fenena, se dispara a sí misma por accidente. Entonces canta su tremenda escena final en los brazos de Nabucco y Fenena, y tras su muerte, todos se van, incluido Ismaele, dejando a Nabucco y Fenena totalmente destrozados: el triunfo de los hebreos, que vuelven a su patria, es la derrota total de la familia real babilonia, que ha quedado destruida.

La Orquesta del Teatro Real ha llegado a un nivel de gran intensidad teatral bajo la electrizante dirección de Nicola Luisotti, habitual del repertorio verdiano en la ciudad. Luisotti ha dirigido con unos tempi rápidos, ágiles, aunque a veces subiendo un poco el volumen de la orquesta, pero ese estilo se adapta al estilo de este primer Verdi, más próximo al bel canto, pero en el que ya da muestras de su genio musical, cuya partitura transmite los sentimientos y la psicología de los personajes como nadie en la escuela italiana de la época. El metal destacó en el inicio de la obertura, y las cuerdas lo hicieron en el segundo acto, antes del aria de Zaccaria y en la introducción al cuarto. La flauta no podía destacar menos en el famoso coro. 

El Coro del Teatro Real ha sido estos días, y sigue siendo el protagonista para el gran público. Y más aún con el altísimo nivel de esta formación dirigida por el gran Andrés Máspero. Ya desde el inicio de la obra, dieron muestras de su buen hacer. En esta ocasión, las voces masculinas impresionaron por su vigor, dejando claro el alto nivel de los barítonos y bajos del mismo. No se queda atrás el coro femenino, en la segunda parte de la primera escena de la obra. Pero donde todo el mundo los quiere oír, naturalmente es en el Va, Pensiero. Es aquí donde llegaron a una emoción enorme. Esta pieza la cantan en escena los judíos, que tantos exilios han padecido en la historia, como cualquier pueblo sufriente, hoy en día pueden ser los refugiados ucranianos,  sirios o afganos, o los inmigrantes en general. Verdi, afectado también en lo personal cuando compuso esta música, canaliza el dolor de un pueblo que añora, que ama a su patria. Todos podemos ser ese pueblo y quizá esa sea una razón de que se siga bisando no solo en Italia, sino también en Nueva York y ahora en Madrid. Desde el estreno el coro del Real ha bisado esta pieza, formando parte ya del espectáculo (lo que a veces, quizá desvirtúe el encanto original de lo excepcional de un bis, en favor de la publicidad para la compañía). Tras una interpretación soberbia, en la que desde que están tumbados en el suelo, hasta el verso "o mia patria", acompañados por la orquesta y la trompeta, hasta el emocionante verso final "al patire virtù", cuando termina con una nota en piano alargando la u final hasta lo emocionante, el público del Real estalló en una enorme y larga ovación. Se esperaba el bis, y los aplausos y las vivas a Verdi se oían en la sala, con los coristas sin salir de sus personajes. Se veía feliz a Luisotti y a la orquesta. Fue entonces cuando el maestro se dirigió al público, alzó el pulgar, y el bis comenzó. De nuevo la emoción. Sea como fuere, es emocionante escuchar de nuevo una obra maestra y cantada por un buen coro.

Madrid es una fiesta estos días con ocasión del Orgullo LGTBIQ+, así que la ciudad era un hervidero de gente este fin de semana, más aún con estas temperaturas. Pero la fiesta también se ha trasladado al Teatro Real, con un segundo reparto de primerísimo orden.

George Gagnidze interpretó a un Nabucco que fue de menos a más. La voz ya tiene un timbre un tanto gutural, pero a partir del segundo acto mejora, transmitiendo la indefensión del personaje destronado por su propia hija, especialmente en el dúo con Abigaille en el tercer acto.

Saioa Hernández  interpretó a Abigaille, un rol complicado donde la haya, y se saldó con una gran ovación. Es una voz que sale airosa del tremendo reto. Desde un grave impresionante a unos agudos potentes que se dejan oír por encima de sus compañeros y la orquesta, hasta un legato destacable. Ya en el primer acto apuntaba maneras, pero en su famosa aria del segundo "Anch'io dischiuso un giorno" se destacó por una gran sensibilidad, para terminar con una cabaletta espectacular. Pero fue en el dúo con Nabucco en el tercer acto donde logró impresionar  con su técnica, saliendo airosa de ese reto. En el final resultó conmovedora tanto en lo vocal como en lo actoral, donde dio vida a una Abigaille inestable, traumatizada por sus circunstancias.

