Bayreuth without festival, but Wagner continues: The Bayreuth 2020 Concert at Wahnfried.

For the first time since its 1951 re-opening, the Bayreuth Festival will not take place in 2020. The reason? Once again, the Coronavirus. The cancellation of the 2020 festival in last March was a a real hard blow for wagnerians because for the first time in their lives, there will be no Bayreuth this year... something unthinkable. The last time it suspended its activity was in 1945, amidst the devastation of  World War II. For the wagnerians, summer means Bayreuth. Every 25th July, the magic of the festival can be witnessed by the audiences both in the theatre as well millions of people worldwide on the radio, and in the recent years, followed via livestreams on the internet. 

To give an alternative, the Bavarian Radio, Deutsche Grammophon and German Television will be offering broadcasts and telecasts of classic and recent productions, as well as the 2015 Petrenko Ring, the 1952 Karajan Tristan and the 1958 Cluytens Lohengrin on the radio, as well as the classic Chéreau and Kupfer rings on television and latest productions in streaming in DG.

On the other hand, the city of Bayreuth and the festival Organization are also doing their part: many concerts featuring known artists of the Festival will be held, as well as a Beethoven cycle celebrating his 250 anniversary. As a result, the opening date of the festival has continued the tradition despite all, but not with the scheduled performance of Die Meistersinger, but a concert to help the Festival artists, celebrated at Wahnfried, Wagner's former villa, with an audience of 400 people in the garden, following the concert in a big screen placed in front of the house.

It has featured the celebrated singers at Bayreuth Klaus Florian Vogt and Camilla Nylund, as well as Jobst Schneiderat at the piano and members of the orchestra conducted by Christian Thielemann.

Klaus Florian Vogt and Camilla Nylund performing Die Meistersinger during the last year Festival.

The concert began with excerpts of Meistersinger with piano accompaniment: the Fanget An aria from Act 1 and the Act 2 scene between Eva an Stolzing. Vogt has sung the role during many years at Bayreuth, so he knows well the aria and sings it with his lyrical beautiful voice. However, it is known that he lacks some of the heroic, aristocratic tone for this role. Nylund sang well but sounds a bit mature for Eva.

Afterwards, began the orchestral part, conducted by Thielemann. They started with the Siegfried-Idyll, in which a tender, moving version of this masterpiece. But the peak of the program came with the Wesendonck-Lieder, in which Thielemann gave a magnificent rendition, extracting from the ensemble the wagnerian, dramatic, elegiac, melancholic required for a great performance of this cycle of songs. Nylund was here more appropriate, with her beautiful voice and dark, elegiac, sensitive and liederistic performance. 

                                   

Despite the accomplished performances, the emotion perceived for this concert in such special circumstances, the usual magic of the Festival was missed. Today, most of wagnerians are sending some support among themselves, to carry on with this absence, by posting old recordings of Wagner operas. Health is more important, even than Bayreuth itself, so we have to wait. We wish next year the conditions could let the Festival to be resumed, because if there is no Bayreuth, summer is less happy than it should be.

                                     

                      We hope the Festival regains its audience and performances soon.

In this link you can listen to the concert in this podcast.

My reviews are not professional and express only my opinions. As a non English native speaker I apologise for any mistake.

Most of the photographs are from the internet and belong to its authors. My use of them is only cultural. If someone is uncomfortable with their use, just notify it to me.

Concierto Wagner 2020 en Bayreuth: alternativas para una ciudad sin su famoso festival.

Cada año, me gusta celebrar el aniversario de este blog con el Festival de Bayreuth, aunque desgraciadamente este año es diferente. Desde su reapertura en 1951, este será el primer verano en que el Festival de Bayreuth no podrá celebrarse. La razón es el Coronavirus, que se ha llevado toda la vida social programada para este año. Para el wagneriano y para el aficionado a la ópera, los veranos son sinónimo de Wagner. Cada 25 de julio, el festival da inicio a su impactante programación, y en los últimos años, millones de espectadores en todo el mundo hemos podido seguir la magia de la inauguración festival en streaming. Este año habría tenido lugar una nueva producción del Anillo a cargo de Pietari Inkinen y Valentin Schwarz, que se ha aplazado a 2022. 

