Passion after joy: Nina Stemme's all-Wagner recital at the Teatro Real.

Madrid, May 26, 2024.

May has been a month for joy in Madrid. Never before have we laughed so much about the lyrical scene: First, Wagner's Meistersinger at the Teatro Real, whose last performance took place last night, in a better rendition than the first ones, closing an already historic production, worldwide streamed, and hoping that it won't take another two decades until we see it again in our city. Then, the famous zarzuela La Verbena de la Paloma, by Tomás Bretón at the Teatro de la Zarzuela, a spectacular production that was a feast for the senses, and in festive days, as Madrid's day was near. And finally, Johann Strauss' Die Fledermaus at the Teatro Monumental, the classic Viennese operetta that always brings a smile with its cheerful music. However, Wagner's music has made a last cameo appearance at the Teatro Real.

"May Hella retain Ninna (sic) Stemme" 

This is what Ángel Fernando Mayo, writer, critic and the most eminent Wagnerian in Spain in 20th century, wrote in a commentary on the Ring at the Bayreuth Festival in 1994, included in his reference "Guía Wagner" (still the main Wagner discography book in Spanish language), on Nina Stemme's performance, who sang the role of Freia in that production. Mayo passed away in 2003, and one wonders what he would have said if he had lived long enough to see Stemme's rise to stardom and become a leading Wagnerian performer.

Nina Stemme has been one of the leading Wagnerian sopranos of the last two decades. On stage since 1989, in 2003 she starred in  a famous Tristan und Isolde production at the Glyndebourne Festival, and two years later, she sang Isolde at the Bayreuth Festival, and recorded the same opera on a studio set for the EMI label with Plácido Domingo, two events that definitely established her on the international scene. She has been one of the greatest performers of roles such as the aforementioned Isolde, Brünhilde, Turandot or Elektra. She has sung Brünnhilde in London, in Stockholm and with Barenboim at La Scala and in Berlin at the first Ring after the pandemic in 2021, among others. She recently bid farewell to the role of Isolde in Palermo. At the Teatro Real, she sang in a recital in 2009, and an unforgettable Salome in 2010 that remained in the memory of all those who saw it live. Since then she has not returned to the Teatro Real, despite having been announced to sing Turandot in 2018, but she was finally replaced by her compatriot Iréne Theorin. Accompanied by the maestro Gustavo Gimeno, future of the Teatro Real from 2025, she returns to Madrid for a recital entirely dedicated to Wagner, with excerpts from Tristan und Isolde and Götterdämmerung, very important operas in her career. In addition, the Teatro Real Chorus performed a rarity from the Wagnerian catalogue, "Das Liebesmahl der Apostel", a choral work.

This was the program:

PART I

Das Liebesmahl der Apostel

Tristan und Isolde: Prelude and Liebestod  

PART II

Götterdämmerung: 

 - Dawn

 - Siegfried's journey through the Rhine 

 -  Funeral March

- Starke Scheite schichtet mir dort» (Brünnhilde's Inmolation)

Encore: "Träume" from the Wesendonck Lieder.

Stemme made her entrance in the first part, only to perform the Liebestod from Tristan und Isolde. Regarding that she is already past her prime, Stemme maintains her powerful vocal flow, even bigger than what she showed in her 2010 historical Salome, but the high notes were they were shouted, and the singing was too vibrant, despite her sensitive intonation.

However, everything changed when she appeared in the second part to sing the Brünnhilde's Inmolation, from another role that unfortunately she doesn't sing on stage anymore. Despite the aforementioned limitations in the treble, Stemme gave an exciting performance. Her stage presence, her mastery of the character, both in her authoritative presence and in the way she sings it, still maintaining the low voice, and even exquisite taste when singing the most intimate moments. From the first phrase, "Starke Scheitet mir dort" one noticed the authority she conveyed, as did some of her legendary compatriots who were great singers of the role in the past. In the most intimate moments, such as "Wie Sonne lauter strahlt mir sein Licht", the beautiful, dark middle register, merged into a tender singing, in which Brunnhilde complains of having been betrayed by Siegfried. From "Fliegt heim, ihr raben", the scene becomes more tragic because Brunnhilde prepares the pyre where she will thrown herself, Stemme sings in a passionate and spectacular way, given her mastery of the character, despite the high notes limitations, which were still better than those ones in the Liebestod.

