Coslada is a city in the closest outskirts of Madrid. This summer, the city has scheduled a "cultural summer", in the Parque del Lago (the Lake park), where some theatrical or musical performances and concerts are held, totally free and open-air.
One of the activities scheduled is a performance of Mozart's Don Giovanni, by the opera troupe Camerata Lírica de España.
This troupe is usually performing in several auditories in small towns or cities, taking the opera and zarzuela to places where they are little performed. For this new production, which will tour some Spanish provinces in Autumn and Winter, the tenor and director Rodolfo Albero has prepared a classic staging in order to introduce this masterpiece to new audiences.
The opera was offered with piano accompaniment and some cuts, in order to end as soon as possible (it started at 22:00, lasting around 2 hours and 15 minutes with intermission), ending with Don Giovanni entering in hell. The piano was played by Sergio Kuhlmann.
The singers of the cast did their best during the performance. Raquel del Pino was a youthful, fresh Zerlina, Carmen Arrieta got a great ovation from the audience, and Elvira Padrino was an authoritative, powerful Donna Elvira. Houari López was the lead male singer as Don Ottavio, whose rendition of Dalla sua Pace was maybe the best moment in the night. Andrés del Pino was a Don Giovanni which had the profile and physique-du-rôle for the title role. Abelardo Cárdenas as Leporello (with a good sense of comedy for this role) and Alberto Camón as Masetto and the Commendatore did well their parts.
Being an open-air performance, the audience could enjoy the magic of opera in a fresh, placid ambient of a lake in a park, but not without inconveniences: the amplification of the microphones was a bit loud.
The audience applauded the performance and, according to the comments heard from the closest people, this operatic proposal has been well received and hoped to be repeated in the coming years. If only this could replace the welcomed and enyojable performances of opera at the Temple of Debod in central Madrid, which were awaited every year from 2009 to 2014... the people of Coslada and its surroundings would have an annual appointing with free,open-air opera again.
Este verano, la ciudad de Coslada ha organizado un "verano cultural" en el parque del lago, donde se realizan espectáculos gratuitos al aire libre en un pequeño anfiteatro a orillas del mismo. Uno de esos espectáculos ha sido Don Giovanni, de Mozart, en una nueva producción a cargo de la compañía Camerata Lírica de España.
Esta pequeña compañía privada tiene cierto recorrido en la Comunidad de Madrid y en otras provincias españolas, llevando la lirica a pueblos y pequeñas ciudades donde este tipo de espectáculos se ven con poca frecuencia.
El tenor y director artístico Rafael Albero ha sido el responsable de la puesta en escena, que ha tratado de reproducir una versión clásica que el público pudiera entender y disfrutar. En el escenario se ha visto un escenario corpóreo de una calle empedrada de la antigua Sevilla.
La obra se ofreció con acompañamiento de piano y algunos cortes con el fin de no acabar tarde y ofrecer lo más elemental de la trama, especialmente en el segundo acto. El pianista Sergio Kuhlmann se encargó de suplir el acompañamiento orquestal con el piano.
En cuanto al reparto, se empeñó en la mejor medida de lo posible, con unas voces femeninas en general superiores a las masculinas con Raquel del Pino como una estupenda Zerlina, Carmen Arrieta como una Doña Ana que se llevó una gran ovación al final y Elvira Padrino como una poderosa Doña Elvira. Entre las masculinas, Andrés del Pino fue un Don Giovanni que tenía el perfil físico ideal para el personaje, aunque el mejor fue Houari López (tenor habitual en las antiguas y añoradas funciones de Ópera Moncloa) como Don Ottavio, cuya interpretación de Dalla sua Pace fue quizá el mejor momento de la noche. Abelardo Cárdenas como Leporello (con una gran vis cómica) y Alberto Camón haciendo doble papel de Masetto y el Comendador completaron el reparto, cumpliendo bien con su cometido.
