Performing Wagner in Covid days? It's a miracle! Siegfried's successful return to Teatro Real, Madrid.

Last year, the Die Walküre opera performances at the Teatro Real were the last ones at its stage before the world stopped due to Covid-19, in which theatres were full, no masks and no safety distances. One year later, all these handicaps are preventing many opera houses still to perform, and they choose to stream audienceless performances instead, or even to re-open. In such circumstances, to perform Siegfried seemed impossible, and many were sceptical when it was announced in the 2020-21 season last June, with Madrid still in the last days of lockdown.

And Teatro Real did succeed, even when the country is still facing the third Covid wave, as the artistic manager Joan Matabosch has stated no reduction either in orchestra or length was considered. As a result, musicans have been distributed in the parterre balconies ( Harps, percussions, tubas), offstage (English horn) or even in the upper zones (the soprano singing the Forest bird). In the entrance, the staff offer to the spectators the possibility of take another mask after the second act.

                                  

                                 The orchestra distribution for this run of performances

In December 2003, the previous Madrid production of the Ring featured an interesting direction by Willy Decker and an inspired conducting by Peter Schneider, as well as a great cast featuring Stig Andersen as Siegfried and Hanna Schwarz as Erda, being the best journey of that irregular Ring.. Seventeen years later, the sensation of equilibrium is the same, even surpassing in some aspects.

Siegfried is the opera of hope: the hero is the breeze needed after the undesired confrontation between humans and gods, and the psychological defeat in Walküre. His deeds fill the action with rays of optimism: these are the last moments of happiness before the destruction in the next journey, indeed the final words of the Siegfried and Brünnhilde "Lachender tod" are an ominous prediction. Everyone is expecting him: the good ones to the brave one who will restore the order disrupted by the failure of Wotan's pacts, and the evil ones to get Fafner's treasure and regain power. He doesn't know fear, and his unexperience and arrogance will help him to defeat everyone, despite their experience and age. However, his behaviour could seem controversial: Wagner's young hero is actually a brat. As a teenager, his actions are quite impulsive, he is not very intelligent, but as the chosen one, his violence, ingratitude and rudeness towards Mime in the first act becomes unsettling for a modern spectator, even when the nibelung is evil, hates the hero and only wants him to get the treasure; or towards Wotan in the third act, ignoring that old man is his grandfather. Only Brünnhilde is able to stop him, when he experiments fear for the first time prior to awake her and then the love of her divine beauty. 

Robert Carsen takes all this to his vision of an ugly, polluted, corrupted, hopeless post-apocalyptic world, in which only decay is possible, ironizing Wagner's optimistic vision. During the first two acts, the forest is present. This forest is deprived of any green, as only cut trunks are replacing the complete trees. The grass is replaced by a yellow wasteland. In the first act, Mime's caravan (a recurrent element in modern productions of this opera) sets in the middle, with their dirty furniture outside, even an old wash machine in which Nothung is kept. Siegfried is dressed with militar clothes, like his parents, implying that humans are militarized in Carsen's vision. In Act 2, Fafner's appearances are the highlights: the first one with a dance of lights, in a masterful work by Manfred Voss, conveying the menace from the sleeping dragon. In the confrontation with Siegfried, two loader machine buckets spreading smoke represent Fafner's mouth, before appearing in his human form, bloodstained. Act 3 begins with Wotan's palace, now abandoned. Erda is a housekeeper, conjured by a drunk Wotan. The peak of this staging is the Valkyrie Rock. We see again Brünnhilde slept, surrounded of the remains of old words and weapons of the heroes she and her sisters used to take to Walhalla. Siegfried crosses virtually the fire, a fine line of actual fire, easy to cross.

Pablo Heras-Casado's rendition with the orchestra of the epic score is so far his best one in this Ring. His conducting has taken from the musicians an spectaular sound, specially from the complete wind section, which were supreme in the Act 1 prelude and in the English horn solo during the Forest Murmurs. The Brass section was superb too in the Siegfried's horn solo and in the Fafner scenes. Act 2 prelude was also magnificent, conveying the darkness, sinister mood of the dark forest. Clarinets performed very well, with their sound recreating an intimate ambiance before the hero realizes the warrior is not man. In Act 3 the orchestra was in full performance, with a powerful version of its prelude, with the strings shining at their best, and the Brünnhilde's awakening as an emotive, ecstatic moment. 