Against all odds, since one would not imagine it after having sung such a scene, there was an encore: the beautiful "Träume" from the Wesendonck Lieder, which she performed deliciously and with a velvety-toned singing.

The Teatro Real Orchestra, very inspired after nine excellent performances of Die Meistersinger, was excellently conducted by Gustavo Gimeno. Excellent string sound in the Prelude to Tristan und Isolde, as well as in the first two interludes of Götterdämmerung. The excellent woodwind and brass sections of this orchestra shined in the second part, with the brilliant clarinet in the Prologue interlude and then in the Funeral March. As for the Finale, with the destruction of Walhalla, which is always exciting, moving to listen to, the orchestra took faster tempi, without enlarging the final flute note which usually gives a moving sensation. The Träume that was slow in tempi, but with a warm, delicious sound, as much as Stemme's performance.

The choir was the other protagonist of the evening, because the program included the spectacular, and rarely performed choral work "Das Liebesmahl der Apostel" (The Feast of Pentecost), which Wagner premiered in 1843, at the Frauenkirche in Dresden. This work is unique not only because of the enormous choir and orchestra it requires, but because the first half of it is sung a cappella. Despite its popularity, being in fact part of the male choral repertoire during the rest of the 19th century in Germanny, Wagner disowned this work. A pity, because it deserves to be performed very often. Although it may sound like a sacred choral work, it is actually a dialogue between the apostles and the disciples, who need the strength of God to spread His message in the world. This inspiration comes with a beautiful intervention by the tenors, representing God's voice, after which the orchestra finally intervenes, to show that apostles and disciples are now radiantly motivated, to fullfil their evangelizing mission. Musically it is reminiscent of Tannhaüser (which Wagner was composing at the same time) and Lohengrin at an orchestral level, but the a cappella part sometimes seems to announce the Grail scene from Parsifal. As expected with this great Teatro Real Chorus, the group was up to the task. Despite being located at the back of the stage, which took away a bit of their sound in the a cappella part, they managed to convey their powerful voices without accompaniment, in a somewhat religious experience. An interesting scenic effect took place during God's intervention from above, so well defended by the tenor section, the hall was illuminated, as well as the "sky" that is projected on the lamp from the beginning of this season. After the orchestra intervened, the choir was somewhat covered by it, but it resumed its spectacular sound at the end. A memorable intervention and another milestone in the career of this great choir, which I hope one day we will see again in this piece.

Big ovations were heard for Stemme after the Immolation, as well as for the chorus after the first part. Many of those who were in the room yesterday were usual operagoers, still remembering that 2010 Salome. It seems that Stemme is already in the final stage of her career, so she offered a beautiful rendition of the Götterdämmerung finale. So, thus finished a "Wagnerian" weekend, and Madrid has to say "goodbye" to Wagner for a while, since next season there is no performances of any of his operas, just a vocal recital by Michael Volle.

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Wagneriano y emotivo reencuentro: Nina Stemme en el Teatro Real

Madrid, 26 de mayo de 2024.

Mayo ha sido un mes para la alegría en Madrid. Nunca antes habíamos reído tanto sobre la escena lírica: Primero, Los Maestros Cantores de Núremberg en el Teatro Real, cuya última función tuvo lugar anteanoche, con orquesta, músicos y elenco mejorando el nivel de las primeras funciones. Se concluía así una histórica producción, y esperamos que no pasen otras dos décadas hasta verlo de nuevo. También concluía anteayer La Verbena de la Paloma en el Teatro de la Zarzuela, una espectacular producción que fue una fiesta para los sentidos, y en plenas fiestas. Y por último, El Murciélago de Strauss en el Teatro Monumental, la clásica opereta que siempre arranca una sonrisa.. Sin embargo, la música de Wagner ha sonado una última vez en el Real, ya que al menos en la próxima temporada no hay nada del maestro, salvo un recital. 