Al ser una función al aire libre, la función pudo disfrutarse en el disfrutable y apacible ambiente de un anochecer en un parque con un lago, pero no estuvo exenta de contratiempos, como el excesivo volumen de la amplificación que resultaba bastante molesto y reberveraba excesivamente en los tímpanos.
Pese a que el aire fresco y quizá el excesivo volumen vaciaron un poco el anfiteatro, los aún muchos que quedaron en él aplaudieron entusiasmados una propuesta, que a tenor de lo escuchado entre el público, es de agradecer y se espera que se repita en los próximos años. Ojalá pudiera recoger el testigo de las inolvidables y esperadas funciones en el Templo de Debod que de 2009 a 2014 hacían las delicias de los madrileños.
As every summer, the Teatro Real de Madrid closes its season with an "ABC" repertoire title, in what is called the "Semana de la ópera" (Opera Week). During that week, there is a day in which one performance is broadcasted in live stream via Facebook, television, and a big screen set in the Plaza de Oriente, with thousands of people following the performance from the theatre. This year, the opera is Il Trovatore, after 12 years from the last run of performances, in which Fiorenza Cedolins and Dolora Zajick amazed the audience with their renditions of Leonora and Azucena respectively.
In 2019, Il Trovatore returns in a production by Francisco Negrín, and three casts performing this masterpiece.
Negrín's production pretends to show how the ghosts of the past are able to tie and determine fatally the destiny of the protagonists. For that reason, we see on stage the ghosts of Azucena's mother and son as relevant characters. The action takes place in a metallic, cold and dark space, intensifying the plot and making it more opressive and unbreathable. In the inner zones the chorus is placed, and the chorus remain unseen in many moments. There are two big poles making a cross in the scene, sometimes dividing properly the stage, for example in the convent scene. This raw minimalism tries to delve on Azucena's tragedy, but despite the effectiveness of the ghosts' apparitions, its coldness and ugliness can be boring and even irrelevant.
The scene begins with Azucena invocating the fire (emerging real flames from a table) ,and in the top of the scene, we see her mother. Then, we see Ferrando telling the story to some children around him. In the second Act we see in the gipsy chorus the men singing in their inner zones and the women making some gestures of witchcraft. We see Azucena's child. During most of the duets with Manrico, she sings to her child ghost than to her living adopted child. There is a costume contrast, with the Count's henchmen dressing in dark leather and Manrico's men dressing with brown leather. In the Act four, we see Azucena's mother holding Manrico and Leonora with a chain, before her daughter does. At the end, Azucena is moving a pole while to the middle of the scene while she asks for her son, and the fire is projected on stage and the flames emerging from the table for the last time.
Maurizio Benini gave a fantastic orchestral rendition. His tempi were agile, dramatic and with the goal to help the singers, but he made the orchestra to shine by its own merit, with a belcantist style. The best moments were the gipsy chorus and Act 4. The trumpet had a good sound in the Count's arias. The Chorus sang in their usual good level, with the masculine voices sounding very well.
I attended the last performance of the first cast, being one of the best options for Trovatore nowadays.
Francesco Meli played Manrico. When I saw him on the telecast on July 6, I dread for how could sound his Manrico live, but after seing him in the theatre, I can say he is one of the best options for the role today. His voice is more belcantist than heroic. Being Italian, his proper diction gives his rendition an special expresiveness. He began with a beautiful Deserto sulla terra, and his version of Ah, si, ben mio was ovationed, thanks to his legato and long final high note. The problem is the Pira, because the piece surpasses his voice and his final high note hasn't the desirable sound. However, in the final act he returned to his former level, specially in the Miserere.
Leonora was sung by Maria Agresta in the telecast on July 6, and her Leonora suffered in the high register. On July 24, she was replaced by Lianna Harotounian, who has a bigger voice. Harotounian's voice has resistence, a good technique and amazing and prolonged high notes. She sang beautifully in her great scene of Act 4, with a technically well sung D'amor sull'ali rosee and improving remarkably in her final cabaletta. Her Prima che d'altri vivere was another good moment.