La cancelación del festival en marzo supuso un duro golpe para los wagnerianos, el quedarse sin festival por primera vez en sus vidas. Habría que remontarse a 1945, en medio de la devastación de la Segunda Guerra Mundial, para encontrar un último referente de cierre necesario del Festspielhaus. En estas circunstancias, tanto la radio bávara como Deutsche Grammophon y la televisión alemana ofrecerán al público un festival alternativo, en el que se emitirán por radio el Anillo de 2015, Tristán y Lohengrin de los años 50, en televisión los Anillos clásicos de Chéreau/Boulez y Kupfer/Barenboim, y en la plataforma de D.G. se verán las últimas producciones de estos años en vídeo. 

                                  

Por su parte, la ciudad también estará organizando conciertos con artistas del Festival, además de conciertos dedicados a Beethoven por su 250 aniversario. El 25 de julio, tradicional fecha de apertura, ha tenido lugar el primer concierto, para apoyar a artistas del festival, emitido por radio a todo el mundo, que ha contado con las actuaciones de Camilla Nylund y Klaus Florian Vogt, acompañados por Jobst Schneiderat al piano y por miembros de la orquesta del festival dirigidos por Christian Thielemann.

                                       

Klaus Florian Vogt y Camilla Nylund en Los Maestros Cantores de Núremberg en el Festival el año pasado.

El concierto empezó con fragmentos de Los Maestros cantores acompañados a piano. Primero fue el aria del primer acto Fanget an, cantada por Vogt y luego el dúo de Stolzing y Eva junto a Nylund. Un rol que ha cantado muchas veces en el festival, el Stolzing de Vogt es juvenil, lírico (aunque tendente a lo ligero), aunque ausente de ese toque de heroísmo y gallardía que se atribuye a este noble lanzado a la aventura. El aria la cantó desde esta perspectiva de bella voz pero falta de heroísmo. En cuanto al dúo, ambos cantantes estaban bien pero a ella se la notaba con la voz más madura para el rol.

Después llegó el turno de la orquesta, quienes al mando de Thielemann interpretaron una tierna y emotiva versión del Idilio de Sigfrido. Y sin embargo, el momento álgido del concierto llegó al final, con las Wesendonck-Lieder, y fue aquí cuando Thielemann extrajo el sonido wagneriano, dramático, evocador, melancólico y camerístico al mismo tiempo que se espera en una interpretación referencial de esta obra. ¡Cuán elegíaco sonaba el viento en Im Treibhaus! Por momentos uno se sentía como si estuviera asistiendo a una representación de Tristán.  Nylund también estuvo aquí más adecuada que como Eva, con una interpretación dramática, entregada, sensible, con su bella voz encajando perfectamente.

El concierto fue interpretado dentro de la casa del maestro, Wahnfried, y aunque no hubo aplausos dentro, sí los hubo en el jardín, donde cuatrocientas personas siguieron la velada a través de una pantalla. 

                                      

Pese a la belleza y emotividad de las interpretaciones, realmente se echó de menos la magia del Festival. Se podía sentir que faltaba algo, especialmente por la brevedad y las limitaciones del concierto. En las redes sociales, los wagnerianos están lanzándose mensajes de ánimo con grabaciones de ópera para pasar estos días. Se nota este verano sin el entusiasmo de las transmisiones, las fanfarrias, los comentarios entre descansos y las críticas. Pero lo importante, pese al desánimo, es la salud. Esperamos que el año que viene sea posible retomar las funciones, porque un verano sin Bayreuth no es un verano tan feliz.

                                     

                                          Así es como queremos ver de nuevo el Festival.

En este enlace se puede seguir el concierto en podcast.

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La Traviata in Teatro Real: A-class opera is back to Madrid and worldwide.

Madrid, July 22 and 23, 2020.

Four months later its forced closure due to Coronavirus, opera returns to Madrid with La Traviata. Four challenging months in which the Spanish capital has been endured a hard lockdown due to the pandemic, being its focus in Spain. For this season, Teatro Real had scheduled two runs of performances for Traviata: one in May and the other one in July. Since the May run had to be cancelled, To give all the ticket holders their own chance and in order to follow all the safety rules by opening with at last 50% of the complete capacity, a run of 27 performances is being given throughout July, with most of the scheduled singers, in a total of five different casts. With this return, Teatro Real became the first major opera house to perform a complete opera and with world-class singers.