"Que Hella retenga a Ninna (sic) Stemme"

Es lo que escribió Ángel Fernando Mayo, el eminente escritor, crítico y principal divulgador de la obra wagneriana en España en el siglo XX, en un comentario sobre el Anillo en el Festival de Bayreuth en 1994, incluido en su referencial Guía Wagner, a propósito de Nina Stemme, quien interpretó el rol de Freia en esa producción. Mayo falleció en 2003, y uno se pregunta qué habría dicho si hubiese vivido lo suficiente para ver a Stemme saltar al estrellato y convertirse en una intérprete wagneriana de referencia.

Y es que esta soprano sueca  ha sido una de las más grandes, si no la más, sopranos wagnerianas de los últimos veinte años. En activo desde 1989, en 2003 protagonizó Tristan e Isolda en el Festival de Glyndebourne, y dos años más tarde, en 2005, cantó Isolda en el Festival de Bayreuth y la grabó en estudio con Plácido Domingo, dos eventos que terminaron de consagrarla en la escena internacional. Ha sido una de las más grandes intérpretes de roles como la ya mencionada Isolda, Brunilda, Turandot o Elektra. Recientemente se ha despedido del rol de Isolda en Nápoles. En el Teatro Real, cantó en un recital en 2009 y una inolvidable Salomé en el año 2010 que quedó en la memoria de los que la vieron. Desde entonces no ha vuelto al Real, pese a haber estado anunciada como Turandot en 2018, siendo sustituida por su compatriota Iréne Theorin. Acompañada del maestro Gustavo Gimeno, futuro director musical del Teatro Real a partir de 2025, regresa a Madrid para un recital íntegramente dedicado a Wagner, con fragmentos de Tristán e Isolda y El Ocaso de los Dioses, óperas muy importantes en su carrera. Además, el Coro del Teatro Real interpreta una rareza del catálogo wagneriano, "La Cena de los Apóstoles", una obra coral. El programa, por tanto, ha sido el siguiente:

PARTE I

Das Liebesmahl der Apostel

Tristan und Isolde: Preludio y Liebestod (Muerte de amor) 

PARTE II

Götterdämmerung (El ocaso de los dioses)

 - Tagesgrauen» (Amanecer)

 - Siegfrieds Rheinfahrt» (El viaje de Sigfrido por el Rin)

 - Siegfrieds Trauermusik» (Marcha fúnebre de Siegfried)

 - Starke Scheite schichtet mir dort» (Escena de la inmolación de Brünnhilde)

Bis: "Träume" de los Wesendonck Lieder.

En una tarde que se intuía que sería tan wagneriana como nostálgica, Stemme hizo su entrada en la primera parte, solo para interpretar el Liebestod de Tristán e Isolda. Al notarse que está ya en declive vocal, esta primera intervención manifestó el porqué de su despedida del rol en Sicilia. Stemme mantiene el potente caudal vocal, incluso superior al que mostró en su antológica Salomé de 2010, pero los agudos hace mucho que no son lo que eran, de hecho, resultaron gritados, y el canto demasiado vibrante. 