Ludovic Tezier was the Count of Luna. Tezier is one of the top options for this role, with a voice sounding like a Verdi baritone, something rare to find today. His acting was also convincing, conveying the brutality of the role. His version of Il Balen del suo sorriso was strongly ovationed due to the tenderness and good singing he achieved.
Ekaterina Semenchuk was Azucena. Alongside Meli, she was the other star of the cast. Her Azucena starts shy, but ends powerfully, like waiting quiet, discreet, for the moment to take her revenge. Her voice has a good technique, sometimes could sound a bit cold, but her outstanding high notes and her powerful performance compensate this. Her Stride la Vampa sound restrained, but since her breathtaking version of Condotta ell'era in ceppi she stole the show. Her best moment, and probably the best also in all the performance was her beautifully sung rendition of Ai nostri monti, which she sung in pianissimo, reaching an unforgettable moment.
Roberto Tagliavini, a regular singer in every recent season in Madrid, was a great Ferrando, with his beautiful bass voice and youthful sound. His Abietta Zingara was a luxury to hear.
The rest of the supporting roles were well served by the supporting singers.
Despite this season closing was not as superb as the unforgettable Lucia di Lammermoor with Camarena and Oropesa last year, the audience had a great time applauding and ovationing every aria. The hall was almost full in many performances, other being sold out; showing how the audience wanted to see Trovatore after a 12-year absence.
Here you can see the performance of July 6.
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Como cada verano, el Teatro Real apuesta de nuevo por un título de repertorio para cerrar su temporada. En esta ocasión se trata de Il Trovatore, ausente del regio coliseo desde 2007, cuando unas gloriosas Fiorenza Cedolins y Dolora Zajick impresionaron al público de Madrid. Y no podía faltar tampoco la difusión de una de sus funciones por una pantalla gigante en la Plaza de Oriente, por televisión y en streaming a todo el mundo y a varios centros culturales en el país el 6 de julio.
El Trovador regresa a Madrid a lo grande, con una producción a cargo de Francisco Negrín, y hasta tres repartos interpretan esta cima de la lírica.
La producción de Negrín, tal y como dijo en la prensa, busca mostrar en escena cómo los fantasmas del pasado son capaces de atar y condicionar a los personajes. Para ello, hace aparecer a la madre y al verdadero hijo de Azucena, como unos personajes más de la acción. La acción tiene lugar en un espacio metálico, frío, que intensifica el patetismo y el lado más oscuro de la obra hasta hacerla irrespirable. En las zonas inferiores hay espacios donde el coro, tan importante en la obra, canta sin estar del todo visible en varias escenas. Además, en determinados momentos hay dos postes que se cruzan formando una cruz, y que dividen el escenario de forma eficiente, como en la escena del convento. Este minimalismo salvaje intenta que nos concentremos en la tragedia de Azucena, pero en algunos momentos resulta aburrido: los efectos dramáticos que crean las apariciones de los fantasmas no compensan el feísmo de la producción que en ocasiones termina por aburrir o por volverse irrelevante.
Nada más abrirse el telón, vemos a Azucena invocando el fuego en una mesa de donde salen llamas reales, y a su madre en lo alto del escenario. Ferrando cuenta su narración a unos niños mientras el coro canta escondido. En el segundo acto se ve al verdadero hijo de Azucena como la segunda aparición espectral y de gran peso, ya que en los dúos con Manrico ella habla más con el fantasma de su hijo biológico que con su hijo adoptivo, un reflejo de su locura. El coro de gitanos es un momento interesante, con las mujeres haciendo hechizos mientras los hombres cantan casi fuera de escena. Un contraste de vestuario tiene lugar entre los hombres del Conde de Luna, vestidos de cuero negro y los de Manrico, vestidos de cuero natural. En el tercer acto se ve al Conde rabiar mientras se ve a Manrico y Leonora juntos en una torre. En el dúo final se ve a la madre de Azucena sujetar con unas cadenas a los amantes, como un anticipo de sus trágicos finales antes de pasarle la cadena, es decir decidir el destino de la pareja, a su hija. Al final se ve a Azucena proclamar su triunfo final mientras empuja uno de los paneles que hacen la cruz mientras el fuego se proyecta al fondo del escenario y las llamas salen de la mesa omnipresente.