Andreas Schager sings the title role. Known to the audience for his Rienzi and Tristan performances in Madrid, the Austrian tenor is one of the few tenors able to resist and succeed with the extremely difficult score. He knows the chracter's psychology at every detail, and his acting conveys Siegfried's impulsiveness, courage, even his comic side. His voice sounds heroical and youthful. In the Forging scene his singing is powerful, but he has some trouble in few high notes. The Forest murmurs were sung in a tender, but reserved singing, showing the innocence of the young hero at wondering about his origins. As mentioned before, he reserved his voice for the final scene, in which his singing is shown at its peak, with a heroic intonation, great volume, beautiful tone and resistance. 

Andreas Conrad is a great Mime, with a grotesque sound and accomplished singing, but he lacks sometimes the volume. On the other hand, he can manage to sing an impressive low register, specially in the line "der Niblungen Hort hütet er dort", almost like a baritone.

Tomasz Konieczny reprises his Wotan of last year, now as The Wanderer. His singing can be noble, with a big volume and good singing, but in the first act he sounds gutural, as well as in his invocation to Erda. However, during his duet with her and specially in the monologue Dir unweissen ruf'ich ins ohr he regained authority, with a well projected singing. In his acting he portrays an elegant, wise man observing how events are developing.

Ricarda Merbeth reprises the role of Brünnhilde too. Despite her good taste at singing, the high tessitura of her character in this opera seems too much for her voice, and the high notes suffer from this, specially in the line "Heil dir, licht". Her rendition of Ewig war ich was, on the other hand, sung exquisitely, as well as the final high note, well heard throughout the hall.

Martin Winkler has a gutural, villainesque voice for Alberich, specially in his first monologue In wald und nacht, but he had good moments with his big-volumed, well-projected low register, in the terrible line der Welt walte dann ich, as well as in his duet with Mime.

Jongmin Park was, by far, the best singer in the cast. The Korean bass has a dark-toned, big-volumed bass voice, portraying an impressive and scary Fafner. Okka von der Damerau as Erda has a good voice, but not suitable for the goddess, lacking some volume. This singer has a nice tone (as she is an accomplished lieder singer), even some beautiful low notes, but she didn't sound as mystical and imposing as the wise goddess. Leonor Bonilla sang the role of the Woodbird, a beautiful voice coming from the upper zones of the theater, with a sweet tone.

To enjoy a live performance of a Wagner opera in the difficult, challenging present days is a gift, and we the spectators of Madrid audience could consider ourselves as privileged. By performing a Wagner opera, much to the admiration of many audiences throughout Europe with their theatres closed, the Teatro Real has put itself in the international opera map again. All wagnerians, opera-fans and opera houses are looking to Madrid right now.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me. Any reproduction of my text requires my permission.

Sigfrido en el Teatro Real: El milagro de representar a Wagner en tiempos de pandemia.

Representar a Wagner siempre es complicado. Y más en estos tiempos de pandemia, distancias de seguridad y mascarillas, de casos de contagios que suben y de vacunas que no llegan a tiempo. Los teatros están cerrados en su mayoría, ofreciendo en el mejor de los casos streamings en directo de funciones sin público. Cuando la temporada 2020-2021 del Teatro Real se anunció en junio del año pasado, con la ciudad aún en desescalada del largo y duro confinamiento, la gran pregunta que surgía era cómo llevar a cabo este Sigfrido en la normalidad. Se antojaba imposible, con el mismísimo Bayreuth cerrado. 

Sin embargo, el Real ha vuelto a superar la prueba. Con el país aún en la tercera ola del virus, el teatro ha apostado por seguir adelante con la programación. Como ya dijo el director Joan Matabosch, nunca estuvo sobre la mesa la idea de hacer una versión reducida. El resultado ha sido el situar a la orquesta en otras zonas del teatro, especialmente ahora que hay reducción de aforo. De este modo, hay instrumentos que suenan fuera de escena, a la soprano que interpreta al pájaro del bosque la han hecho cantar en la sala de espera de encima de la tribuna, y  en los palcos de platea de han situado a las arpas y percusión a un lado, y a las tubas y demás grandes instrumentos de viento metal en otro, distribuyéndose de este modo:

                                 

Hace 18 años, en la anterior producción de este ciclo en el Real, Siegfried contó con un reparto con grandes nombres como Stig Andersen en el rol titular y la mítica Hanna Schwarz como Erda, y tanto la  dirección musical de Peter Schneider como la escénica de Willy Decker que estuvieron inspiradas, siendo la mejor jornada de aquél irregular anillo. En esta ocasión, se vuelve a tener la misma sensación de equilibrio, incluso supera a su antecesor en varios aspectos.