Sin embargo, todo cambió cuando apareció en la segunda parte para cantar la Inmolación de Brunilda, otro rol que lamentablemente ya no canta en escena. Pese a las ya mencionadas limitaciones en el agudo, Stemme se entregó para dar una interpretación emocionante. Su presencia escénica, su dominio del personaje, tanto en el porte como en la forma de cantarlo, manteniendo aún los graves, y aún un exquisito gusto a la hora de interpretar los momentos más intimistas. Ya desde la primera frase, "Starke Scheitet mir dort" uno notaba la autoridad que transmitía, como en el pasado hicieron algunas de sus compatriotas que eran grandes cantantes del rol. En los momentos más íntimos como "Wie Sonne lauter strahlt mir sein Licht" el bello y oscuro centro, terminaban en un tierno canto, en el que Brunilda se queja de haber sido traicionada por Sigfrido. Cuando a partir de "Fliegt heim, ihr raben", la escena se pone más trágica porque Brunilda prepara la pira donde se arrojará, Stemme canta de forma apasionada y espectacular, dado su dominio del personaje, pese al agudo, que aun así fue mejor que en el Liebestod.

Contra todo pronóstico, ya que uno no se lo imagina después de haber cantado semejante escena, hubo un bis: la bellísima "Träume" de los Wesendonck Lieder, el cual interpretó deliciosamente y con una voz aterciopelada. 

La Orquesta del Real, inspirada tras nueve excelentes representaciones de Los Maestros Cantores, estuvo excelentemente dirigida por Gustavo Gimeno. Excelente sonido de las cuerdas en el Preludio de Tristán e Isolda, así como en los dos primeros interludios de "El Ocaso de los Dioses". El excelente viento de esta orquesta tuvo su lucimiento en la segunda parte, con el clarinete  luciéndose en el Amanecer y luego en la Marcha Fúnebre. En cuanto al Final, con la destrucción del Walhalla, siempre es emocionante escucharlo, si bien la orquesta fue un poco rápida en la conclusión del mismo. El Träume que se dio de propina fue de tempi lentos, pero con un sonido cálido, delicioso, tanto como la interpretación de Stemme.

El coro era el otro protagonista de la velada, porque en el programa figuraba la espectacular, y raramente interpretada obra coral "La Cena de los Apóstoles", que Wagner estrenó en 1843, en la Frauenkirche de Dresde. Esta obra es singular no solo por el enorme coro y orquesta que requiere, sino porque la primera mitad de la misma se canta a cappella. Pese a su popularidad, y que fue parte del repertorio coral masculino durante el resto del siglo XIX, Wagner renegó de esta obra. Una lástima, porque merece ser interpretada muy a menudo. Aunque a priori puede sonar como una obra sacra coral, en realidad es un diálogo entre los apóstoles y los discípulos, que necesitan la fuerza de Dios para difundir su mensaje en el mundo. Dicha inspiración llega con una hermosa intervención de los tenores, tras la cual entra la orquesta en acción, para mostrar que apóstoles y discípulos ya están motivados para evangelizar al mundo. Musicalmente recuerda a Tannhaüser (la cual Wagner estaba componiendo al mismo tiempo) y Lohengrin a partir de la intervención orquestal, pero la parte a cappella a veces parece anunciar la escena del Grial de Parsifal. Como era de esperarse con este genial  Coro del Teatro Real, la agrupación estuvo a la altura. A pesar de estar situados al fondo del escenario, lo que les quitaba un poco de acústica en la parte a cappella, el poder sentir sus potentes voces sin acompañamiento, durante tanto tiempo, fue casi una experiencia religiosa. Un efecto escénico interesante fue que durante la intervención de Dios desde las alturas, tan bien defendida por los tenores, se iluminó la sala del Real, así como el "cielo" que se proyecta sobre la lampara. A partir de la intervención de la orquesta, el coro fue un poco tapado por la misma, pero retomó su espectacular sonido al final. Una intervención memorable y otro hito más en la carrera de este gran coro, al que ojalá algún día volvamos a ver en esta pieza.

Ovación cerrada para el coro y para Stemme después de la Inmolación. Muchos de los que ayer estaban en la sala eran asiduos del Real, y varios recordando aquella gran Salomé. Stemme ya está en la recta final de su carrera, y uno no puede evitar pensar que el concierto de ayer sonaba a entrañable despedida. Precisamente por eso, en la escena final del Ocaso, Stemme nos ofreció una gran Brunilda sobre el escenario,  Aun así, ha sido una tarde disfrutable tanto por ella, como por el coro y por la orquesta. Y también una despedida de Wagner después de un eufórico mes tras Los Maestros Cantores.