Maurizio Benini ha realizado una dirección orquestal bastante interesante, con unos tempi ágiles y con tensión dramática; extrayendo de la orquesta un buen sonido si bien a veces resultaba un poco más rápido de lo esperable. Entre los momentos interesantes se cuentan la excelente prestación de la trompeta en las escenas del conde de Luna, el coro de gitanos o el acto cuarto. Benini ha sabido transmitir en un estilo belcantista la partitura de Verdi, ayudando notablemente a los cantantes.
El coro, en su buen hacer habitual, ofreció una versión notable del coro de gitanos y los coros masculinos en el tercer y cuarto actos alcanzaron un nivel excelso.
El primer reparto, sin ser el colmo de lo excelso, es de lo mejor que se puede encontrar para esta casi incantable ópera, logrando en su última función anoche que el público pasara una agradable noche de ópera.
Francesco Meli fue Manrico. Tras verle el día 6 en televisión, me saltaron las alarmas ante lo que me parecía un tenor limitado. Sin embargo, en vivo y viendo una función completa, puede decirse que su nivel es alto para lo que hoy se encuentra en Manrico. La voz es juvenil, belcantista (pero adolece un poco de la heroicidad que requiere la voz del trovador), y se encuentra más cómodo en este rol que en otros como el Don José de Carmen que le vimos hace dos años. Al ser italiano, su dicción y experiencia consiguen que su Manrico sea más expresivo. Empezó con una bella versión del Deserto sulla terra, logrando en el tercer acto una gran versión del Ah, si ben mio en la que exhibió un importante agudo prolongado que arrancó una ovación en la sala. Sin embargo, la Pira fue descafeinada ya que no consigue el agudo deseado y el número parece superarle, en ocasiones afectando a la proyección. En el acto cuarto remonta con una excelente intervención en el Miserere y en el resto de la obra.
Sustituyendo a una Maria Agresta que el día 6 parecía limitada y con los agudos superándola en alguna que otra ocasión, el día 24 tuvimos a Lianna Harotounian como Leonora. Harotounian tiene una voz enorme, y unos agudos enormes e impactantes. El primer acto le costó en parte, pero sus agudos,como el del final del terceto que cierra el acto que impresionó al público. Salió airosa de su gran escena en el acto cuarto, con un D'amor sull'ali rosee con un legato apreciable, aunque el Miserere y la cabaletta final fueron aún mejores. Por otro lado, la frase M'avrai ma fredda esanime spoglia en la que afirma que prefiere morir a ser del Conde fue un momento sobrecogedor debido a su desgarradora pronunciación de la misma. En el acto cuarto fue a mejor, con una notable versión del Prima che d'altri vivere. Ludovic Tezier es uno de los barítonos más solicitados de hoy en día, y una de las primeras opciones para el conde de Luna. Su voz, pese a algunos momentos que parecían tender un poco a lo gutural, es de las pocas que suenan a barítono verdiano de verdad, y eso es mucho en estos tiempos que corren. Logró pues un buen Conde de Luna, con una versión de Il Balen del suo sorriso bastante conmovedora y aplaudida. Además de buen intérprete es buen actor y transmite lo temible del personaje. Al final de su dúo con Leonora del cuarto acto logró un agudo apreciable.