Alexander Vinogradov dio vida a Zaccaria, o Zacarías, siendo el mejor intérprete de la noche, con una poderosa voz, con un grave propio de un bajo profundo y con una autoridad que lograba imponerse. En todas sus arias e intervenciones dominaba la escena. 

Michael Fabiano interpreta a Ismaele. En esta ópera el tenor no tiene el protagonismo que tendrá en otras obras de Verdi, pero el tenor estadounidense imprime a este personaje el carisma necesario para destacar. Vigoroso, heroico, viril es el timbre de la voz de Fabiano, y en el primer acto, donde tiene lucimiento su personaje, destacó por su dramatismo, así como en el tercer acto cuando pide piedad para sí ante el pueblo al que ha traicionado enamorándose de Fenena, la hija del rey opresor.

Elena Maximova como Fenena tiene una voz oscura, de sonido pastoso, pero consigue sacar su plegaria del cuarto acto, que acomete con dignidad.

Simon Lin como el Gran Sacerdote de Baal tiene un impresionante timbre de bajo. Excelentes Fabián Lara como Abdallo y Maribel Ortega como Anna, especialmente esta última con una bella y generosa voz (por eso cantó la Brunilda de Sigfrido en Asturias).

Triunfo total de la obra de Verdi, en un público que aplaudió generosamente a este reparto. Había ganas de ver Nabucco, y seguramente para muchos por vez primera. Lo que indica que es deseable que nunca más pase tanto tiempo sin una producción importante de esta obra en el Real. No hay justificación para esa ausencia. 

Algunas fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación  de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente. Cualquier reproducción de este texto necesita mi permiso.

Straussian ecstasy with an outstanding cast and orchestra: Salome at the Auditorio Nacional, Madrid.

Madrid, June 24, 2016.

The Orquesta Nacional de España (Spanish National Orchestra) is now closing its current season at the Auditorio Nacional, and the current production this weekend is Richard Strauss' Salome. In recent years, the ONE has been scheduling a big symphonic-vocal piece, mostly an opera, per year: Wagner's Der Fliegende Holländer and Tristan und Isolde, Henze's The Bassarids, Schoenberg's Gurrelieder, or Strauss' Elektra. This year's opera is another one by Strauss, Salome.

Despite being today a big piece of the ABC opera repertoire, in its 1905 premiere it was seen as problematic. An adaptation from the controversial Oscar Wilde's piece of the same name, the subject was seen as inappropriate: an apparently candorous teenager who throws herself in a deadly, lustful and sick passion for a prophet, Saint John the Baptist (here Iokanaan), and bearing the indecent regards of Herod, her step-father. During the premiere, the soprano Marie Wittich refused to dance the 7 veils dance, and the opera was censored in many opera houses, including the Metropolitan Opera, where it was cancelled after its local premiere.

Strauss' music is musically rich, an authentic melodic ocean who starts warm, seductive, charming, to become lustful, erotic in its famous Dance of the Seven veils, and ending in the not less famous final scene, an acid test for the soprano, in which the music makes us feel the sick love and lust from the protagonist. In the early years of the 20th Century, Strauss flirted with atonalism, noticed sometimes here, but becoming more patent in Elektra. Though he didn't reach Schoenberg's level, and he soon left that adventure. 

In Madrid, it had its premiere in the Teatro Real in 1910, with Gemma Bellincioni in the title role. In the last decades, Montserrat Caballé sang it in 1979, and Hildegard Behrens in 1986. In the modern Teatro Real it was performed in 2010, in an unforgettable staging by Robert Carsen, with Nina Stemme, Doris Soffel, Gerhard Siegel and conducted by the late Jesús López-Cobos, a great Straussian. Now it returns to the Spanish capital in a concert version at the Auditorio Nacional.

David Afkham conducted an orchestra in its usual state of grace, despite abusing a bit of the forte, which confirms the ONE as the main reference in Madrid for playing this repertoire. It sounded really spectacular in the interludes before and after the prophet scene, and seductive, frenetic, dense, sometimes a bit slow, but erotic at the end, during the famous Dance of the Seven veils, when it seems the world really stops. Not a breath could be heard! Strings sounded so warm and velvet-like during this point, and the flute with a clear, brilliant and eerie sound in the finale. Afkham conveys the exuberance of the score. This concert performance has had a dramatization by Susana Gómez, which has given some action to the limitations of concert versions, resulting in a great acting direction in the Herod and Salome scenes.