On July 15, the first cast featuring Marina Rebeka, Michael Fabiano and Artur Rucinski was live streamed worldwide on My Opera Player. 

Safety rules and social distancing are being followed strictly: every seating zone is assigned a timetable for entering, and in scaled form, starting with the upper ones and finishing with the lowest. At entering, mask and gel are provided, you have to look into a camera, and step into a wet doormat and go through the  a walk-through metal detector and dry your shoes, and then a nurse takes your temperature, after that you can finally show the ticket and enter. During the long, forty-minutes intermission your zone is assigned a delimited zone for movement with a bar and toilet, and you cannot go to another zone in the theater. At the end of the show, exit must be done staggered, and you have to wait until the file before you are empty, following the ushers' instructions.

The famous Willy Decker staging from Salzburg was scheduled for this performance, but the limitations of Covid-19 have made it to be replaced by a semi-staged performance, designed by Leo Castaldi. To respect the social distancing, the stage has been divided in squares, covering 2 meters of space to individual movement for any chorist and soloist. Few elements are seen on stage: bed, divan, desk, table... and soloists wear elegant costumes, and different for every act. They cannot embrace or kiss, and despite those missing elements in such a love story, emotions are ensured, with the dramatic skills of every member of the different casts: for example, when Violetta gives Alfredo a flower, they both take at the same time from their places, or they sing in the final act in one and another side of the bed.

The Teatro Real Orchestra had also to fullfil the safety rules, by enlarging the orchestra pit to make every musician placed at a safety distance one another, using the measure often used for Wagner operas. Nicola Luisotti (who conducts most of the performances) conducted the July 22 performance, with an opulent sound, the orchestra reaching an almost Wagnerian sound level, and maybe the emotion of returning or the devotion of musicians, something magic happened with the strings (in one of the most amazing renditions I heard from them) started with the Prelude. Sometimes the time went faster, but most of the time Luisotti reached a dramatic, Verdian sound and style from the orchestra. Luis Méndez Chaves conducted the following day, but it was completely different, the sound was more calm, smooth, with a shy starting of the prelude, more focused on helping the singers and a bit slower tempi, sometimes reaching an intimate performance. Méndez regained some energy for the second part, with a strong rendition at the end of Act 2 and a beautiful Act 3 prelude. The Teatro Real Chorus sang at their usual good level, and also devoted for this performance, sounding menacing, impressing, overwhelming at the end of Act 2 and lustful during the brief Carnival chorus in Act 3.

The 22nd July cast: Lisette Oropesa, Ivan Magrì and Nicola Alaimo with Nicola Luisotti.

On July 22, Lisette Oropesa sang the role of Violetta in a dazzling performance, with her powerful voice, low notes, amazing technique and coloratura during an unforgettable Act 1, and also able to move with her dramatic skills in Act 2 and 3, and also her pianissimo notes and singing in Alfredo, Alfredo di questo core and at the line "di chi nel ciel tra gli angeli", the latter one being a very beautiful moment. Ivan Magrì was an Alfredo with a big voice, but during the first part some of his lines were sung a bit fast. Nevertheless, he found his peak during the second part. Nicola Alaimo sang an authoritative Germont, but during the Di Provenza he seemed a bit light for the part. 

The 23rd July Cast: Ekaterina Bakanova, Matthew Polenzani and Luis Cansino.

On July 23, Ekaterina Bakanova, who has toured many theatres with her Violetta, giving a beautifully sung rendition of the role, despite some coloratura troubles during the Sempre Libera, reaching her peak at the end of act 2, singing Alfredo, Alfredo with a nice dark, seductive and melancholic tone. During Act 3 she showed her acting and singing skills well fusioned to convey well the drama. Matthew Polenzani, the famous Met tenor in his Madrid debut, showed a big and youthful-toned voice for Alfredo, surpassing with his volume to everyone during first act even with some troubles too. However during the second part he also reached his peak, specially during Act 3 at the Parigi, o Cara. The Spanish baritone Luis Cansino sang the role of Germont, as I personally have never seen it before. His portrait of a tormented, and later remorseful father who is more forced than convinced to act like this was really moving. This is shown in his rendition of Di Provenza il mar, sung with sorrow but also tenderness. His great low notes were remarkable at the end of second act, too. 