Ekaterina Semenchuk fue, junto a Meli, la estrella indiscutible de la noche. Su Azucena no es una mujer puro fuego como la Cossotto o incluso la Zajick, que destilan drama por cada poro. Su interpretación de la gitana empieza sutil, esperando tranquilamente el momento de la venganza, hasta que la tragedia ya se le respira por todos lados y metiéndose al público en el bolsillo. Vocalmente tiene una gran técnica (aunque pueda dar una primera impresión de frialdad) y una voz con un sonido sugerente de contralto, y unos agudos que impresionan. Empezó con un Stride la Vampa un tanto frío, pero desde su desgarradora versión del Condotta ell'era in ceppi, donde narra toda su tragedia, la función ya era suya. Al final del segundo acto dio un agudo estremecedor. Su mejor momento, y el de toda la función fue el Ai nostri monti, donde su canto en pianissimo logró conmover a la sala, dejando una versión para el recuerdo. También es una buena actriz, logrando transmitir la enajenación del personaje.
Roberto Tagliavini, habitual en el Real, fue un Ferrando de lujo, con su habitualmente bella voz de bajo. Su Abietta Zingara fue de muchos quilates.
El resto de comprimarios cumplió con su cometido, desde la efímera intervención de Cassandre Berthon como Inés, el correcto Ruiz de Fabián Lara y el gran mensajero de Moisés Marín.
Aunque este cierre de temporada no ha sido tan apoteósico como la Lucia del año pasado, puede decirse que ha sido un Trovatore notable y sobretodo muy disfrutado por el público que llenó la sala y aplaudió entusiasmado con cada número. Había ganas de Trovatore después de una larga ausencia.
Aquí pueden ver la función en vídeo.
Algunas fotografías no son de mi autoría, si alguien se muestra disconforme con la publicación de cualquiera de ellas en este blog le pido que me lo haga saber inmediatamente.
He visto en vídeo el último montaje de Tosca desde el Festival de Aix-en-Provence, a cargo del cineasta Christophe Honoré.
Y debo decir que no he visto una Tosca, sino la anti-Tosca.
Honoré desprovee al montaje del argumento original del libreto y lo sustituye por una nueva dramaturgia, que representa ensayo de esta ópera en la casa de una gran soprano retirada, en el marco de un documental sobre su carrera. Esta diva vive de sus recuerdos, y está amargada por no poder cantar. El montaje refleja la preparación de una producción, por tanto, comandada por la diva. El primer acto es un ensayo en su lujosa casa. La obra no empieza con el espectacular inicio orquestal, sino con una grabación de la diva cantando el Vissi d'arte, a continuación, su atractivo y veinteañero mayordomo le recuerda que el ensayo pronto tendrá lugar.
La diva elegida para este montaje es la soprano Catherine Malfitano, una de las más celebradas cantantes actrices de los 80 y 90.
Ella es quien acapara la atención. Cavaradossi no se fija en la soprano, sino en la vieja primadonna. La soprano tiene que sufrir la humillación de que sea la primadonna la que le robe el espectáculo. En cierto modo, algo de la Atavanti hay en ella. En el dúo de Tosca y Mario es ella quien canta las primeras frases de la soprano, quien no entrará hasta la frase "Ora stati a sentir... stasera canto". Y también interrumpirá la representación para decirle a su pupila que debe ser más sexual a la hora de cantar. En el segundo acto, la acción tiene lugar en los dormitorios y la cocina de la mansión. Scarpia, Cavaradossi y los esbirros del primero están corriéndose una juerga en la cocina, y de hecho el pintor no sufrirá tortura alguna, ya que en esa escena sus lamentos vendrán del cuarto de la diva, en cuya cama duerme recuperándose de la borrachera que se ha pegado. De hecho el quejido "Tal violenza" aquí resulta inverosímil.
Los que sufren son Tosca y el mayordomo, a manos de los matones, acosando a la primera con miradas lascivas y abusando sexualmente del segundo, obligándole a practicarles una felación.
Después de ser violado, el mayordomo se desnuda y se sienta en la cama de la primadonna, con la que se dispone a tener sexo, esta vez consentido, pero la diva tras mirarle y acariciarle es completamente incapaz.