Lise Lindstrom returns to Madrid after her 2018 Elektra in this same venue. The American soprano has a resistant voice, and powerful high notes which can surpass the orchestra but she has to confront the high volume of the musicians as well as the unsuitable acoustics of the Auditorio for the voices. In the most tender moments in the first half of the opera, when she sings in piano she really sounds as a teenager. The low register is very dramatic and the almost-parlato when she demands Iokanaan's head for the last time is really scary as the princess in this point of the plot. In the finale, she proves herself as a dramatic soprano with her powerful high notes. In addition, her beautiness is an extra for this performance.

Frank van Aken returns to Madrid after his 2019 Tristan, now as an Herod sounding as a still vigorous heldentenor, in an accomplished performance, and as an actor portraying perfectly a drunk later scared man desiring his beautiful stepdaughter.

Tomasz Konieczny as Iokanaan impressed the audience, with his powerful, massive voice, which sounded generously through the 2200-seat hall. His Iokanaan has been really unforgettable, with a dark, strong, bass-baritone tone, portraying the strong but weakened, and at the same time energically mystic prophet.

Violeta Urmana as Herodias still has a beautiful-tone, now as a mezzo-soprano again, still able of great high notes like in her famous line "Ich will nicht haben, dass sie tanzt", and having an imposing presence. 

The rest of the cast consisted in a talented Spanish team, with known faces in our opera houses, and definitely rising the already high level of the show. 

Alejandro del Cerro, an emerging tenor who is usually singing belcanto and zarzuela repertoire, is here singing a nice Narraboth, with his shining, youthful-toned voice. The young bass David Sánchez has big voice, making it to be heard around the big venue, and a nice tone for the second soldier role, and the best comprimary singer in this cast. Pablo García-López, Tomeu Bibiloni, Lidia Vinyes-Curtis, David Cervera or Vicenç Esteve complete the cast with accomplished performances of their parts.

The delighted audience gave an outstanding ovation after almost two intense hours. Productions like this rise definitely the Madrid operatic offer as well as its level. Some foreign people was seen before the performance began, something great considering this was part of a symphonic season and still with the Covid travel limitations. This Salome will have another performance tomorrow Sunday 27,  but it has already won the Madrid operagoers over.

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Delirio straussiano con la ONE y un lujoso reparto: Salomé en el Auditorio Nacional.

Madrid, 24 de junio de 2022.

La Orquesta Nacional de España se acerca a cerrar su presente temporada en el Auditorio Nacional, con su tradicional apuesta por una gran pieza sinfónico-coral, principalmente operística, por temporada. En otros años han interpretado El Holandés Errante o Tristán e Isolda de Wagner, o los Gurrelieder de Schönberg, The Bassarids de Henze o la Elektra de Richard Strauss. Precisamente este año el gran título es de Strauss, ni más ni menos que la todopoderosa Salomé. 

Cuando se estrenó en 1905, Salomé era un tema escandaloso para un teatro de ópera. La obra de teatro de Oscar Wilde, que Strauss adaptó, también lo era para la puritana sociedad de la Belle Époque. Una princesa aparentemente inocente, pero tremendamente lujuriosa, que despierta pasiones en todos los hombres, y que finalmente se entrega a una pasión y una lascivia letales, que terminarán engulléndola. Strauss no corrió mejor suerte: con una música tan exigente, los artistas se iban yendo de la producción y la protagonista, Marie Wittich, decidió no bailar la danza de los siete velos al considerarlo indecente. Y la conservadora sociedad europea tampoco lo entendió: en Viena tardó en estrenarse hasta 1918, y en Nueva York fue retirada del cartel bajo presión. Pero el tiempo la ha convertido en una obra importante del repertorio. Y no solo por la fascinación de la figura de Salomé, sino también por la música. 