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Una fiesta para los sentidos, el cantar de un pueblo: arrasa La Verbena de la Paloma en el Teatro de la Zarzuela.

Madrid, 11 de mayo de 2024.

Si a mucha gente se le pregunta por algún título de zarzuela, responderá "La verbena de la Paloma". De ahí que muchos asocien el término "zarzuela" con el género chico y con el casticismo de chulapos y chulapas (tan asociado a Madrid, del que es un emblema cultural incluso en una época tan globalizada como esta, uno siente que hay esperanza al ver  cómo hay jóvenes que celebran la Verbena). Por otro lado, esta rápida asociación puede llevar a una rápida conclusión: que esta obra maestra de Tomás Bretón, con libreto de Ricardo de la Vega, sea posiblemente la zarzuela más famosa del mundo. Pocos momentos más idóneos que programarla en pleno mes festivo en la capital, con las fiestas de San Isidro tan cerca, y cuando varios madrileños se visten de chulapos y chulapas. Hacía once años que esta producción no se veía en el Teatro de la Zarzuela, cinco si contamos el rompedor y ultramoderno montaje del Proyecto Zarza, ambientado en un instituto, con jóvenes cantantes de musical y destinado a un público juvenil. 

El regreso de la "zarzuela más famosa" al teatro más importante del género en el mundo, viene de la mano de una nueva puesta en escena de Nuria Castejón. Una duración estándar de esta zarzuela está entre 45 minutos y una hora. En esta ocasión, se le ha añadido un prólogo llamado "Adiós, Apolo", escrita por Álvaro Tato, que sitúa la acción de este montaje en una de las últimas funciones del Teatro Apolo, llamado "la catedral del género chico", donde la Verbena se estrenó en 1894, y donde lo hicieron otras obras maestras como "Agua, Azucarillos y Aguardiente", "La revoltosa" e incluso cumbres del género grande como "El niño judío" o "Luisa Fernanda". Incluso tras el cierre del Teatro Real en 1925 por ruina, este teatro organizó una temporada de urgencia. Tal institución cerró en 1929, tras la venta del edificio al Banco de Vizcaya. Es aquí donde la obra de Tato tiene lugar: en los bastidores del viejo teatro, la compañía ensaya la Verbena de la Paloma. En este "teatro dentro del teatro"  asistimos a un divertido sainete sobre cómo ensaya una compañía de zarzuela en aquél 1929, retratando a la sociedad española de ese tiempo en sus personajes: el barítono donjuán y elegante, la soprano feminista y empoderada (algo que no es nuevo), independiente y dueña de su destino, la actriz de reparto que está perdida, los bailarines gais mimándose sin que nadie les diga nada, y los miembros más viejos que recuerdan una época dorada cuando trabajaban con los maestros aún vivos. Personalmente, a mí me agarra la melancolía cuando veo una zarzuela de esa época o ambientada en esa época: una década después muchos de esos personajes estarían prisioneros, exiliados, muertos o sufriendo el hambre y la represión de una atroz posguerra. Durante estos ensayos, los personajes cantan varios números populares de zarzuelas y revistas. 