The supporting roles were sung at a marvellous level, with the usual well-known singers to this house: the veteran bass Stefano Palatchi as Doctor Grenvil, the baritone Isaac Galán as Douphol, the always accomplished tenor Albert Casals as Gastone, Sandra Ferrández with her nicely sung Flora and Marifé Nogales as a tender and well acted Annina.

The audience really wanted to return to the opera house, and enthusiasm was perceived. These performances are historical because Madrid has put itself into the map by showing that opera could be back to the stage with all safety measures, despite being semi-staged, leading by example for many theatres during these hard times.  

I would like to end with a demostrative anecdote, to show how events could change unexpectedly. Three years ago, after a magnificent Macbeth performance with an amazing Plácido Domingo, the celebrated tenor was signing autographs, when someone asked him if he would sung Germont one day in Madrid. He answered that in 2020, if he reached his 4000th performance (what he did). How things are different today for all of us and for this Traviata!

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La Traviata en el Teatro Real, tercer reparto: una función más que disfrutable y con una valiosa protagonista.

Función del día 23 de julio.

Después de la intensidad de la Traviata de ayer, la función del tercer reparto fue una función bonita y disfrutable, con el teatro no tan concurrido pero ello no restó a la función ni un ápice de valía, sino que le dio un ambiente más acogedor. Es interesante ser testigo de la historia al asistir a estas Traviatas.

Hoy la orquesta fue dirigida por Luis Méndez Chaves. Este joven director y clarinetista se está ocupando de algunas de las funciones de esta serie de Traviatas. La diferencia con Luisotti el día anterior fue notoria. Ya desde el preludio, la orquesta parecía otra, empezando por no sonar con un volumen tan fuerte, con un sonido suave, íntimo por parte de las cuerdas, durante toda la primera mitad. Méndez parecía centrarse en cuidar las voces, dejando que estas fluyeran. No obstante a partir del segundo acto la orquesta empezó a hacerse notar cada vez más, sonando con mucha fuerza en el concertante de dicho acto y con una notable ejecución del preludio del tercero, para terminar con una opulencia parecida a la de la función anterior.

Ekaterina Bakanova interpretó a Violetta. Esta soprano rusa ha cantado el rol por muchos teatros, apuntándose un éxito con él en nuestro país en el Festival de Peralada. La voz es muy buena, con timbre más tendente a lo dramático, si bien el agudo a veces se me antoja un poco nasal. En el primer acto tuvo dificultades en la coloratura, que le llevaban a patinar en el Sempre Libera, con pausas a veces demasiado largas que me hicieron temer lo peor. Por suerte, ese gran material lo supo aprovechar en los dos actos restantes, y en el final de segundo acto el Alfredo, Alfredo di questo core, lo cantó maravillosamente. En el tercer acto esta voz dramática supo mezclarse con una interpretación dramáticamente convincente, resaltada por su gran belleza física.

Matthew Polenzani fue Alfredo. Con una gran carrera internacional, este tenor estadounidense posee una enorme voz, más propia de un spinto que de un lírico-ligero. Durante la primera mitad la voz no sonó tan grata, con los agudos abiertos, especialmente al pronunciar las aes. No obstante, esta enorme voz spinto sonó mejor a partir de la segunda mitad, especialmente al final del segundo acto, donde encontró el equilibrio, recreando a un Alfredo desesperado y tierno en el acto final. El sonido de su voz juvenil tiene aún reminiscencias del lírico que fue o que sigue cantando (Elisir en Nueva York, por ejemplo), e incluso es capaz de cantar en pianissimo en el Parigi, o Cara y salir airoso del reto.

El rol de Germont padre estuvo a cargo de Luis Cansino, quien dio una interpretación conmovedora, la de un padre atormentado, afligido al ver el daño que tiene que causar, involuntariamente pero obligado por su sociedad. Y en este aspecto, Cansino supo transmitir el dolor del personaje como nunca antes lo había visto. La voz se hace eco de esto, en una interpretación íntima en el Di Provenza, con graves imponentes, alcanzando su mejor momento en el final del segundo acto.

El coro y el resto del reparto estuvieron al mismo buen nivel de ayer, aunque el esfuerzo titánico pasa factura especialmente al coro, después de tantas funciones.