Como en las jornadas precedentes del presente ciclo, también llamado el "Ecoanillo", Robert Carsen continúa con su visión de la épica musical wagneriana en un mundo contaminado, sin solución, sin futuro, sin belleza, donde solo el declive es posible. Siegfried es la ópera de la esperanza. Tras los conflictos de intereses entre dioses y humanos, entre lo que los personajes desean y terminan haciendo finalmente, después de que los problemas y sufrimientos de los personajes se crucen de manera trágica y decisiva en La Valquiria; la aparición del héroe destinado a salvar a los dioses y al mundo trae un soplo de aire fresco a esta historia.

Sigfrido es el nieto del dios, el cruce entre la estirpe humana y la divina, el elegido para resolver los enfrentamientos y asuntos pendientes que Wotan deja a consecuencia de sus pactos. La intrepidez, aunque también la impulsividad del héroe impregnan el ambiente de positividad. Son los últimos momentos de felicidad antes de la destrucción que se avecina en la jornada siguiente. Criado por el nibelungo Mime, el joven welsungo que desconoce el miedo, y otras cosas de la vida, matará al dragón y se convertirá en custodio del tesoro del nibelungo, algo a lo que están a la espera tanto los buenos, que ven al muchacho como la restauración del orden,  como los malos, que lo ven como su vía de acceso al botín, y al poder. A todos les interesa lo que haga él. Solo Erda, Fafner, y Brunilda por estar dormida, si bien al haber pedido que la despierte quien no conozca el miedo, está implícito que el hijo valeroso de los welsungos  sea el único capaz de despertarla. Y al final lo consigue, despertando a la valquiria, y tras algunas reticencias de esta, haciéndola su mujer. La unión de humano y divino se consigue con esta pareja, terminando la obra con un júbilo incontenible, aunque las palabras finales "muerte sonriente" que los amantes cantan a dúo son un anticipo de lo nada halagüeño que está por venir.

Carsen toma todo esto para llevarlo a su mundo de fealdad, haciendo más irónica esta esperanza, en un entorno donde nada parece advertirla. Durante la mitad de la obra, el  bosque estará presente, con un suelo amarillento, yermo, del que emergen troncos de árboles partidos a la mitad. En el primer acto, en medio de ese bosque se encuentra la destartalada caravana donde viven Sigfrido y Mime (un elemento ya recurrente en otras producciones), que se suma a su sucio campamento, donde la fragua, una lavadora donde el enano guarda celosamente la espada Nothung partida en dos, y el mobiliario. Mime aparece sucio, grasiento, de pasar tanto tiempo forjando espadas, y Sigfrido aparece con el mismo traje militar de sus padres (lo que da a pensar que la sociedad humana de este futuro postapocalíptico está totalmente militarizada), con una actitud chulesca, violenta e impulsiva como la de un adolescente malcriado. Siempre ha sido controversial la actitud de Sigfrido en la obra: pese a la maldad de Mime, resulta chocante la violencia y mala educación del héroe para con él, del mismo modo que su irreverencia, que le valdrá para derrotar a quienes se interponen en su camino. Para un espectador moderno, el joven y valiente protagonista que Wagner ideó, puede llegar a ser un mocoso insolente e insoportable.  En cambio, Wotan, como el Viandante, es elegante, noble y sabe actuar desde la distancia. Al final del primer acto, cuando Sigfrido termina de forjar su espada, muestra su poder golpeando la caravana, que se abre dejando descubierto su interior, y provocando un enorme estruendo.