Al final de este prólogo, al director le dicen "que viene el público" y éste responde: "que pase", dando inicio la zarzuela misma. La puesta en escena es tradicional, con una recreación excelente de las calles del Madrid más castizo, hasta el punto de sentirse uno en el barrio de La Latina o Lavapiés al contemplar los decorados, con el anuncio de la máquina de coser Wheeler and Wilson pintado en un mural y la fachada de la botica en madera, el café Melilla con su piano, su tablao y su decoración en azulejos. Luego la verbena, con el organillo, la guirnalda de luces redondas, y el cielo estrellado. La estética de los personajes no renuncia a los años veinte del siglo pasado, aunque los hombres lleven boina y las mujeres mantones de manila. Pero incluso aunque no sean chulapos propiamente dichos, la esencia visual de la obra se mantiene fiel. Aunque el prejuicio sempiterno que cae hoy en día sobre el género, puede hacer pensar en que se trata de una antigua obra cómica, el libreto de De la Vega aún es vigente: los celos tóxicos de Julián, el inicial desafío de Susana frente a esos celos, el viejo verde  y adinerado Don Hilarión, que hoy sería llamado "sugar daddy"y los policías que no resuelven nada, y la gente hablando diciendo lo mal que está la política... podría seguir pasando en 2024.

La música magistral de Bretón tampoco puede ser subestimable: empezando por la comedia costumbrista, que desde el preludio y luego en las coplas de Don Hilarión, cuya deliciosa música le da un protagonismo a la flauta, frente a la intensidad del tema de las cuerdas, que es de una pasión y una intensidad que anuncian la belleza de la Soleá de la cantaora a mitad de acto, así como la música tan festiva de los coros en las famosas seguidillas "Por ser la virgen de la paloma", pasando por el breve momento dramático de Rita y Julián frente a la casa, el descriptivo nocturno de los policías o la mazurca de la Verbena, dan cuenta del genio musical de Bretón, pues varias melodías de esta obra como la famosa Habanera "Donde vas con mantón de Manila" se oyen en los organillos ambulantes de la capital. Y también de su talento para la escena, ya que Bretón fue uno de tantos músicos que intentó crear una ópera nacional con obras más "serias" como La Dolores. Semejante partitura encuentra su mejor intérprete en la Orquesta del Teatro de la Zarzuela, dirigida  por José Miguel Pérez-Sierra, quien logró una vivaz dirección, con una preciosa interpretación del preludio, con un brillante viento, las cuerdas excelentes en la soleá y en el nocturno, además del espectacular metal en "Por ser la Virgen de la Paloma", que en un buen sentido, recordaban a las bandas municipales. El Coro estaba feliz de interpretar esta obra, y se notaba en su entrega, aunque el coro masculino destacó más en su famoso primer número, para luego ambas secciones equilibrarse y dar una impresionante intervención en la soleá.

En una obra tan coral como esta, la pareja principal no es realmente protagonista, sino que lo son todos los personajes, "hijos del pueblo de Madrid". De este modo, Borja Quiza sorprendió con una potente voz interpretando a Julián. Carmen Romeu interpretó a una espectacular Susana de voz más bien dramática. La veterana Milagros Martín fue una gran Señá Rita, aunque vocalmente ya está bastante madura, su experiencia en escena le permitió crear un gran personaje. Antonio Comas fue un desternillante Don Hilarión que parecía de mediana edad, quien cantó sus coplas con una excelente voz cómica. Gerardo López sorprendió con su excelente voz como Don Sebastián. Rafa Castejón brilló tanto como el director en el prólogo como el Tabernero en la zarzuela, con una excelente vis cómica que hizo reír al público. La cantaora Sara Salado logró poner los pelos de punta en la Soleá, con una bellísima versión de la misma, replicada por la Tía Antonia de Gurutze Beitia, con su voz aguardientosa y su imponente presencia, una creación de manual. Del proyecto Zarza proceden Adrián Quiñones como el apuntador y uno de los guardias, Nuria Pérez como la portera, y quien fue Susana en 2019, y Mitxel Santamarina como el Sereno, este último repitiendo el mismo personaje que cantó en aquellas juveniles funciones de hace 5 años. El resto del reparto estuvo al mismo excelente nivel.