Y con esta función termina mi periplo por estas Traviatas históricas en el Teatro Real. Nadie podía pensar hace tan solo unos meses que estas funciones podrían hacerse ya que la situación en nuestro país era bastante grave. Muchos soñábamos con volver a vivir la magia de la música en vivo en cada transmisión en streaming, ya fuera con las funciones a puerta cerrada, con la gran gala del Met desde las casas de los artistas, y luego con las noticias de los primeros teatros que iban abriendo, primero la ópera de Wiesbaden con un número reducido de espectadores, y luego todos las demás. Si el coronavirus sigue poniéndonos las cosas difíciles, y si se las sigue poniendo a la lírica, Madrid no solo se ha puesto en el mapa operístico por su valentía, sino para que el resto de teatros importantes puedan encontrar en esta notable función semiescenificada un momentáneo ejemplo a seguir.

Por último, me gustaría terminar esta reseña con una anécdota que demuestra, hasta qué punto, que nada es fijo en esta vida lírica. Hace tres años, en el verano de 2017, tras una espléndida función de Macbeth, el gran Plácido Domingo firmaba autógrafos en camerinos a todos los que le esperábamos. De repente, alguien le preguntó que si cantaría el Germont padre aquí. Entonces el divo comentó que posiblemente en 2020, si conseguía llegar a las cuatro mil funciones. ¡Cómo han cambiado las cosas desde entonces!

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La Traviata en el Teatro Real: vuelve la ópera a Madrid, de la mano del ruiseñor latino.

Función del 22 de julio de 2020.

Después de cuatro meses, la ópera regresa a Madrid. Cuatro meses en los que la capital española se ha enfrentado con entereza a una pandemia global de la que era foco principal en el país, silenciando su vibrante actividad y la alegría de sus habitantes que tuvieron que confinarse en sus casas. Este forzoso silencio llegó al Teatro Real, que tuvo que mantener durante ese tiempo su telón bajado. Por eso, cuando se anunció que en julio retomaría su actividad con el título previsto para ese mes, La Traviata, con nada menos que ¡28 funciones!, para acoger a los que ya tenían entrada y cumplir las medidas de seguridad; la propuesta fue recibida con un poco de escepticismo, pero también con una gran alegría entre los aficionados. Al fin volvería la ópera a nuestra ciudad.  

Nunca, el Teatro Real había ofrecido funciones tantos días seguidos. Posiblemente desde el siglo XIX, cuando era un teatro de repertorio. La Traviata vuelve a Madrid con cinco repartos, y dos directores de orquesta. Con este valiente regreso, el Teatro Real es el primer teatro importante del mundo en volver a abrir sus puertas con una ópera completa y con estrellas internacionales. 

Las representaciones se llevan a cabo con fuertes medidas de seguridad. Cada zona del teatro tiene una hora de entrada específica, y de forma escalonada: primero las zonas más altas, y por último el patio de butacas. En la entrada, se reparten mascarillas y gel. Luego en los arcos de seguridad hay cámaras a las que el personal pide mirar, y limpiar los zapatos en una alfombra. Tras atravesarlos e inspeccionar la mochila o el bolso, una enfermera mide la temperatura del espectador, y finalmente ya se puede presentar la entrada y acceder al teatro. El aforo del teatro está al 50%, y cada dos asientos hay al menos tres que no se pueden usar. La mascarilla debe usarse durante todo el espectáculo. Durante el intermedio, cada zona del aforo tiene una delimitada área para moverse, con un baño y una mesa de refrigerio asignados, no pudiendo ir a ninguna otra del teatro. Por último, la salida se hace de forma escalonada, esperando que una fila se vacíe para que pueda salir la otra, siguiendo las instrucciones del acomodador. 