                                

El segundo acto, muestra el bosque de árboles rotos, sin nada de verde. En la primera intervención de Fafner el escenario se oscurece y hay un baile de luces, gracias a la magnífica iluminación de Manfred Voss, quien consigue transmitir el miedo. En el enfrentamiento de Fafner y Sigfrido, el dragón es representado por dos palas mecánicas que representan las fauces de la bestia, a la que el héroe golpea con su espada, y del que emerge Fafner en su versión humana, totalmente ensangrentado. En el dúo final de Mime y Siegfried, Mime aparece como un camarero desaliñado, que ofrece a Siegfried un pastel envenenado, pero termina cayendo encima de él, cuando el protagonista le asesina tras saber que intenta acabar con él. El tercer acto muestra el palacio de Wotan, ahora abandonado. El dios bebe mientras recuerda tiempos mejores. Erda aparece como una mujer de la limpieza, que dormía oculta tras las sábanas que cubre uno de los sofás de palacio. Tras el diálogo con la diosa, aparece Sigfrido, buscando a la valquiria en el palacio de su abuelo.

El cuadro final es el mejor resuelto: personalmente creo que la roca de las valquirias es lo más logrado de lo que llevamos de Anillo. Volvemos a ver a Brunilda dormida entre los restos de antiguas espadas y escudos que antes dejaban los héroes que ella y sus hermanas llevaban al Walhalla, y con ese hilo de fuego real al fondo del escenario, que ilumina toda la escena, y que Sigfrido atraviesa de verdad (puesto que las llamas son pequeñas y fácilmente atravesables). Cuando el héroe besa a la semidiosa para desperarla, se tumba a su lado mientras ésta se despierta de su letargo. El éxtasis amoroso es palpable en esta versión, que explota la alegría desbordante y la ternura de la pareja, con la iluminación ligeramente anaranjada que resalta el suelo yermo donde Brunilda yacía, como un recordatorio del inmundo entorno donde tiene lugar este amor.

Pablo Heras-Casado consigue su mayor logro con la Orquesta del Teatro Real en lo que llevamos de Anillo. El director granadino firma una versión espectacular, extrayendo de los músicos un sonido épico. El viento ha logrado una de sus mejores prestaciones, posiblemente en mucho tiempo. Ya en el preludio del primer acto sonó maravillosamente, transmitiendo la oscuridad de la cueva de Mime en ese pasaje. Las cuerdas en un principio parecían sonar tímidamente, pero muy pronto entraron en calor, para lograr un sonido brillante a lo largo en toda la obra. El final del primer acto fue prácticamente apotéosico pese a alguna descoordinación en la última nota. El preludio del segundo acto fue otro de los grandes momentos, con la orquesta bordando lo tenebroso del pasaje. Los murmullos del bosque fueron abordados con exquisita sensibilidad, destacando el corno inglés fuera de escena con un poderoso sonido recreando el fallido intento del héroe de comunicarse con el pájaro con una caña. En el tercer acto la orquesta estaba ya en plenitud, desde el preludio, con una enérgica versión, e igualmente en el interludio. Un momento muy bello fue el solo de clarinete antes de que Sigfrido se de cuenta de que Brunilda no es un hombre, con una interpretación dulce, íntima. El despertar de Brunilda fue un momento emotivo, de éxtasis. Y así continuó la orquesta hasta el final de la obra. La orquesta se supera una vez más respecto del anterior anillo.

Andreas Schager interpreta a Sigfrido. Habitual de producciones wagnerianas en la capital, Schager es de los pocos capaces de hacerle frente al inclemente personaje. Y en esta ocasión ha salido del paso, aunque no sin dificultades. Su voz suena por momentos juvenil, por momentos heroica, pero resistiendo a la orquesta y la inclemente tesitura. Conoce los entresijos del personaje, y transmite su lado más inocente, espontáneo aunque también insolente, en una magistral actuación. Se reserva para los momentos más importantes, aunque en la zona muy aguda tiene algunos problemas, que le pasan factura en la escena de la fragua. Este primer gran momento del héroe es abordado por Schager con una voz potente y bien proyectada, pero en los Hoho, Hohei finales el agudo en ocasiones le abandona. En el segundo acto, el tenor austríaco vuelve a reservarse para los Murmullos del bosque, que aborda de forma tierna, sensiblemente cantada, para estar a plena voz en el resto del acto. Es para la gran escena final donde reserva lo mejor de sí, con una gran interpretación tanto a nivel musical como escénico, aunque en el Lachender tod final la última nota se le acorta. Una suerte haber contado con un tenor solvente y que no suena mal: esperamos volver a verlo en el Ocaso.