Esta excelente producción ha enfatizado lo que representa ver una función de esta obra: una fiesta para los sentidos. La capital en ambiente festivo, el teatro lleno a rebosar, un público de mayores y bastante gente joven, viendo en escena lo que sus ojos esperan y celebran, algo que solo el principal teatro del mundo de este género puede lograr en plenitud. ¿Puede pedirse mayor felicidad? Ayer comprobé que una Verbena de la Paloma en el Teatro de la Zarzuela es un acontecimiento en la ciudad, tanto como una Traviata en el Real, entre otras cosas porque Bretón puso música a la alegría de vivir de los que vivimos en la capital española. 

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ESP/ENG: Tarde vienesa en Madrid: el poco frecuente (en España) Murciélago de Johann Strauss en el Teatro Monumental.

 

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Madrid, 9 de mayo de 2024.

La presente temporada 2024-2025 de la Orquesta y Coro de Radio Televisión Española en el Teatro Monumental llega a su fin con la opereta más popular del repertorio, "El murciélago", de Johann Strauss hijo, cuya obertura es interpretada en múltiples conciertos de año nuevo, y pasa por ser como uno más de sus conocidísimos valses. Pero es más que eso: su enredado argumento y su alegre y dulce música la convierten en una de las comedias líricas más conocidas, y formando parte del repertorio estándar en los más grandes teatros líricos. Antaño, el que se cantara en el idioma vernáculo del país donde se representaba, contribuyó a su popularidad. En Estados Unidos  y el Reino Unido hay grandes producciones en inglés. Aunque de vez en cuando se ve en los más grandes teatros líricos, no es un título muy frecuente en España. En lo que a Madrid se refiere, aunque ha habido escasas ocasiones como una versión de 2003 en concierto grabado en DVD por la orquesta que nos ocupa, en el Teatro Real se estrenó en diciembre del año pasado, en una gira por Mark Minkowski y Les Musiciens du Louvre, que también pasó por el Liceu de Barcelona, donde no se veía desde 1984. 

Por eso mismo, su programación en la temporada de ORTVE es una gran oportunidad de disfrutarla en vivo. En esta ocasión, se ha presentado, sin díalogos, en una versión semiescenificada a cargo de Enrique Viana, quien además es el narrador (ya que no hay subtítulos en el Teatro Monumental, un hándicap ya visto en La Condenación de Fausto en noviembre) y también interpreta al Príncipe Orlofsky. El esquema de la representación era de introducción al argumento, interpretación de los números de la obra y vuelta a empezar. Este hecho, además de quitar los diálogos se llevó por delante a personajes menores como Ida, la hermana de Adele, reduciendo la obra a lo más esencial.

Christoph König, en su primer año como maestro titular de la orquesta, dirige una versión animada, en la que hace lo humanamente posible, alcanzando su cénit en el segundo acto,  y en la famosa polka de "Truenos y Relámpagos", aquí usada como preludio del tercer acto. Entregada fue la interpretación del coro en sus intervenciones.

En cuanto al reparto, Anita Hartig interpretó a Rosalinde con su dulce y lírica voz, unida a una simpática actuación. Las Cszardás del acto segundo las interpretó con un bello timbre. Leonor Bonilla fue la voz femenina más destacada en su debut como Adele, con su dominio de la coloratura, y su deliciosa voz, que destacó tanto en la popular aria "Mein Herr Marquis" como en el cuplé del tercer acto, deslumbrando con sus sobreagudos. Thomas Blondelle en el rol de Eisenstein fue la mejor voz masculina de la noche, con su potente voz de tenor ligero, con un timbre cercano al spieltenor, no obstante, pero con una excelente vis cómica. Cumplidor Clemens Kerschbaumer en el rol de Alfred, con una interpretación que fue a más, aunque la voz parecía contenida en el primer acto. De acuerdo con el espíritu cómico, mientras el narrador introducía la obra, para demostrar que es tenor, intercaló fragmentos de arias de óperas italianas. Enrique Viana interpreta al Príncipe Orlofsky, -un rol habitualmente de mezzosopranos pero que algunos tenores como el mítico Wolfgang Windgassen han interpretado- con su voz ya bastante madura, que complementa con sus dotes para la comedia, ya que hizo una narración bastante divertida de la obra. Los barítonos Josep Ramón Olivé como Falke y sobre todo Marcelo Solís con su voz grave como Frank, cantaron de forma divertida y notable sus personajes.