Estaba prevista para esta Traviata la famosa producción de Willy Decker, pero ante las limitaciones del coronavirus que impedían llevarla a cabo, se optó por una versión semiescenificada a cargo de Leo Castaldi. De nuevo para cumplir las medidas se seguridad, el escenario está conformado por unas tarimas divididas en areas cuadradas donde los cantantes y el coro pueden moverse individualmente sin ponerse en riesgo entre ellos. Ello conlleva que los solistas no puedan tocarse ni abrazarse, algo tan importante en esta historia de amor, pero pese a todo la magia no se ha perdido, por ejemplo cuando Violetta le da a Alfredo la flor no se la da realmente, sino que ella coge una flor en su sitio y él otra. Al iniciarse el preludio, el coro va entrando lentamente y ocupando sus lugares, con la mascarilla puesta, hasta que empiece la obra, cuando se la quitan. Poco atrezzo en escena: unas mesas, un sofá, un escritorio y un diván, cada uno situado en un recuadro distinto. Los cantantes vestidos con elegantes trajes, que varían en cada acto, especialmente el de la protagonista. En el segundo cuadro del segundo acto vuelve el coro, esta vez con gorros de fiesta. Hay una mesa de juego, y Alfredo arroja cerca de Violetta las fichas de juego. Entre las escenas hay pausas para los cambios pertinentes. En el acto final hay una cama. Un momento emotivo es el largo dúo final entre los protagonistas, ya que están muy cerca el uno del otro, a un borde y otro de la cama. Al final, Violetta alza los brazos y con la luz solo iluminándola a ella, como una alegoría de su muerte y el fin de su vida.

La orquesta del Real ha sido dirigida por Nicola Luisotti, quien vivió el cierre de la Scala de Milán a causa del Covid-19. Aquí también ha habido medidas de seguridad: el foso se ha ampliado casi a la capacidad requerida para grandes orquestas como en las óperas de Wagner, para que así puedan entrar los músicos con la distancia de seguridad requerida. En el podio del director de orquesta hay una mampara que le protege. Los músicos llevan mascarilla, salvo la sección de viento  y el propio director de orquesta. Luisotti ha dirigido una versión opulenta, con un sonido wagneriano, lo que a veces hacía pensar que abusaba del volumen, si bien el sonido de la orquesta es estupendo, quizá por los días que lleva ya interpretando la obra. Cuando sonaron las cuerdas del preludio, algo mágico sucedió: como si la emoción por volver se pudiera percibir en la entregada interpretación. Pareciera que la orquesta hiciese el esfuerzo de su vida por devolvernos la ilusión de escuchar música en vivo. Y ya desde el principio el sonido de las cuerdas se distinguió por su brillantez, como pocas veces, así como el clarinete cuando Violetta escribe la carta. No obstante, hubo momentos donde iba demasiado rápido para lo que demandaba la obra en ese momento.  Los preludios fueron sin duda alguna, los grandes momentos.  

El Coro también parecía hacer un esfuerzo inmenso por volver a deslumbrar al público, y esa entrega pudo palparse en cada momento, especialmente en el final del segundo acto donde sonó rotundo, amenazante, potente. Una interpretación excelente, en su línea habitual.

Lisette Oropesa ha sido la protagonista de una función no solo por que canta el rol principal sino porque su interpretación le ha supuesto un triunfo absoluto anoche. Oropesa ha deslumbrado al público con una voz potente, apasionada, una coloratura que domina y unos agudos excelentes. El primer acto fue para el recuerdo, con un Ah, forse lui che l'anima donde convenció con un profundo dramatismo y un Sempre Libera que  hizo que el teatro se viniese abajo hasta el punto de que tuvo que salir a saludar porque el público la reclamaba. Además también tiene unos graves estupendos, convenientes al drama, y unos pianissimi muy bonitos, especialmente en la frase di chi nel ciel tra gli angeli donde le salió uno inolvidable, que emocionó al casar con los últimos momentos de vida de su personaje. Su interpretación, además, fue increíblemente teatral, siendo capaz de transmitir tristeza en el segundo acto y sobrecogiendo en el tercero al recrear notablemente a la protagonista consumida por la enfermedad. Gran noche de canto a cargo de esta soprano? a quien aplaudieron -literalmente- hasta con los pies, en una ovación como no se había escuchado en esta accidentada temporada. Y así, este ruiseñor latino se consagra como una de las divas predilectas del público de Madrid.

Ivan Magrì canta con una voz muy potente, quizá un tanto excesiva para el personaje. Tuvo algún apuro en la primera mitad, con sus líneas cantándolas a veces de forma rápida, quizá para prevenir. En cambio en la segunda mitad, en el concertante final del segundo acto y a lo largo del tercero sí cantó con mucha más seguridad y con la voz a pleno rendimiento, y volumen.