La partitura de Strauss posee una riqueza musical que seduce, un océano de melodías que empieza evocador, sugerente, para pasar por un erotismo musical deslumbrante en la Danza de los Siete velos, para terminar en una apoteósica escena final, una prueba de fuego para la soprano que protagonice esta ópera, en la que la música nos hace sentir una lascivia tan trascendental como patológica. En esta etapa de su carrera, Strauss coqueteaba con el atonalismo, tendencia que se haría aún más patente con Elektra, aunque no llegaría a romper del todo con la tonalidad como haría Schönberg, y pronto acabaría esa arriesgada aventura. La música nos mete en la locura amorosa de la protagonista, y en la repugnante lascivia de Herodes, su padrastro, enamorado de ella, pero también en el exótico mundo de la Judea del siglo I. 

En Madrid, Salomé se estrenó en 1910, pero en italiano, con la gran Gemma Bellincioni, en el antiguo Teatro Real. Montserrat Caballé la interpretó en 1979, Hildegard Behrens en 1986, todas ellas en el Teatro de la Zarzuela. Al nuevo Real no llegaría hasta 2010, entonces con una producción histórica, con una puesta en escena fabulosa de Robert Carsen, y con un terceto protagonista de impacto: Nina Stemme, Doris Soffel y Gerhard Siegel, dirigidos por un Jesús López-Cobos, experto en estas lides, inspirado como pocas veces le vi. Ahora vuelve al Auditorio Nacional en versión de concierto.

La Orquesta Nacional de España sigue atravesando una fructífera y maravillosa etapa al frente de David Afkham, quien la hace sonar en una potencia tal, que la convierte en la referencia en Madrid para este tipo de repertorio. Si bien la hace sonar a veces un poco fuerte, lo que complica a los cantantes pero es casi imposible en Strauss y en esta obra hacerlo sonar más suave, la batuta de Afkham recrea la exuberancia de la partiura, en una versión grandilocuente. Espectacular el interludio orquestal de la entrada de Iokanaan, y en los momentos en los que éste habla del mesías. Las cuerdas impresionaron, especialmente los contrabajos durante la ejecución del profeta, y luego las cuerdas con un sonido cálido, seductor, en la famosa danza de los siete velos. En esta famosa pieza, parece que el mundo se detiene, porque en esta ocasión casi ni una respiración se oyó. Y la orquesta parecía otra, introduciendo al espectador en ese éxtasis musical, que sugiere la relación sexual que Herodes no puede tener con Salomé. Afkham dirige una versión a veces lenta de la misma, pero también seductora, excitante, con una orquesta brillante. Igualmente en el final, con el contrabajo y la percusión creando esos momentos de tensión durante la ejecución de Iokanaan y después de que Salomé besara la cabeza de su amado para terminar con esos golpes secos tras la muerte de la princesa. 

Lise Lindstrom vuelve al Auditorio Nacional tras interpretar Elektra en 2018. La voz de Lindstrom es más adecuada para Salome. La soprano americana tiene sin duda una voz grande, aunque lidia con el obstáculo de la orquesta y la acústica del Auditorio, tan poco adecuada para las voces. Pero domina el personaje y sale airosa del reto. En los momentos más tiernos, cuando canta en piano, realmente parece la niña de 16 años que Strauss quería para el rol. El agudo es potente, aunque no siempre prístino, pero bastante tiene con lidiar con la potente orquesta tras de sí. Su timbre es juvenil, su Salomé es la de una joven de apariencia candorosa, que se convierte en una mujer temible cuando pide la cabeza de Iokanaan, con un grave aterrador. Durante la escena final, Lindstrom saca a relucir sus potentes agudos, y su talla como intérprete, de nuevo con una voz tan dulce como dramática. Además, la esbelta figura y la gran belleza física (en este caso, nórdica) de Lindstrom es también un gran añadido.

Frank van Aken vuelve a Madrid tras su solvente Tristán de hace tres años. Ahora como Herodes, está más en la línea de un heldentenor aún vigoroso, que en la de un tenor de carácter. Su interpretación ha sido impecable, con una voz que suena robusta bien proyectada, aunque perjudicada por las circunstancias de la versión concierto. Dado que esta es una versión de concierto dramatizada, como actor es convincente como un Herodes ebrio y que mira a Salomé con una lascivia incómoda. Desgarrador en la escena "Salome, bedenkt", cuando intenta convencer a su hijastra por última vez de que no le pida la cabeza del profeta.