No deja de ser cruel en cierta medida el uso de proyecciones de antiguos divos en el Recondita Armonia, donde el tenor compite con una proyección de Plácido Domingo y en el Vissi D'arte la soprano debe hacerlo con las más grandes intérpretes: Verrett, Callas, Nilsson, Milanov y la propia Malfitano. Este momento es la alternativa, cuando la primadonna le da a la soprano el vestido rojo de Tosca (copia del de Callas en Londres en 1964). Scarpia muere embadurnado de sangre sin apuñalamiento alguno. Tosca se encuentra con la Primadonna, quien se embadurna de esta sangre y se tumba en el suelo junto a las dos velas, fingiendo estar muerta.
En el tercer acto, la orquesta está en el escenario, es la función. Al principio, la primadonna pone unas velas en una réplica en miniatura del Castel Sant'Angelo y luego desaparece entre el publico. Entonces se abre el telón y tiene lugar la representación representada: Tosca en versión concierto. Mientras canta el E Lucevan le Stelle, Cavaradossi se acerca a la diva, con cierto galanteo. Luego aparece Tosca, a quien por fin corresponde su amor. La diva se irá despidiendo de los músicos, y al final se suicida a la voz de "muori! Ecco un artista". Al final la soprano descubre que Cavaradossi ha desaparecido y la diva está en un alto en el escenario, muerta.
Es menester reconocer que es una gran producción, y que dentro de su dramaturgia todo está aparentemente bien entrelazado. Pero si uno trata de ver una representación de Tosca, entonces se sufre lo indecible, ya que lo que se ve en escena no guarda ninguna relación con lo que uno escucha. Este montaje lo pueden disfrutar quienes conocen bien la obra y tienen la mente más abierta, pese a lo desesperante de saber que en realidad no se ve una anunciada función de Tosca sino un drama interesante con música de Puccini. Me parecería arriesgado que este montaje sea para alguien que no ha visto nunca una ópera en vivo, o que no haya visto ni sepa el argumento de Tosca. Y de hecho me pregunto cuántos de los que estarán viendo esta producción en Lyon estén en esta situación y terminen por no entender nada. Un montaje así no se vería, quizá, por España o Italia.
Daniele Rustioni dirige bien a la Orquesta de la Ópera de Lyon, aunque con algunos desajustes poco puccinianos en la sección de viento. El Coro realizó una prestación magnífica en el Te Deum.
Angel Blue es una excelente Tosca. La voz es muy bella y tiene un exuberante timbre de voz, con un timbre dramático apreciable. El grave es impresionante, aunque a veces sea en este registro donde a veces puede anotarse un poco su pronunciación anglosajona del italiano, aún siendo muy buena. El Vissi d'arte fue para el recuerdo, así como en todo el primer acto y el agudo en el tercer acto. Un gran descubrimiento.
Joseph Calleja es un tenor con la voz demasiado heroica para Cavaradossi, pero además esta suena ya un poco desgastada (por ejemplo en agudos como el de La Vita me costasse) pese a que tiene volumen. A veces uno se pregunta si como le pasaba a Villazón, intenta imitar un poco a Plácido Domingo. En el E lucevan le stelle realizó un canto en el que se alternaban los pianissimos con notas emitidas plenamente.
Alexey Markov es un Scarpia apreciable, con la interpretación bien integrada a las intenciones de la dramaturgia.
A sus 71 años, Catherine Malfitano vuelve a los escenarios de la forma más peculiar imaginable. Y sigue siendo una gran actriz, incluso a la hora de abordar las escenas más difíciles de entender. Verla recordándose a sí misma y enseñando a las nuevas generaciones puede resultar desolador por momentos. Además de las frases en el dúo de Tosca y Mario del primer acto, el montaje le reserva la canción íntegra del pastorcillo del tercer acto. La voz aparece avejentada, pero indudablemente es la suya, con los restos de ese timbre angelical, casi de ruiseñor, que un día tuvo, aunque resquebrajado por la edad.
El mayordomo estuvo a cargo del joven actor Jean-Frédéric Lemoues, proveniente de una escuela de teatro.
El resto del reparto cumplió con su cometido a buen nivel.