Nicola Alaimo es un barítono de voz rotunda y presencia muy imponente, pero a la vez un poco ligera para el personaje, su mejor momento fue la caballetta Non udrai rimproverì, y en el final del segundo acto.

Esta Traviata ha supuesto el regreso también de los comprimarios más habituales de esta casa, como el veterano y espléndido bajo Stefano Palatchi como el doctor Grenvil, el barítono Isaac Galán como el barón, la mezzosoprano Sandra Ferrández como una Flora de volumen generoso, la dulcemente cantada Annina de Marifé Nogales o el siempre solvente Albert Casals como Gastone.

Había ganas de ópera, después de unos meses duros, cuya dificultad aún no termina. De hecho, hace unos meses, pocos creían que se podrían llevar a cabo estas funciones. Personalmente, no dejé de perder la esperanza. Por eso a pesar de las condiciones, el público está muy feliz de volver a sentarse en su butaca. Confiemos en que puedan llevarse las próximas temporadas a cabo, ya que si algo nos ha enseñado esta pandemia es que todo puede pararse en cualquier momento. 

 

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Wagner's Die Feen in Vienna or the little approximation of an apprentice work.

Die Feen (The Fairies, in English) is the first of the three apprentice works by Richard Wagner, until he found his masterful style in The Flying Dutchman. During this first phase, he would be influenced by different styles, and in his first complete opera ( Die Hochzeit was his first attempt but he left it) the influence of Weber is easy to perceive. Weber was in the date of the composition of this opera, the most important opera composer in Germany. Nevertheless, we can hear some hints of what would come, Lohengrin, Tannhäuser or even Rheingold could come to one's mind.

                                       

This is the only Wagner opera with no video of any complete performance, excepting the Vienna State Opera version for children premiered in 2012, which is to date the sole DVD version of this opera to watch at home, since Die Feen is rarely performed. It was recently streamed on the website of the theatre, in last April, when the pandemic was at its height in Europe.

From the original more than 3-hour original version, this one is a reduction to 45 minutes, and orchestra is also reduced to a little ensemble, including piano. Kathleen Kelly conducted the orchestra and Waut Koeken was the stage director.

How to resume this opera about the love between a fairy princess and a mortal prince? Before the curtain rises, a voice (in German) ask the spectator if he or she believes in fairies or whether has seen one, and magic is everywhere. The only set is a dry grass, with a semi-buried car in it. The world of the fairies is suggested with a beautiful night sky full of stars, and the fairies with green skirts and flower crowns emerging from the ground. The human world is shown darker, with the heroes appearing tired, more rustical than the ethereal fairies. There are moments for the drama, for example when Ada sings her lament for Arindal's absence while she covers herself with a mantle while the sun is rising, still unaware of her beloved's return. At the end, love triumphs and while Lora and Morald wear their new crowns, Ada and Arindal celebrate love and their return to the eternal world of fairies, and the fairies playing with the children in the audience.

                                       

The cast is made up by good singers, led by Sorin Coliban (usual singer at major opera houses in Wagner roles, including Bayreuth), whose dark and big voice gave authority to his double role as Harald and the King of fairies. Gergely Németi as Arindal has a lyrical tenor voice, even when he faces some trouble. Daniela Fally is a well sung Ada, with nice high register and good voice, as well as a good actress. Caroline Wenborne sings with a remarkable voice, but Lara's aria is a bit tiring. The fairies Zemina and Farzana were well sung and acted by Donna Ellen and Monika Bohinec, respectively.

Even in a reduced version for children, this little approach to such a work has gone beyond its target audience and even it has been considered as an interesting version. Being the only option to see, this is a must for Wagnerians, to attend the magical world created by Wagner and reproduced beautifully for the Vienna Opera.

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Las Hadas de Wagner en Viena: una pequeña aproximación a una obra juvenil.