Andreas Conrad es un Mime estupendo en lo vocal, y su timbre grotesco casa con el enano siniestro, aunque el volumen no le acompañe siempre, siendo en varias ocasiones tapado por la orquesta. No obstante, sorprende el grave que es capaz de imitar en su monólogo inicial, casi de barítono, en la línea "der Niblungen Hort hütet er dort". A nivel actoral transmite el servilismo y comicidad del nibelungo.

Tomasz Konieczny interpreta al Viandante, la falsa identidad que usa Wotan para moverse por el mundo. El timbre llega en ocasiones a ser gutural, pero también sabe cantar con nobleza, que explota muy bien en el primer acto. El volumen es generoso, posiblemente una de las voces que mejor corren por la sala. En el tercer acto, durante su invocación y en el dúo con Erda, es donde deslumbra con su timbre autoritario, potente, con un grave destacable, si bien podría ser que suene mejor en Sigfrido que en Valquiria.

Ricarda Merbeth es Brunilda. Posiblemente la tesitura del personaje en esta obra no sea el más adecuado para su voz. Si bien sabe cantar con gusto, algo que se refleja en el aria final Ewig war ich, que acomete tierna y solventemente, el agudo le es problemático, especialmente en el despertar, con la línea "Heil dir licht" con un sonido poco grato. El agudo final consigue salvar los muebles en esta interpretación, en la que al menos como actriz transmite la felicidad y la fragilidad de la valquiria.

Martin Winkler es Alberich. Su voz es gutural, a veces de villano cómico, pero tiene buenos momentos, especialmente en los dúos con Wotan, donde canta con un grave imponente la temible línea "der Welt walte dann ich!". También se destacó en el dúo con Mime.

Jongmin Park como Fafner es posiblemente el intérprete más destacado del reparto. Su poderosa, grave, de ultratumba, voz de bajo profundo suena rotunda y potente. El estupendo e imponente grave estremece a la sala. 

Okka von der Damerau es una Erda insuficiente. Si bien la voz es buena, el timbre no es lo suficientemente oscuro para este personaje, aunque el grave no suene tan mal, pero el volumen no le acompaña. 

Leonor Bonilla interpreta, fuera de escena, al Pájaro del Bosque, con una bella y dulce voz desde las zonas más altas del teatro.

Disfrutar de una buena función de Wagner en estos momentos es un privilegio teniendo en cuenta que la pandemia tiene la mayoría de teatros de ópera en Europa con el telón bajado. El Teatro Real se ha vuelto a poner en el mapa lírico internacional con este Siegfried sieneo capaz de representarlo en tales circunstancias.  Todos los ojos wagnerianos y líricos a nivel internacional miran en este momento a la capital española.

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Crítica/Review: Pierrot Lunaire desde la ópera de Hamburgo (ESP/ENG)

Durante el otoño pasado, en la ópera de Hamburgo tuvieron lugar representaciones de un programa doble:  el Pierrot Lunaire de Arnold Schönberg y La voz Humana de Francis Poulenc. El teatro ha lanzado en streaming la primera parte del mismo, con la banda sonora de las representaciones y una película animada en 3D (que sirvió de acompañamiento en las mismas) a cargo de Louis-August Krawen.

La película de Krawen muestra la interacción de la obra con la naturaleza, en la que la luna tiene un enorme protagonismo, así como la de Pierrot, representado aquí como el hombre moderno, con el entorno que le rodea, en este viaje espiritual a través de las pasiones, la blasfemia y la introspección, que Schönberg sacó de poemas de Albert Giraud. En la primera parte se ve la naturaleza, la luna, minerales, y tres personajes que actuarán en las dos restantes. En la segunda y tercera parte vemos una imponente infraestructura de una ciudad moderna, propia de una película de ciencia ficción, así como imágenes de ese edificio, con un impresionante concierto de DJ con luces estroboscópicas. Al final, cuando Pierrot regresa a Bérgamo, aquí un islote en medio del inmenso mar, este se aleja pasando de la oscuridad de la noche, a un rosa liláceo amanecer que da un color pálido al mar. Una recreación brillante, que teletransporta las emociones de la obra a una época moderna, haciéndola muy entretenida.