Se hizo un bis del final (O Fledermaus, o Fledermaus, laß endlich jetzt dein Opfer aus), después de haber saludado el elenco, en un concierto en el que la sala no estaba llena, pero el público fiel a la temporada aplaudió con entusiasmo.

ENGLISH: Viennese afternoon in Madrid: the rare (in Spain) Strauss' Fledermaus at the Teatro Monumental.

Madrid, May 9, 2024.

The current 2024-2025 season of the Orquesta y Coro de Radio Televisión Española (Spanish Radio Television Orchestra and Choir) at the Teatro Monumental finishes with two performances of the most popular operetta in the repertoire, Die Fledermaus, by Johann Strauss II, whose popular overture is performed in many waltz-themed New Year Concerts  and it is as beloved as the most famous waltzes and polkas by Strauss. But this work is more than his overture: its tangled plot and its cheerful music makes it the most celebrated Viennese operetta, and it is part of the standard repertoire in many major opera houses. In the past, the fact that it was sung in the vernacular language of the country where it was performed contributed to its popularity. That is why in the United States and the United Kingdom there are famous, classical stagings in English. However, it is rarely seen in Spain. As far as Madrid is concerned, despite it has been scheduled in few occassions, its premiere at the Teatro Real was as late as December 2023, on a tour by Mark Minkowski and Les Musiciens du Louvre, which also was seen at the Gran Teatre del Liceu in Barcelona, ​​where it had not been seen since 1984.

For this reason, its programming in the ORTVE season is an absolute must-see. On this occasion, it has been offered without dialogues, in a semi-staged version by Enrique Viana, who is also the narrator (since there are no subtitles at the Teatro Monumental, a handicap already seen in La Damnation de Faust concert performances in November) and he also sings the Prince Orlofsky. Before each act and at the half, there was an introduction by the narrator. As the performance was reduced to its most essential music, all minor characters, such as Adele's sister, Ida, were cut, and that is why the performance lasted two hours including the pause.

Christoph König, in his first year as the orchestra's principal main conductor, has offered a cheerful rendition, in which he is totally devoted, reaching his peak in the second act, and in the famous "Thunder and Lightning" polka, here used as prelude to the third act. The the choir's singing was totally devoted as well.

As for the cast, Anita Hartig sang Rosalinde with her sweet and lyrical voice, combined with a nice performance. The Cszardás of the second act were performed with a beautiful tone. Leonor Bonilla was the most outstanding female voice in her debut as Adele, with her masterful command of coloratura, and her deightful voice, which stood out both in the popular aria "Mein Herr Marquis" and in the cuplé of the third act, dazzling with her high notes. Thomas Blondelle in the role of Eisenstein was the best male voice of the night, with his powerful light tenor voice, with a tone close to the spieltenor, however, but with an excellent sense of comedy. Clemens Kerschbaumer was accomplished in the role of Alfred, with a performance that improved as it transcurred, although his singing seemed a bit reserved in the first act. In accordance with the comedy mood, while the narrator introduced the work, to demonstrate that he is a tenor, he sang fragments of arias from Italian operas. Enrique Viana plays Prince Orlofsky, - a role usually sung by mezzo-sopranos but that some tenors such as the legendary Wolfgang Windgassen have done it too - with his already quite mature voice, which he complements with his comedy skills, since he gave a quite funny introduction to each act. The baritones Josep Ramón Olivé as Falke and especially Marcelo Solís with his deep voice as Frank, sang their characters in a fun and notable way.

There was an encore of the Finale (O Fledermaus, o Fledermaus, laß endlich jetzt dein Opfer aus), after having greeted the cast, in a concert in which the hall was not full, but the audience loyal to the season applauded enthusiastically.

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