Die Feen (en español, Las Hadas) fue la primera ópera que compuso Richard Wagner con tan sólo 20 años, en 1833. Durante la década de 1830, y hasta que su genio definitivo empezara  a despuntar con "El Holandés Errante" en 1843, el joven Wagner se acercaría a varios estilos en las que llamaría "obras de juventud", de las que renegaría en su época madura, cuando Bayreuth ya estaba tomando forma. En su primera ópera, Wagner muestra claras influencias de Carl Maria von Weber, quizá el compositor de ópera más importante de aquél momento en Alemania. No obstante, en ella ya se encuentran algunos indicios, pese a la influencia romántica de su tiempo, de lo que será el maestro: vemos trazos, anticipos de lo que se convertirá en Lohengrin, Tannhäuser o incluso el Oro del Rin.

De las tres óperas de juventud, Die Feen sea posiblemente la menos escenificada. Pese a que se cuentan con diez grabaciones en disco, no tiene ni una sola versión completa en vídeo, a diferencia de Rienzi (con dos DVDs respetables, y videos antiguos) y Das Liebesverbot (cuya versión en DVD fue filmada durante las divertidísimas funciones en Madrid a cargo de Kasper Holten e Ivor Bolton). La única referencia visual de esta obra se encuentra en una versión para niños, en una producción de la Ópera de Viena en 2012, que se pudo ver recientemente en livestream en la web del teatro el pasado mes de abril, mientras Europa pasaba por el pico de la pandemia.

                          

Esta versión de 45 minutos (de una obra de más de tres horas) y orquesta reducida estuvo a cargo de Kathleen Kelly en la dirección musical y de Waut Koeken en la escénica. Naturalmente, este único vídeo de esta obra tan infrecuente no puede considerarse como una versión al uso de la misma sino como una pequeña aproximación con el fin de hacerla completamente adecuada para los más pequeños, valga la redundancia. Y a consecuencia de esto se presenta con una orquesta reducida, acompañada de piano.

                                       

¿Cómo sintetizar una obra sobre los amores de una ninfa inmortal y un príncipe que lo deja todo por ella, incluso un reino con problemas? El montaje empieza con una voz que -en alemán- pregunta si uno cree en las hadas, si ha visto alguna y si todo en este mundo es magia. A continuación se eleva el telón transparente (donde se proyectan siluetas de estos seres sobrenaturales, y más cosas) y se muestra el único decorado: un suelo yermo en el que hay un coche enterrado. Arindal entra y caza un ciervo que se convierte en una bella ninfa de pelo rojo, la etérea Ada. El reino de las hadas se muestra con un precioso cielo nocturno, y del suelo seco emergen las hadas y demás seres mágicos con sus faldas verdes y sus coronas de flores. El mundo de los humanos se representa sin ese cielo y con el escenario menos luminoso, con los príncipes y héroes más cansados, sucios y más bastos que sus alegres compañeras. A pesar de todo, hay momentos para el drama, como cuando Ada lamenta temporalmente la pérdida de Arindal, cuando se envuelve en un manto y sale el sol, aunque ella aún no sepa la nueva de que su amado está vivo y todos serán felices, lo que ocurre pronto. Y sí, el amor triunfa al final, con Lora y Morald ostentando unas coronas de reyes, y las hadas en escena, mientras saludan a los niños del público, proclamando la felicidad eterna de Ada y Arindal, que se ha convertido en inmortal. 

                                     

El reparto está formado por competentes cantantes, como Sorin Coliban, bajo habitual en grandes teatros de Europa interpretando a Wagner, incluido Bayreuth, aquí apareciendo como Harald y Rey de las Hadas, con su espectacular voz de bajo profundo y dando la nota de autoridad. En cuanto a la pareja protagonista, Gergely Németi es Arindal, un tenor con una voz interesante, pero al que le cuesta un poco cuanto más alto apunta la voz. Daniela Fally es una estupenda Ada, con un buen registro agudo y una voz en general buena, aunque a veces el rol también le traiga alguna dificultad, y muy entregada como actriz. Caroline Wenborne es una soprano dramática cumplidora, aunque aparezca cansada en el aria de Lara. Donna Ellen como Zemina y Monika Bohinec como Farzana realizan una gran prestación vocal y actoral como las hadas.

A pesar de la reducción y la versión para niños, esta única referencia visual de la primera ópera completa de Wagner ha sido considerada como una interesante versión escénica más allá de su público objetivo. Pese a que es más una pequeña degustación que una propia aproximación, los wagnerianos no deben perderse este pequeño universo que el maestro y la Ópera de Viena han creado.

                                    

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