Kent Nagano dirige brillantemente el conjunto orquestal, acompañado de tres voces femeninas, una para cada parte. La primera es cantada por la mítica Anja Silja, de 80 años, y referencia absoluta en esta obra y este repertorio. Silja declama la obra con un dramatismo visceral, y su voz ya avejentada (que inevitablemente refuerza este histrionismo) aún presenta sonidos del que fue su tan característico timbre, del mismo modo que su abierto pero impactante agudo aún parece asomarse en algunos momentos.  La segunda parte fue recitada por la soprano Nicole Chevalier, con una voz desgarrada, y la tercera por Marie-Dominique Ryckmanns, con una agradable voz de soprano de coloratura, algo tan paradójico para la tormentosa y poco agradable tercera parte.

Es de agradecer que este streaming nos permita ver la obra maestra de Schönberg como nunca antes la habíamos visto, y volver a escuchar, aún en su vejez, a una de las divas más grandes de la segunda mitad del siglo XX, en una música en la que es una total autoridad.

Enlace para ver el streaming completo en Youtube.

Last Fall, in late October 2020, the Hamburg Opera held performances of a double program, featuring Arnold Schoenberg's Pierrot Lunaire and Francis Poulenc's La Voix Humaine. The opera house has released the first one on streaming, with the soundtrack from the performances accompanying a 3D animated film by Louis-August Krawen, which was the set design itself for the show.

Krawen's film shows the interaction of the work with nature, with the Moon as a major character, as well as Pierrot's, here represented as modern men, with any environment surrounding him, in this spiritual journey through passion, lust and blasphemy from the poems by Albert Giraud. Schoenberg's atonal music sets the high-class cabaret-style ambiance for this introspective and deep texts. In the first part of the film, nature is represented, with the moon, the forest, minerals and three men which will be starring the next parts. The second part represents the modern world, with an imposing sci-fi city structure, even an atomic explosion and a dj concert with strobe lights. In the third part, nature is back, and Bergamo, where Pierrot returns, is represented as a big island in the middle of a vast ocean. At the end, the darkness gives way to pink-purpled sunrise. A brilliant recreation, transporting to a modern point of view the emotions from the work, making it quite entertaining.

Kent Nagano conducts brilliantly the orchestral ensemble, presenting three female voices, each one singing one part. The first one features the legend diva Anja Silja, a total reference in Schoenberg's music and in this work. Silja declamates the work with a dramatic intensity. Her voice is aged, but still we can get flashes of her former characteristic  singing: sometimes we still recognise her youthful sound and her opened but intense high register in some moments. The second part was recited by Nicole Chevalier, in a tormented, broken performance. The third one featured Marie-Dominique Ryckmanns, with a nice coloratura tone, a paradox considering the  nature of this work.

This memorable performance presents Schoenberg's masterpiece as we had never seen it, and gives us the chance to listen one of the greatest divas of late 20th Century, in a music in which her name is a synonym of finest accomplishment.

Here is a link to watch the full streaming on Youtube.

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Review/Crítica: Coffee, Gin, and Murder: A guide to quarantine in 24 m2 (ENG/ESP)

 

During the long global lockdown in the 2020 Spring, when the world was stopped and the return of operatic life seemed to be still far (still is in some countries like the US), in the city of Wuppertal the transgender woman Lucia Lucas and her wife Ariana Lucas filmed a modern version of the duet of Erda and The Wanderer (Wotan ¡, the father of gods) from the Richard Wagner's opera Siegfried. The project is called Coffee, Gin, and Murder: A guide to quarantine in 24 m2. Filming took place at the artists' own home. There are references to the Tetralogy like a painting of the three Norns designed by Ariana Lucas, a gin bottle named "Siegfried", among others. The film has a musical accompaniment by Rainer Armbrust.

The action is set in a modern city. Wotan arrives at Erda's flat in hurry. He enters by forcing the door. Then, he takes off the mask, the gloves and washes his hands: the new ritual to prevent virus. Erda is awaken from her own bed, and the duet becomes an argue, ending in her death, murdered by Wotan. After his monologue meditating about Brünnhilde and Siegfried, Wotan leaves Erda's corpse in her bed and leaves.