Quien ha sorprendido a propios y extraños es Tomasz Konieczny como Iokanaan. El barítono polaco, que en los últimos años ha cantado el Wotan en el Teatro Real, ha dejado boquiabierto al público con su potentísima voz, que se ha dejado oír hasta por encima de la orquesta y que recorría todo el auditorio de más de 2000 personas. Konieczny ha interpretado un Iokanaan antológico, con un timbre de bajo-barítono potente, robusto, oscuro, que transmite la autoridad, la fuerza y hasta el misticismo del personaje, incluso cariñoso por un breve momento con Salomé cuando le dice que busque a Jesús, hasta que esta le seduce y vuelve a rechazarla enérgicamente. 

Violeta Urmana interpreta a Herodías, con su aterciopelado timbre, ahora como mezzosoprano, en este breve rol, aunque capaz de algún gran agudo como en su famosa línea "Ich will nicht haben, daß sie tanzt!". Y desde luego sigue manteniendo su imponente presencia, como el de una reina altiva y distante de la catástrofe que se avecina, y luego cuando se sienta a presenciar todo el monólogo de Salomé, manteniendo un perfil recio.

El resto del reparto ha estado formado por excelentes y destacados cantantes españoles, cerrando el elenco con un altísimo nivel. 

Alejandro del Cerro interpreta a Narraboth. Este joven tenor español tiene una voz potente y aguda. Dentro de lo que le permite la acústica, el suyo es un Narraboth juvenil y de sonido agradable.

David Sánchez como el segundo soldado ha podido ganarle la batalla a la orquesta y a la acústica. Este joven bajo tiene una voz que se oye cómodamente en todo el enorme recinto, además de sonar igualmente agradable para este comprimario.

Junto a ellos, caras conocidas y habituales como Pablo García-López, Tomeu Bibiloni, Lidia Vinyes-Curtis, David Cervera o Vicenç Esteve completaron el genial y largo elenco.

Susana Gómez se encargó del concepto escénico, sumando algo de movimiento y de acción a esta versión de concierto, que se inicia con Salomé atravesando el auditorio, y luego las sillas del coro cubiertas y sobre las cuales se proyectan luces de colores, con un momento bellísimo con Salomé en medio de ellas, con una luz púrpura sobre el recinto, y luego de color rojo sangre cuando ella en su escena final y Herodías la observa complacida. No hay mucha danza, por falta de espacio y para no fatigar a la soprano, pero toda la dramatización de las escenas con Salomé y Herodes fueron plenamente intensas.

Un público entregado ovacionó tras dos intensas horas. Producciones como esta enriquecen la oferta lírica de Madrid, e incluso la ponen en el mapa más de lo que ya está. Había varios extranjeros entre el público, lo que indica el interés de esta Salome que se repite el domingo por segunda y última vez. Quien pueda ir, que no se la pierda. 

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La divertida conspiración dieciochesca que sigue fascinando: Vuelve El Barberillo de Lavapiés al Teatro de la Zarzuela.

En abril de 2019, un año antes del cataclismo que cambiaría nuestras vidas tanto sociales como líricas, el Teatro de la Zarzuela estrenó una nueva producción de uno de los títulos más emblemáticos del género: El Barberillo de Lavapiés. Como es habitual con esta obra maestra de Barbieri, el teatro colgó el cartel de "no hay billetes" en casi todas las funciones. De aquéllas funciones, hablé generosamente en mi crítica de entonces. Tres años después, tras una pandemia, un confinamiento, una reducción de aforo y de nuevo la vuelta de los aforos pre-covid, el TZ vuelve a programar este clásico, y prácticamente con los mismos repartos y el mismo maestro que entonces.