Lucia Lucas is an American woman transgender baritone, the first one to protagonize a production in an important opera house in her country, Don Giovanni in the Tulsa Opera. After her transition, she kept her baritone voice, and having a successful career: she has sung wagnerian and verdian roles, and she was scheduled to sing Billy Budd at the Metropolitan Opera, being the first transgender opera singer singing at its stage, sadly cancelled due to the pandemic. In this occasion, she sings Wotan. Her voice is big-volumed, with a beautiful low register, with some tones reminding John Tomlinson or Alan Titus' voices. She gives her singing the authority, experience of the veteran god.

Ariana Lucas is a great contralto, with a nice, dark-toned voice, and dramatic low notes, with an exquisite diction, rendering an unforgettable version of her entrance "Stark ruft das lied".

Almost one year later, Covid-19 is still hitting the world, and most of opera houses and venues are giving streamings, with no audience, of complete performances. In the challenging last spring, the only option was the house of the artists, which gave the music lovers some instants of music, in hard times.

Here is a link to watch the complete show on Youtube.

                    

Durante el largo confinamiento en la primavera pasada, cuando el mundo estaba encerrado en casa y algunos países tímidamente retomaban su vida cultural, en la ciudad de Wuppertal, el tándem artístico -matrimonio en la vida real- formado por las cantantes Lucia y Ariana Lucas filmaron un cortometraje con una adaptación del dúo del Viandante (en realidad el dios Wotan) y Erda de la ópera Siegfried, de Richard Wagner. El proyecto se llama Coffee, Gin, and Murder: A guide to quarantine in 24 m2, que en español significa "Café, ginebra y asesinato: una guía de cuarentena en 24 m2". El  rodaje tuvo lugar en la casa de las artistas, y para este montaje se han creado referencias como un dibujo de las tres nornas, por Ariana Lucas, así como una botella de ginebra con el nombre de "Siegfried", entre otras cosas. El acompañamiento de piano corre a cargo de Rainer Armbrust.

Esta versión transcurre en una ciudad moderna. Wotan llega apresurado al domicilio de Erda, edificio donde al parecer viven todos los personajes del Anillo. Al llegar a su casa, se quita la mascarilla, los guantes y se lava las manos, que es el nuevo rito de limpieza para prevenir el virus. Levanta la sábana de la cama donde duerme, y mientras  él prepara un café. El dúo de conjuro a la diosa de la sabiduría aquí se convierte en una discusión; y ante las evasivas de Erda, el dios termina asesinándola. Tras reflexionar y mostrarse optimista por el futuro, es decir el encuentro entre Sigfrido y Brunilda, Wotan cierra la casa y deja cuidadosamente el cuerpo de Erda en la cama, tras lo cual deja el lugar.

Lucia Lucas es una cantante transgénero estadounidense, quien tras su transición a una identidad femenina, ha podido mantener su voz masculina de barítono; con la que ha hecho una importante carrera. Ha sido la primera artista trans que ha protagonizado un montaje en su país, y ha interpretado varios roles wagnerianos y verdianos en Alemania, donde vive actualmente. Además, ha sido también la primera cantante transgénero en ser contratada por el Met de Nueva York, un pequeño rol en la ópera Billy Budd, cancelado por la pandemia. En esta ocasión interpreta a Wotan, con su estupenda voz, y momentos de un gran nivel y con algunos sonidos que recuerdan a John Tomlinson o Alan Titus, capaz de unos graves bellos, dando al personaje una capa de experiencia, autoridad propias del jefe de los dioses. 

Ariana Lucas, su esposa, es una contralto apreciable, un tono oscuro y graves aterciopelados, y una dicción exquisita, con un "Stark ruft das lied" para el recuerdo.

En aquellos días, cuando la vuelta a los teatros se aún antojaba lejana, y el mundo se detuvo, muchos artistas tuvieron a bien alegrarnos la vida con estos entremeses musicales desde la intimidad y acogida de sus domicilios. Y fue de agradecer, en esos difíciles momentos.

Aquí hay un enlace para ver el vídeo entero en YouTube.

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