Admito que para mí supone una nueva oportunidad, porque en 2019 no alcancé a ver la puesta en escena de Alfredo Sanzol debido a la pésima calidad de mi asiento, limitándome a solo escuchar una obra que no conocía. Tres años después, he podido apreciar en vivo esta producción, que es como gana todos los enteros que no se aprecian en el vídeo del streaming que el teatro emitió en su día. Sanzol busca transmitir que esta es una obra atemporal, en el sentido de que los vaivenes políticos que se mencionan, y las opiniones vertidas por Lamparilla siguen siendo aplicables tanto en la España del siglo XVIII como en la de 2022. Para ello, toma una decisión tan aplaudida como controversial: en un escenario completamente vacío, sobre un fondo negro, tiene lugar toda la acción. Esto permite intensificar la trama y centrarse en los personajes, quienes llevan el peso de la ambientación. La dirección de actores, las danzas de Antonio Ruz y el vestuario goyesco y colorido de Alejandro Andújar son los encargados de llevarnos al siglo XVIII y compensar la ausencia total de decorados. Por otro lado, el coro y los personajes principales se encargan de mover unas negras paredes escénicas, que intentan recrear la idea de calles, balcones, y demás, algo que conviene a las escenas de huída, pero que afecta a las escenas corales, cuya música y danzas celebran ese Lavapiés castizo que no podemos ver. Si bien muchas situaciones de agilidad están bien resueltas (por ejemplo, un momento de belleza plástica se puede destacar en el dúo de Don Luis y la Marquesita, cuando la luz anaranjada -¿las farolas?- se proyecta en los negros bloques escénicos), se echa en falta ver en escena el Madrid de Carlos III, y ver a sus personajes moverse por él. 

La música de Barbieri es rica, colorida, castiza, y engancha desde el principio, con una sucesión de números excelentes. Lamparilla, el protagonista, es una versión española y a veces, hasta más interesante que el Fígaro rossiniano. Es sorprendente la inspiración casi operística en las escenas de los nobles, que contrasta con la alegre, vivaz y folclórica de los personajes cómicos. José Miguel Pérez-Sierra vuelve a ponerse al frente de la orquesta, y como en 2019, ha dirigido la obra con una increíble fuerza, y unos tempi tan ágiles como llenos de vivacidad. Desde el primer compás, uno siente que la orquesta suena con el mismo entusiasmo que inspira la obra. Pérez-Sierra resalta con sus  tempi, el casticismo de la obra y la rapidez asociada a la comedia. El Coro del Teatro de la Zarzuela tuvo uno de sus mejores días, con una brillante intervención, en momentos tan gloriosos como el principio de la obra.

Cuando hay reposiciones de montajes, lo habitual es que el reparto cambie, o se mantengan algunos cantantes, sobretodo cuando las producciones viajan. Sin embargo, este montaje ha mantenido tanto  en su presentación en Oviedo en marzo de 2020, como ahora, el mismo reparto. Salvando las distancias, uno puede encontrar un símil en las producciones de Patrice Chéreau de Desde la Casa de los Muertos y Elektra, que conservaron la totalidad o la mayor parte del reparto allá por donde viajaron. Y ciertamente, uno puede pensar que estos artistas llevan la obra en las venas a consecuencia de rodar tanto esta obra, porque el nivel de excelencia es el mismo, incluso superior a 2019. 

Borja Quiza ha hecho suyo el personaje de Lamparilla. Uno puede ver la fuerza escénica con la que aborda el pícaro personaje, en un excelente retrato en lo actoral, reafirmando la idea del "parentesco" entre el barbero de Barbieri y el de Rossini, dada la vis cómica de este barítono. En lo vocal, puede con la agilidad de su primera entrada y su agradable voz transmite mejor al personaje. Excelente a partir del segundo acto, muy especialmente en el dúo con Paloma, del que hoy día, de tan aplaudidos, hubo también un bis de este número.

Cristina Faus es igualmente una excelente Paloma, con un timbre de mezzosoprano que resulta cálido, dulce,  y seductor en los momentos con Lamparilla. Faus explora el gracejo del personaje, una maja madrileña muy inteligente y salerosa. 

María Miró fue también una gran Marquesita del Bierzo, buena como actriz, y con una preciosa voz.

Javier Tomé, a distancia de los tres anteriores, fue un correcto Don Luis, aunque mejoró sensiblemente en el tercer acto, donde como Miró, divirtió mucho cuando  sus personajes se convierten en majos.

Abel García como el Militar Don Pedro realizó una creíble, divertida interpretación del tiránico pero al mismo tiempo servil personaje.

La prueba de que esta ha sido una feliz tarde de domingo se refleja en un teatro lleno hasta la bandera, con un público de diversas edades, que ríe, canturrea, aplaude enfervorecido, hasta el punto de conseguir un bis, y sale con una sonrisa. Al igual que con El Rey que Rabió, esta es una obra que nos demuestra cuán actual puede seguir siendo el género. Y más actual lo es con esta música que, 148 años después de su estreno en este mismo teatro, sigue siendo tan celebrada y admirada.

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